Юная декадентка рамон касас

Содержание

Ramon Casas — зеркало каталонского модернизма

Скажите, какие имена всплывают в вашей голове при словах «испанская живопись»?
Большинство из нас не искусствоведы и назовем имена Веласкеса, Мурильо, Эль Греко. Это золотой век испанской живописи! А дальше Гойя! А дальше … Пикассо и Дали!

Меня всегда интересовало, как интерпретировались идеи модерна в разных странах. С желанием углубится в эту тему я и приехала в Барселону. Придя в Музей Модернизма (MUSEU DEL MODERNISME CATALA` — ММВСN) с трепетом рассматривая образцы предметов быта в стиле модерн, я оказалась в зале с живописными работами, которые меня заинтересовали манерой исполнения, красками и неподдельным интересом художника к своим моделям. Этим художником оказался Рамон Касас Карбо. Уже вернувшись домой, я стала изучать его творчество. С результатами моего поиска о жизни и творчестве этого художника, я и хочу с вами поделиться.

Сын эмигранта, сколотившего себе состояние в Матансасе на Кубе. Мать из обеспеченной буржуазной семьи. Рамон Касас Карбо /Ramon Casas i Carbó/ родился 04.01.1866 в Барселоне, умер – 29.02.1932, там же.

В 11 лет бросил школу и начал брать частные уроки живописи.
Уже ранние работы Касаса свидетельствовали о его одаренности. как портретиста. «Автопортрет» (1883, Барселона, Музей современного искусства) был представлен в салоне Елисейских Полей 1883.

Творчество Касаса развивалось под влиянием искусства модерна и французского импрессионизма. Встреча в Париже с С. Русиньолом и французским критиком Мишелем Утрилло положила начало их долгой творческой дружбе. В 1881 опубликовал свой первый рисунок в модернистском журнале Avenç, одним из основателей которого стал. В том же году приехал в Париж, поступил в частную академию Каролюса-Дюрана. В 1883 в первый раз выставил свою работу в Париже. В дальнейшем ежегодно бывал в Париже, остальную часть года живя в Барселоне, а также в Мадриде и Гранаде. Всегда много путешествовал. Фанатик велосипеда. Подружился с Сантьяго Русиньолем, Сулоагой, Эженом Каррьером. Перенес туберкулёз (1886). Вместе с Рузиньолем работал над книгой «По Каталонии»(1889, тексты Русиньоля, рисунки Касаса)

В 1890-е годы – период наивысшего расцвета его творчества – большие выставки Касаса прошли в Мадриде, Берлине, его работы были показаны на Всемирной выставке в Чикаго (1893) В 1900 две работы Касаса (в том числе – портрет Эрика Сати) экспонируются на Всемирной выставке в Париже. Его картина «Подлая гаррота» получает премию в Мюнхене (1901).

Каталонский критик Рамон Касельяс назвал «Гаротта», в которой изображена публичная казнь на одной из барселонских площадей в присутствии толпы народа, «точным портретом времени».

Работы художника выставляются в различных городах Европы, в Буэнос-Айресе. В 1903 Касас становится постоянным членом парижского Салона на Марсовом поле, что дает ему право на ежегодную выставку во французской столице. В 1906 его моделью впервые стала Жулия Перайре-и-Рикарте, продавщица лотерейных билетов, которую он впоследствии не раз писал и на которой в 1922 женился (она была моложе художника более чем на 20 лет).

Вернувшись в Барселону, Касас объединил вокруг себя молодых художников в кафе Els Quatre Gats («Четыре кота»), которое стало центром художественного авангарда в Каталонии.

Принимал активное участие в праздниках нового искусства в Сиджесе, организованных С. Русиньолом; сотрудничал в журналах Куатр Гатс, Пел и Плома, Форма, иллюстрировал многие издания, писал плакаты.
Его активная творческая натура находила выход в различных изобразительных жанрах, он автор картин на исторические и жанровые темы, портретов, пейзажей.
Во время пребывания Касаса в Париже «французская тема» вошла в его творчество такими прекрасными работами, как «Пленэр» (1890—1891), «Вид на собор Сакре Кёр. Монмартр»(ок. 1890), преломлялась в изображении женских фигур в пронизанных светом интерьерах, в непринужденных портретах («Сеньора Монтсеррат Карбо», «Пианист Карлес Видиелла», 1892, все — Барселона, Музей современного искусства).
После того, как Касас возвратился в Барселону, светлая изящная живопись, тонкий лиризм сменяются иными образами и сумрачной гаммой красок. Он написал три большие многофигурные картины, посвященные конкретным событиям современной ему жизни («Гаротта», 1894, Мадрид, Прадо; «Выход процессии из церкви Санта Мария дель Мар», 1898, Барселона, Музей современного искусства; «Атака», 1903, Олот, Музей современного искусства).

Среди каталонских современников Рамон Касас выделялся способностью почувствовать и передать атмосферу общественного события, создать впечатляющую массовую сцену. Суровый трагизм происходящего сочетается здесь с чертами будничности и прозаизма, когда, по словам критика, «люди почти привыкли к казни». Художник находит выразительное решение в передаче сжатого безликими блоками домов пространства площади, в группировке фигур, то в виде отдельных черных силуэтов, то слитых в плотную, замершую в ожидании массу, в движении света пасмурного зимнего утра и в богатейших оттенках темных, охряно-серых, серебристых, словно дымных красок. Статичной безнадежности этой сцены, где зритель даже не видит самой казни, противостоит действенная динамика атаки, в которой изображено, как конная полиция разгоняет городскую демонстрацию. Стремительно отхлынувшая огромная толпа оставляет пустым голое пространство площади, на краю которой несутся карающие всадники. Огромная картина стала главным украшением музея в скромном Олоте, где в XIX в. сложилась так называемая олотская школа пейзажистов.

Картины Касаса, правдиво и смело отразившие дух времени с его острыми социальными контрастами, не составили главную линию в его творчестве. По призванию прирожденный портретист, он создал множество выдающихся произведений, начиная от официальных изображений — два подготовительных этюда к портрету короля Альфонсо XIII (1907); элегантных женских портретов, среди них супруги М. Утрилло Долорес Видаль (1911), до необычного двойного портрета (большого панно, предназначенного для украшения кафе «Els Quatre Gats» на котором сам Касас и его друг Пере Ромеу едут на велосипеде-тандеме (все — Барселона, Музей современного искусства). Однако главной областью портретного творчества Рамона Касаса стали рисунки, более 200 из которых находятся в барселонском музее. В этих великолепных, исполненных углем и пастелью рисунках создана галерея выдающихся деятелей культуры, искусства и истории Испании.

С 1907 много времени проводит в заброшенном бенедиктинском аббатстве Сант-Бенет, выкупленном и восстановленном его матерью, с 1912, после смерти матери, становится владельцем монастыря. В 1908 путешествует по Кубе и США, он вообще постоянно и много ездит по миру. Даже во время мировой войны его выставки проходят в Вене, Будапеште, Мюнхене, Париже, Мадриде и др.

Касас написал портрет молодого Пикассо, когда ему было 19 лет, в Париже, когда они оба посещали Всемирную выставки в 1900 г. На фоне этого портрета мы можем распознать некоторые из важных достопримечательностей Парижа, такие как Сакре-Кёр или лопасти Мулен де ла Галетт.

Немногие каталонские художники оставили такой четкий отпечаток на понимание социальной и политической истории современной Испании, как Рамон Касас, иллюстратор, художник плаката, портретист и художник, отображающий изменения в стране, вступившей в большие социальные преобразования в ХХ веке.

Умер от туберкулёза. Похоронен на кладбище Монжуик под знаменитой одноименной горой.

Испанский живописец Рамон Касас (1866-1932). Часть 1

Рамон Касас (кат. Ramon Casas i Carbó, 4 января 1866, Барселона – 29 февраля 1932, там же) – испанский (каталонский) живописец и график, мастер портрета и карикатуры, лидер национального модернизма.
Сын индейца, разбогатевшего на Кубе, в Матансас. Мать — из обеспеченной буржуазной семьи. В 11 лет бросил школу и начал брать частные уроки живописи. В 1881 опубликовал свой первый рисунок в модернистском журнале Avenç, одним из основателей которого стал. В том же году приехал в Париж, поступил в частную академию Каролюса-Дюрана.
В 1883 в первый раз выставил свою работу в Париже. В дальнейшем ежегодно бывал в Париже, остальную часть года живя в Барселоне, а также в Мадриде и Гранаде. Всегда много путешествовал. Фанатик велосипеда. Подружился с Сантьяго Русиньолем, Сулоагой, Эженом Каррьером. Перенес туберкулёз (1886). Вместе с Руссиньолем работал над книгой По Каталонии (1889, тексты Русиньоля, рисунки Касаса).
В 1890-е годы – период наивысшего расцвета его творчества – большие выставки Касаса прошли в Мадриде, Берлине, его работы были показаны на Всемирной выставке в Чикаго (1893). Со времени основания (1897) — регулярный посетитель кафе «Четыре кота». В 1900 две работы Касаса (в том числе – портрет Эрика Сати) экспонируются на Всемирной выставке в Париже. Его картина Подлая гаррота получает премию в Мюнхене (1901). Работы художника выставляются в различных городах Европы, в Буэнос-Айресе. В 1903 Касас становится постоянным членом парижского Салона на Марсовом поле, что дает ему право на ежегодную выставку во французской столице. В 1906 его моделью впервые стала Хулия Перайре, которую он впоследствии не раз писал и на которой в 1922 женился (она была моложе художника более чем на 20 лет).
С 1907 много времени проводит в заброшенном бенедиктинском аббатстве Сант-Бенет, выкупленном и восстановленном его матерью, с 1912, после смерти матери, становится владельцем монастыря. В 1908 путешествует по Кубе и США, он вообще постоянно и много ездит по миру. Даже во время мировой войны его выставки проходят в Вене, Будапеште, Мюнхене, Париже, Мадриде и др. Умер от туберкулеза. Похоронен на кладбище Монжуик под знаменитой одноименной горой.

24 крутейших косплея на известные картины. О таких фанатах великие живописцы даже не мечтали

  • 138 14 79 78k

    На Reddit поделились историями о том, как нелепо люди могут использовать бытовые предметы

  • 273 33 158 85k

    17 комиксов о ситуациях, в которые попадал каждый профессионал

  • 138 19 94 26k

    Пользователи заметили, что плохиши в кино часто появляются с яблоками. Разбираемся, что бы это могло значить

  • 156 28 602 150k

    Мы объясним концовки 15 фильмов, которые вы, скорее всего, поняли неправильно

  • 77 11 92 67k

    20 записей из детских дневников, от которых их авторам до сих пор неловко

  • 88 42 83 27k

    7 детей, которые делают этот мир лучше, пока мы с вами сидим в интернете

  • 164 13 83 30k

    Пользователи сети вспомнили 20+ вещей, которые все делают, но мало кто в этом признается

  • 147 19 119 27k

    20 уловок, с помощью которых производители здоровой еды подсовывают вам пищевой мусор

  • 460 23 481 171k

    15 особенностей Японии, которые находятся за гранью понимания обычного европейца

  • 161 17 71 52k

    Работники сферы обслуживания рассказали о самых раздражающих поступках людей, с которыми им приходилось сталкиваться

  • 157 33 291 64k

    Я консультирую в сфере отношений уже 10 лет и хочу рассказать, какие 3 вещи важны для мужчин, а какие — для женщин

  • 125 23 119 33k

    История человека, пережившего инсульт, которая научит вас быстро распознавать его симптомы

  • 190 38 378 95k

    8 особенностей поведения, по которым уже сейчас можно судить о проблемах с психикой

  • 102 15 66 29k

    Почему фраза «Мужчины не плачут» безнадежно устарела, а мальчикам важно уметь выражать свои чувства

  • 162 9 106 24k

    15 фактов о животных, которые каждый из нас хотел бы узнать еще в школе

  • 77 11 34 34k

    12 культовых ролей в советских фильмах, которые еще чуть-чуть и могли быть сыграны другими актерами

Есть ли у декаданса будущее?

Рамон Касас. Юная декадентка. 1899

Проводить исторические аналогии — дело рискованное и часто неблагодарное. Тем не менее, современная Россия — если не весь мир целиком — очень сильно напоминает себя же столетней давности. Экономический кризис, торжество реакции и… декаданс. Впрочем, декаданс не настолько жестко привязан по времени — свой декаданс знала Россия и при Александре III, и на исходе советской власти. Так или иначе, современный декаданс и декаденты вполне заслуживают того, чтобы на них подробно остановиться — тем более, что в их влияние велико — хорошо это или плохо – в левой политической среде. Сразу определимся, что под декадансом мы понимаем не только пласт художественной культуры, но и определённый образ жизни.

Итак, французское слово «decadence” означает «упадок» и использовалась оно поначалу как ругательное по отношению к новым, часто возмутительным с классической точки зрения явлениям искусства. Но, как часто бывает, адепты нового течения подхватили ругательство и превратили его в своё знамя. Так было с «проклятыми поэтами», панками и, конечно же, с декадентами. «Проклятые поэты» — Шаль Бодлер, Артюр Рембо (не путать с Рэмбо), Поль Верлен и другие — упомянуты здесь далеко не случайно, ведь именно они и были певцами декаданса XIX века, декаданса, ещё не видевшего ужасов Первой Мировой Войны. Соответственно, и протест их был направлен скорее против губительного своей пустотой буржуазного самодовольства, глупого мещанского оптимизма.

Первая Мировая Война и носившийся в воздухе дух революции породил совсем других декадентов — это и немецкие экспрессионисты, такие как поэт тоски и печали Георг Тракль, и возникший в нейтральной Швейцарии, в среде бежавших от ужасов войны художников и поэтов дадаизм, и его дальнейшее развитие — сюрреализм. Основатель дадаизма Тристан Тцара в манифесте 1918 прямо говорит: «Если жизнь — это дурной фарс, лишенный цели и изначального порождения, и раз уж мы полагаем, что должны выбраться из всей этой истории чистыми, как омытые росой хризантемы, мы провозглашаем единственное основание для понимания: искусство».

В России же за полвека сменилось сразу несколько художественных течений, так или иначе причастных к декадансу или воспроизводящих декаденский образ жизни. Началось всё с того, как со сцены ушли демократические писатели 50 — 60 годов, знакомые нам по школьной программе в лице Некрасова, Белинского и других, а также певцы чистого искусства Тютчев и Фет. Их место заняли практически неизвестные современному читателю поэты-декаденты, такие как Семён Надсон. На рубеже веков подводные течения оформились в мощнейшую волну Серебряного века: Сначала на русской почве пышно расцветает заимствованный из-за рубежа символизм в лице Брюсова, раннего Блока, Мережковского и других, а затем на его основе появляется специфически русский акмеизм, созданный Анной Ахматовой и Николаем Гумилёвым.

Серебряный век не был бы самим собой без вина, кокаина, запутанных любовных интриг — включая гомосексуальные — и самоубийств. Особенно показателен в этом плане роковой мужчина Серебряного века — Валерий Брюсов, разбивший не одно девичье сердце. В частности, в 1913 году от несчастной любви к нему застрелилась юная поэтесса и подпольщица-большевичка Надежда Львова. Это к тому, что не все большевики были исключительно серьёзными людьми с холодным сердцем и железной волей. Впрочем, самой декадентской партией были эсеры — героизм самопожертвования был доведён у них до эстетического любования смертью. Хорошее представление дают стихи Бориса Савинкова, известные сегодня в исполнении группы «Нагноение».

Достойными продолжателями декадентских традиций Серебряного века были разнообразнейшие направления советской художественной культуры, выросшие в первое послереволюционное десятилетие. Начнём с того, что главный поэт Революции — Владимир Маяковский, никогда — даже в самые радостные минуты футуристического энтузиазма не был чужд декадансу. Последний, доставшийся ему в наследство от Серебряного века был его внутренней самоиронией и, возможно, именно он не позволял Маяковскому превратиться в автора пошлых апологетических агиток, коих при советской власти было немало. Декаданс же и поставил точку в земной жизни Маяковского — сжёгшая его изнутри любовь к Лиличке и смутное разочарование в новом мире привели Маяковского к самоубийству — уместнее сказать даже, к поэтическому сэппуку.

Крайне оригинальное развитие идей дадаизма на советской почве представляют ОБЭРИУты — Даниил Хармс, Александр Введенский и Илья Зданевич(Ильязд). Последний писал: «Искусство давно умерло. Моё бездарное творчество — это борода, растущая на лице трупа. Дадаисты — пирующие черви, вот наша основная разница».Противопоставляя себя дадаистам, Зданевич одновременно указывает — хочет он того или нет — на своё родство с ними. Илья Зданевич, кстати, также известен как изобретатель «йазыка падонкаф» — второе его название — «олбанский» позаимствовано из пьесы Ильязда «Янко круль албанскай».

Ну а самыми классическими декадентами молодой советской культуры были крестьянские поэты в лице Сергея Есенина и Николая Клюева. Созданный и прожитый Есениным образ кабацкого хулигана не только обогатил собой галерею великих декадентов, но и пустил корни в народной культуре. Не случайно стихотворение «Москва кабацкая» было затем положено на музыку и превратилось фактически в народную песню. Лирическим героям этого бессмертного творения Есенина мог почувствовать себя кто угодно — и запутавшийся в жизни интеллигент, и объятый любовным томлением гуляка-студент, и обыкновенный забулдыга. Надо сказать, что в советскую эпоху городскими романсами стали многие стихи поэтов конца XIX — начала XX века — не только одного Есенина. Этот факт и предопределил поэтическое богатство и эмоциональный настрой этого, по идее, непритязательного жанра. Во многом мы обязаны этому эстрадным исполнителям начала-середины XX века, среди которых в свете нашей темы надо обязательно упомянуть Александра Вертинского. Образ грустного Пьеро, в котором жил и творил Вертинский как нельзя лучше подходил для тех песен, которые он исполнял. Полузапрещённый Вертинский был популярен среди всех слоёв населения даже в самые сытые советские годы — его даже украдкой слушали члены Политбюро. Такую популярность в дальнейшем заслужили, кажется, только два человека — Владимир Высоцкий и Виктор Цой.

Новые поколения советской творческой интеллигенции, сохраняя и передавая богатство русской культуры, неизбежно передавали и вирус декаданса. Декаденты Серебряного века нашли достойных продолжателей в лице Александра Башлачёва, Янки Дягилевой, Виктора Цоя и Егора Летова, чьё творчество в немалой степени задаёт атмосферу современного российского андерграунда — музыкального, художественного и политического. Русское поле экспериментов, при всём его внешнем убожестве обильно унавожено богатейшим опытом предыдущих поколений. Самая главная заслуга нового поколения — вполне себе европейский и даже «барский» декаданс окончательно ушёл в народ: в провонявшие пивом и мочой московские подъезды, в ржавеющие руины сибирских моногородов, в тесноту и бардак студенческих общежитий и неформальских вписок. В те самые места, где действительно живёт боль, пустота и безысходность и которые по-настоящему ждут Революции. Победное шествие декаданса было обеспечено во многом благодаря постсоветской разрухе и тому фантасмагорическому разнообразию дешёвого алкоголя и наркотических средств, которые были освоены российским обывателем: дешёвое пиво и портвейн «три топора», настойка боярышника и асептолин, глазные капли «Цикламед» и сироп от кашля «Туссин+» ит.д. Тут не стоит вопрос, хорошо это или плохо. Однозначно, плохо. Но это есть, и мы что-то должны с этим делать.

Ведь именно ушедший в народ литературный язык декаданса — а не приторные ура-коммунстические агитки — может быть понят широкими массами народа. Может ли быть у декаданса позитивное содержание? А почему бы и нет? В конце концов, многие из тех народных песен, что зовут на борьбу — печальные и с печальным концом. Таковы русские народные песни о Стеньке Разине и Емельяне Пугачёве, такова — увы, приватизированная правым политическим дискурсом — немецкая «Wir sind die Geyers Schwarze Haufen», до краёв наполненная лютой классовой злобой. Но если остался хоть кто-то, чтобы их сочинить и спеть, то, значит, всё не так уж безнадёжно.

В конце концов, можно сколько угодно упрекать современный декаданс в якобы отсутствии позитива, но ничто больше не показывает так убедительно, что современная жизнь невыносимо отвратительна. На Рабкоре уже звучала эта тема — Революция начинается не просто со стыда, но с невыносимой тошноты обычного винтика системы, внезапно для себя осознавшего, что так больше жить нельзя. Едва ли этого эффекта можно добиться с помощью ритуальных песнопений про бесконечно счастливую жизнь при коммунизме. Скорее наоборот, это притупляет боль, низводя её до сравнительно переносимых пределов — и позволяет приспособиться к системе, пускай и с символической фигой в кармане.

Современный российский декаданс крайне разнообразен и использует весь арсенал мировой художественной культуры, и, с другой стороны, покоится на специфически российском бытовом базисе, из которого и черпается вдохновение. Сам этот базис можно назвать по-разному: индустриальная депрессия, жизнь на экзистенциальном ветру или ещё как. Возможно лучшее представление о нём даёт паблик «Экзистенциальная Россия». Хорошим саундтреком к такой жизни будут такие разные со стилистической точки зрения группы как «Адаптация», «Гражданская Оборона», «Necro Stellar», “Церковь Детства», Пикник, Агата Кристи и многие другие. Декаданс освоил и жанр лубка: хороший тому пример — творчество художника Васи Ложкина, сочетающее абсурд и безысходность содержания с нарочитым убожеством и наивностью формы. Мы все — обитатели Кобылозадовска, города, где человек опустился ниже животных, а животные — зайцы и коты переняли все «достоинства» оскотинившегося человека. С другой стороны, существует целое декадентское Движение «Бархатное подполье», которое по-своему переосмысливает традиции декаданса 19-20 веков , представляя особый вид декаданса 21 века — куртуазный декаданс. Регулярно проводимые с 2005 года в Москве фестивали и салоны «Бархатное подполье» породили даже самобытную субкультуру «бархатных».

Причина популярности того же «Зелёного Слоника» вовсе не в запредельном насилии — кинематограф знавал и похуже, а скорее в верно схваченном нерве российской жизни. Надо заметить, что если в XIX веке у декаданса были достойные конкуренты в лице не исчерпавшей ещё своего творческого потенциала классической культуры, основанной на идеалах просвещения, то сейчас всё «разумное, доброе, вечное», что ещё осталось в нашей культуре несёт печать декаданса. Симптоматичное признание сделала одна женщина, случайно прочитавшая одну из книг Эдуарда Лимонова: «Сначала прочитала несколько страниц — и подумала, ну что за гадость. А ночью мне приснился сон и я поняла — это и есть то немногое нстоящее, что стоит читать». Кстати, насчёт Лимонова — при всём уважении к нему как к писателю, нельзя не отметить, что позитивный идеал, выдвигаемый им как политиком на обозрение всему обществу сер, неубедителен и смешон. Всё те же 500 рублей сверх — ничего захватывающего дух. Как-то это плохо вяжется с тем взырывным коктейлем, которым были нацболы в эпоху их расцвета. Надо сказать, что ингридиенты и вправду были убойными: революционные идеи, имперский пафос, молодость и всё это приправленное изрядной порцией декаданса. У этой взрывной волны нехилая инерция — достаточно сравнить самого Лимонова сегодня и того же Виктора Анпилова. И, можно побиться об заклад, что Лимонов до сих пор не превратился в «анпилозавра» не только и не столько благодаря более здоровому образу жизни, сколько благодаря этому юношескому запалу.

Но где же он тогда, этот неуловимый позитивный культурный идеал? Ясно что на его роль не годится ни невыносимо отвратительная российская попса — во всех её проявлениях от Филиппа Киркорова до Дарьи Донцовой, ни, боже упаси, тот клерикальный шлак, что подсовывают нам в качестве национальной идеи. Гельман со своими гельминтами? Никоим образом! И дело не в том, что у здорового человека их поделия вызывают рвоту в физиологическом смысле слова, а в том, что сущностно ни от попсы, ни от православной сивухи все это «современное искусство» ни капельки не отличается. В этом плане показательно творчество пермского писателя Алексея Иванова: романы «Общага на крови», «Блуда и МУДО» и недавно экранизированный «Географ глобус пропил». Разительно отличаясь от несколько вымученного постмодерна Сорокина и Пелевина, книги Иванова содержат в себе естественный заряд декаданса. Просто потому, что правдиво и глубоко показывают реалии провинциальной жизни, где депрессию, боль и пустоту уже невозможно скрыть за пластиковыми билбордами и неоновыми вывесками Москвы и Питера. Впрочем, даже самом центре Москвы можно приобщиться к разрухе и декадансу — стоит лишь свернуть в подворотню одного из старых домов, и вы увидите всё те же потрескавшиеся стены, ржавые трубы, разбитые окна и ворон, копающихся в разноцветном мусоре. Тем не менее, каждое советское здание, подёрнутое тленом и ржавчиной, таит в себе не только прошлую красоту, но и стремление в ещё более прекрасное будущее. И наша задача, не просто подправить покосившиеся стены, но сделать так, чтобы в небо взвились новые башни, шпили и купола. Собственно, это и отличает фантазию распоследнего декадента, от мещанских думок о спокойном и комфортном житье-бытье.

Как видно, у декаданса богатое прошлое и не менее богатое настоящее, но есть ли у него будущее? В конце концов, кто как не Джонни Роттен вопил, что будущего нет, но оно от этого никуда не исчезло. Если же говорить серьёзно, то будущее у декаданса как проявления вечно мятущегося человеческого духа, не способного найти покой и удовлетворение, безусловно, есть. В конце концов, Маркс настаивает, что построение коммунизма есть лишь только начало истории человечества, но никак не её конец. А значит, нас всех ждут страсти, по сравнению с которыми все нынешняя боль, пустота и безысходность — сущие пустяки. Наивному оптимисту в таком мире делать нечего — ровно также как фарисею в царстве божием. Не случайно лучшими катализаторами творческого процесса являются любовь и печаль, но никак не щенячья радость и радужный оптимизм. Так что декадансу — быть! Другой вопрос, что декадентские бытовые практики, производные от вполне себе грубых экономических причин, уйдут в прошлое. В конце концов, вполне возможен декаданс без грязных вписок, асептолина и беспорядочного секса — ровно так же как возможно писать психоделическую музыку без наркотиков. В некотором смысле такой декаданс — в полном согласии с законами диалектики — будет похож на свою изначальную форму, известную нам по XIX веку.

Юрий Малиновский и Иван Щеголев

Янв 16, 2014Иван Щеголев

LiveInternetLiveInternet

Рамон Касас


Julia
Plein air 1898-1901
Юная декадентка. 1899

Рамон Касас (кат. Ramon Casas i Carbo, 4 января 1866, Барселона – 29 февраля 1932, там же) – испанский (каталонский) живописец и график, мастер портрета и карикатуры, лидер национального модернизма.
Рамон Касас родился в 1866 год в богатой барселонской семье. В венах будущего лидера испанского модернизма текла индейская кровь, унаследованная им от отца, а благодаря матери он был воспитан в лучших аристократических традициях. Сердце юного Рамона было наполнено любовью к свободе, потому в 11 лет он бросает школу и начинает заниматься живописью, беря приватные уроки.

Portrait de Ramon Casas Carbo

Творчество Касаса развивалось под влиянием искусства модерна и французского импрессионизма. Во время пребывания Касаса в Париже «французская тема» прочно вошла в его творчество, преломлялась в изображении женских фигур в пронизанных светом интерьерах, в непринужденных портретах.
Главной областью портретного творчества Рамона Касаса стали рисунки, более 200 из которых находятся в барселонском музее. В этих великолепных, исполненных углем и пастелью рисунках создана галерея выдающихся деятелей культуры, искусства и истории Испании.
С 1907 много времени проводит в заброшенном бенедиктинском аббатстве Сант-Бенет, выкупленном и восстановленном его матерью, с 1912, после смерти матери, становится владельцем монастыря. В 1908 путешествует по Кубе и США, он вообще постоянно и много ездит по миру. Даже во время мировой войны его выставки проходят в Вене, Будапеште, Мюнхене, Париже, Мадриде и др.
Умер от туберкулеза. Похоронен на кладбище Монжуик под знаменитой одноименной горой.

Рамон Касас за работой
Ramon Casas Self portrait 1883
Женский портрет
Au Moulin de la Galette
Interior at Outdoors 1892
La Parisienne
Nu femení 1894
Female Nude 1894
Flores deshojadas
nu femení amb guitarra 1894
Ballet Corps
En la habitacion
Ramon Casas and Pere Romeu in an Automobile 1901
Ramon Casas and Pere Romeu on a Tandem
Study from Life for the Portrait of King Alfons XIII 1904
Pel & Ploma
Headpiece for the magazine ‘Pèl i Ploma’ 1899
Автопортрет в мастерской
Рамон Касас. Портрет Пабло Пикассо. 1900
Ramon Casas. Retrato de Pablo Picasso. 1900
Бумага, уголь, пастель; 69,0 х 44,5 см.
Национальный музей искусства Каталонии, Барселона

Дружеский рисунок каталонского художника Рамона Касаса, изображаюший 19-летнего Пикассо как модного парижского франта на фоне Монмартрской церкви Сакре Кер. Рамон Касас и Пикассо входили в круг барселонской богемы, местом встреч которой было легендарное кафе Четыре кота.

Старый гитарист, Пабло Пикассо — описание картины

Старый гитарист — Пабло Пикассо. 1903. Холст, масло. 121,3 x 82,5 см
«Голубой период» — самая пронзительная страница творчества Пабло Пикассо, не только из-за событий ему предшествующих (самоубийство друга юности из-за неразделённого чувства), но и ввиду особенности техники мастера, а также выбранного доминирующего колорита. Холодный, даже ледяной синий во всех своих вариациях становится главенствующим цветом. «Старый гитарист» является одной из показательных работ, и по технике, и по сюжету, и по силе трагедии.
Мы видим седого оборванца, находящего утешение в старенькой гитаре. Одежда его напоминает лохмотья, а тело настолько истощало, что вытянутые худые пальцы рук некоторыми критиками воспринимаются как дань уважения Эль Греко (известно, что Пикассо восхищался картинами знаменитого испанца).
Угловатую фигуру живописец нарочно поместил в замкнутое тесное пространство, ещё и вывернув её в неудобную позу. Всё это подчёркивает человеческие страдания и чувство безысходности, а также нестерпимое одиночество.
Оторвав взгляд от странных рук, первое, что обращает на себя внимание глаза старца. Они слепы. Эта трагическая краска также была не единожды применена Пикассо. В картинах «Завтрак слепого», «Мальчик и нищий», «Селестина» герои смотрят на зрителя невидящими или почти невидящими глазами. Всё это оказывает невероятно сильное воздействие и находит эмоциональный отклик.
Картину не раз сравнивали со своеобразным автопортретом, причём она не является отображением внешности автора, а скорее его тяжёлого внутреннего состояния в связи с утратой близкого человека.
Не так давно учёные Чикаго просветили картину на рентгене, и увидели, что первым на холсте появился совсем другой сюжет – женщина, кормящая грудью. Впоследствии автор создал на её месте слепого старика в голубых тонах, однако, контуры лица предыдущей героини до сих можно различить за левым ухом гитариста.

10 малоизвестных фактов о картине Пикассо «Старый гитарист»


Побло Пикассо и его картина *Старый гитарист*

Картину «Старый гитарист» Пабло Пикассо написал в 1903 году после самоубийства своего близкого друга. Этот период в творчестве художника принято называть «голубым». В это время Пикассо с особым трепетом относится к судьбе униженных, пишет много полотен, изображающих страдания бедных, больных, и тех, кого изгнали из общества. «Старый гитарист» при кажущейся простоте и незатейловости сюжета хранит множество секретов.

1. Пикассо передал картиной свое душевное состояние


«Старый гитарист», Пабло Пикассо. Есть мнение, что именно такое положение картины правильное.

В 1902 году, когда Пикассо было 22 года, он впал в депрессию, что и отразилось на многих других картинах так называемого «голубого периода». Это видно по монохроматичности и отсутствии объема на данных полотнах. Подобная безысходность, которой веет от картины, неудивительна: в то время художник жил в нищете.

2. Картина больше, чем считают многие люди


Пабло Пикассо.

Из-за искаженной перспективы обычно все считают, что «Старый гитарист» — очень небольшое полотно. На самом деле, его размеры — 123 x 83 см.

3. Человек на картине слепой


Слепые видят что-то за пределами этого мира.

Закрытые глаза, отрешенность от всего мира и только инструмент в руках имеет значение. «Старый Гитарист» стал одним из символов в литературе, который часто используется для того, чтобы передать то, как слепые видят что-то «за пределами этого мира».

4. Человеческие страдания – основная тема «голубого периода»


Селестина,1903 г.

Пикассо в этот период рисовал слепых, нищих, алкоголиков и проституток. Особо его интересовала тема слепоты, а слепых людей можно найти в ряде его произведений. На «Скромной трапезе» (1904) изображены слепой мужчина и зрячая женщина, которые сидят перед практически пустым стволом. Похожая ситуация изображена на «Завтраке слепого» (1903). Наконец, на портрете «Селестина» (1903) нарисована женщина с бельмом на одном глазу.

5. Частично эту картину можно считать автопортретом


Гитарист находит утешение среди однообразия окружающего мира в гитаре.

Единственным элементом «Старого гитариста» не синего цвета является гитара. Гитарист якобы находит утешение среди однообразия окружающего мира в своем инструменте. Точно так же и Пикассо рассматривал возможность вторить, как единственное светлое пятно даже в самые плохие времена.

6. Композиция «Старого гитариста» намекает на творчество Эль Греко


Конечности преувеличенно удлиненны — дань творчеству Эль Греко.

Как и все картины голубого периода, это полотно непосредственно связано с художником Эль Греко. Пикассо был большим поклонником этого художника, несмотря на то, что на то время в фаворе были другие художники эпохи Возрождения. Искусствоведы предполагают, что Пикассо специально выбрал странную угловатую позу гитариста, а также изобразил его конечности преувеличенно удлиненными. Якобы это было сделано в качестве дани таланту Эль Греко.

7. Картина, возможно, послужила вдохновением для стихов


Американский модернист Уоллес Стивенс.

Через три года после того, как «Старый гитарист» был выставлен в художественном музее Уодсворт Атенеум в Хартфорде, штат Коннектикут, американский модернист Уоллес Стивенс опубликовал стихотворение «Человек с голубой гитарой». Несмотря на, казалось бы, очевидную связь между живописью и поэмой, Стивенс отрицает какую-либо причастность к работе Пикассо.

8. На картине есть скрытая женщина


За ухом гитариста едва заметные лоб и глаза.

Если внимательно присмотреться, то можно разглядеть за ухом гитариста едва заметные лоб и глаза. Ученые художественного музея при Институте Искусств Чикаго, где хранится картина, просветили картину с помощью инфракрасного излучения и рентгена. Они обнаружили, что под слоем краски скрывается недописанное изображение обнаженной молодой женщины, которая кормит грудью ребенка, а также изображения теленка и коровы.

9. «Старый гитарист» — самое знаковое произведение голубого периода Пикассо


Старый гитарист — кубизм.

В течение 1900-1904 годов Пикассо написал довольно много картин, в которых преобладали оттенки синего и голубого цветов. Но ни одна из них не стала столь популярна, как «Старый гитарист».

10. Институт Искусств Чикаго вошел в историю благодаря этой картине


Институт искусств Чикаго.

Институт искусств Чикаго приобрел картину в 1926 году. «Старый гитарист» стал первой картиной Пикассо, которая была приобретена американским музеем, а также первой картиной Пикассо, которую любой музей мира приобрел для своей постоянной коллекции.
Остаётся отметить, что одна из картин Пикассо попала в список 10 самых дорогих шедевров искусства, проданных на аукционах в 2015 году.

Понравилась статья? Тогда поддержи нас, жми:

Декадентство

Запрос «Декаданс» перенаправляется сюда; см. также другие значения. Рамон Касас. «Юная декадентка» (1899).

Декаде́нтство, также декаданс (фр. décadent — упадочный) — направление в литературе, творческой мысли, самовыражении периода fin de siècle (рубеж XIX и XX веков), которое характеризуется эстетизмом, индивидуализмом и имморализмом. Иногда рассматривается как cвязующее звено между романтизмом XIX века и модернизмом XX века.

Подобно более раннему Движению искусств и ремёсел, родоначальники декадентства стремились освободить искусство от материалистических забот промышленной революции, раскрепостить мораль, скованную условностями викторианской эпохи. Они выступали против старых, академических форм искусства, искали новые формы самовыражения, более гибкие и более соответствующие усложнённому мироощущению современного человека.

Характерными чертами декадентства обычно считаются отход от общественности и отвращение к повседневной жизни (taedium vitae), что проявляется в искусстве отрывом от реальности, поэтикой искусства для искусства, эстетизмом, модой на демонизм («Там, внизу», «Скорбь Сатаны»), преобладанием формы над содержанием, стремлением к внешним эффектам, стилизации и т. д.

Происхождение термина

Французское слово décadence обозначает упадок, культурный регресс. Изначально, в эпоху Просвещения, термин использовался для обозначения культурных явлений Римской империи эпохи её заката. То, что называют «стилем декаданса, — писал Готье, — есть не что иное, как искусство, пришедшее к такой степени крайней зрелости, которую вызывают своим косым солнцем стареющие цивилизации».

Обвинения в декадансе со времени Дезире Низара использовались для оскорбления Виктора Гюго и других французских романтиков. Теофиль Готье, Шарль Бодлер и другие наследники заветов романтизма переосмыслили это клеймо как знак почёта, как символ отрицания того, что они считали «банальностью прогресса». Бестселлером 1884 года стал роман Гюисманса «Наоборот», прозванный «библией декадента».

В 1885 г. сатирики Габриэль Викер и Анри Боклер опубликовали сборник пародийных стихотворений «Расслабления. Декадентские стихи Адоре Флупетта». Поль Верлен (главная мишень пародии) был отнюдь не против, когда его называли декадентом. В 1886—1889 гг. Анатоль Бажю издавал журнал «Декадент» (Le Décadent), в котором среди прочих «проклятых поэтов» публиковался и Верлен.

Поскольку враждебно настроенные критики смешивали декадентство с символизмом, Жан Мореас опубликовал в газете «Фигаро» от 18 сентября 1886 года «Манифест символизма», где перечислил основные ценности символистов и попытался провести между декадентами и символистами некую границу. Полемика о содержании термина «декадентство» продолжалась и в последующие десятилетия.

Конец века

Основная статья: Fin de siècle

В советском искусствоведении декадентство воспринималось как кризисное явление европейской культуры последней четверти XIX — начала XX веков. Произведения этой эпохи отмечены настроениями уныния, пессимизма, болезненности, безнадёжности, неприятия жизни, крайнего субъективизма (при сходственных, близких к тенденциозным, эпатирующих формулах и штампах — стилистических приёмах, пластике, композиционных построениях, акцентуациях и т. д.). Во многих отношениях декадентство служит синонимом понятия fin de siècle.

Зинаида Гиппиус на портрете Л. Бакста (1906)

К писателям-декадентам причисляли в Великобритании Оскара Уайльда и сотрудников «Жёлтой книги», а также популярнейшую романистку Марию Корелли, в Италии — д’Аннунцио, в Австрии — Шницлера, в Польше — С. Пшибышевского, во Франции — Гюисманса, в Бельгии — Роденбаха. Относительно слабо был представлен декадентский эстетизм в странах Нового света, в том числе в США.

К числу русских декадентов в 1890-е гг. относили символистов старшего поколения — таких, как Бальмонт, А. Добролюбов, Коневской, Ф. Сологуб, Мережковский, Зинаида Гиппиус, а также ранний Брюсов. После первой русской революции русские декаденты перестали считаться маргиналами и вместе с ростом популярности их произведений пополнили собой литературный истеблишмент.

Декадентство и символизм

См. также: Символизм

Декадентство — явление сложное и противоречивое, которое имеет источником усталость от лицемерной викторианской морали, кризис общественного сознания, растерянность многих художников перед резкими социальными контрастами, — одиночество, бездушие и антагонизмы действительности. Отказ искусства от политической и гражданских тем художники-декаденты считали проявлением и непременным условием свободы творчества. Постоянными темами являются мотивы небытия и смерти, отрицание исторически сложившихся духовных идеалов и ценностей.

Основным вопросом обозначения границ декадентства становится разделение его с символизмом. Ответов существует довольно много, но господствующих из них два, первый говорит о различности этих течений в искусстве, большим приверженцем и изобретателем его был Ж. Мореас, второй — о невозможности их разделения или отсутствия необходимости в таковом.

К. Бальмонт в статье «Элементарные слова о символической поэзии» говорит о триединстве декаданса, символизма и импрессионизма, называя их «психологической лирикой», которая меняется «в составных частях, но всегда единая в своей сущности. На самом деле, три эти течения то идут параллельно, то расходятся, то сливаются в один поток, но, во всяком случае, они стремятся в одном направлении, и между ними нет того различия, какое существует между водами реки и водами океана». Он характеризует декадента как утонченного художника, «гибнущего в силу своей утонченности», существующего на смене двух периодов: «одного законченного, другого ещё не народившегося». Потому декаденты развенчивают все старое, отжившее, ищут новые формы, новые смыслы, но не могут их найти, так как взросли на старой почве.

Ф. Сологуб называет декадентство методом для различения символа, художественной формой для символистского содержания, «мировоззрения»: «декадентство есть наилучшее, быть может единственное, орудие сознательного символизма».

Русские символисты второй волны (младосимволисты) определяли разницу между декадансом и символизмом мировоззренчески: декадентство субъективно, а символизм преодолевает индивидуалистическую отъединенность эстетства сверхличной правдой соборности. Андрей Белый в книге «Начало века» говорит об этом так: «символисты» — это те, кто, разлагаясь в условиях старой культуры вместе со всею культурою, силятся преодолеть в себе свой упадок, его осознав, и, выходя из него, обновляются; в «декаденте» его упадок есть конечное разложение; в «символисте» декадентизм — только стадия; так что мы полагали: есть декаденты, есть «декаденты и символисты» (то есть в ком упадок борется с возрождением), есть «символисты», но не «декаденты»; и такими мы волили сделать себя.

По мнению Б. Михайловского (Литературная энциклопедия 1929—1939), «символизм» как термин шире термина «декадентство», по сути дела являющегося одной из разновидностей символизма. Термин «символизм» — искусствоведческая категория — удачно обозначает один из важнейших признаков стиля, возникающего на основе психики декадентства. Но можно различить и иные стили, возникающие на этой же почве (например, импрессионизм). И в то же время «символизм» может и освобождаться от декадентства (например, борьба с декадентством в русском символизме). Михайловскому противоречит Ф. П. Шиллер («История западно-европейской литературы нового времени»):

Менялись и сами названия группировок и направлений: начиная с романа «Наоборот» (1884) Гюисманса, наиболее популярным из них было «декадент» (под этим же заглавием выходил журнал), затем позже большим распространением пользовалось название «символист». И тут разница не только в одних названиях. Если, например, все символисты были декадентами, то нельзя сказать, что все декаденты «конца века» были и символистами в узком значении этого слова. Декадентство — более широкое понятие, чем символизм (если отвлечься от небольшой группы поэтов, объединявшихся вокруг журнала «Декадент»).

Критика декаданса

«Модерновый» памятник Гоголю

Декадентство критиковали, с одной стороны, консерваторы от искусства (как академисты, так и натуралисты) и консерваторы от морали, с другой стороны — эволюционисты и прогрессисты всех мастей. К последней категории могут быть отнесены, в частности, марксистские авторы.

Для Троцкого истоки декаданса кроются в стремлении части интеллигенции уйти от «бурных социальных противоречий» в мир чистого искусства. По объяснению Плеханова, если литературное развитие русского декадентства и не вполне ещё соответствовало существовавшей в России системе капиталистических отношений, то корни его следует искать в условиях реакции 1880-х и начала 1890-х гг.

Эволюционист Макс Нордау переосмыслил термин «декадентство» в биологическом смысле, обозначив им патологические признаки психо-физического вырождения в области культуры. После публикации в 1892 г. одноимённого трактата Нордау «вырождение» стало модным словечком эпохи. Врач Нордау ополчился против него по гигиеническим соображениям.

Неодекадентство

Возможно, эта статья содержит оригинальное исследование. Добавьте , в противном случае она может быть выставлена на удаление.
Дополнительные сведения могут быть на странице обсуждения.

Декадентские идеи оказались вновь востребованными на исходе XX века. В частности, определённые черты декадентской эстетики унаследовал готический постпанк. Характерным примером может служить альбом Disintegration группы The Cure (1989). Также декадентством музыкальные критики называли творчество группы Joy Division, выпустившей два студийных альбома и в значительной степени повлиявшей на становление жанра готик-рок. Декадансом своё творчество называли группы «Агата Кристи», «Dead Can Dance», «Оберманекен», «Пикник» и другие. В кино с декадансом сравнивали постсоветскую «чернуху» («Зелёный слоник»); «текстом эпохи петербургского декаданса» критики называли фильм А. Балабанова «Про уродов и людей» (1998).

В феврале 1999-го года писательница Маруся Климова и художник Тимур Новиков организовали фестиваль постпанка «Тёмные ночи», который прошёл в концертном зале петербургского Зоопарка. Второй фестиваль состоялся год спустя в петербургском клубе «Декаданс». Эти эпатажные и шумные акции стали своеобразной манифестацией независимого искусства Санкт-Петербурга и Москвы, берущего своё начало в андеграунде советских времён. В дальнейшем декаданс как современное настроение вобрал в себя черты гламура и готики. Эти популярные в начале века стили были объединены в декадентских фестивалях «Бархатное подполье». Первый фестиваль состоялся в 2005 году в московском Клубе на Брестской, автором идеи выступил журналист и музыкант Владимир Преображенский, сегодня организатор салонных вечеров «изысканного удовольствия». С тех пор фестивали и декадентские салоны фестиваль «Бархатное подполье» стали проходить в Москве регулярно, породив субкультуру «бархатных».

Примечания

  1. David Weir. Decadence and the Making of Modernism. University of Massachusetts Press, 1995. ISBN 9780870239922. P. 16.
  2. 1 2 Декадентство в Британской энциклопедии
  3. Как отмечал марксист Плеханов, с социологической точки зрения термин «декадентство» применим для обозначения проявлений социально-психологического комплекса, свойственного всякому общественному классу, находящемуся в стадии упадка, особенно же нисходящему господствующему классу, вместе с которым приходит в упадок целая система общественных отношений («Искусство и общественная жизнь»).
  4. Омри Ронен вообще выводит декаданс за рамки течения в искусстве и даже самого искусства: «Декаданс нашёл художественное воплощение своей тематике в разных стилях: в символизме, в поэтике парнасцев, в позднем романтизме — „викторианском“ в Англии, „бидермайере“ в Средней Европе, и в позднем реализме — натурализме. Декаданс, таким образом, являлся не стилем и даже не литературным течением, а настроением и темой, которые в равной мере окрашивали и искусство, и научную, философскую, религиозную и общественную мысль своего времени».
  5. Зато пациент Ницше отметил, что не только «пресловутая борьба за существование», но и появление вырождающихся, слабых, а потому более утонченных и восприимчивых натур способствует облагорожению человека и всякому движению вперёд («Человеческое, слишком человеческое»).
  6. Scaruffi, Piero Joy Division. The History of Rock Music. Дата обращения 25 октября 2013. Архивировано 4 ноября 2013 года.
  7. Новейшая история отечественного кино: 1992—1996 (под ред. Л. Аркус). Том 6. С. 590.
  8. Радость загнивания
  9. Лирика бархатного декаданса
  10. «Бостонское Чаепитие» готово к декадентским оргиям (недоступная ссылка). Дата обращения 19 августа 2007. Архивировано 28 сентября 2007 года.

Ссылки

  • Камилла Палья. Декадентское искусство // Палья К. Личины сексуальности. — Екатеринбург: У-Фактория; Изд-во Урал. ун-та, 2006, с. 624—643
  • Толмачев В. М. Декаданс: Опыт культурологической характеристики // Вестник Московского университета. Сер. 9. Филология., 1991, № 5.
  • Савельев К. Н. Английский декаданс: французский фактор
  • Омри Ронен — Декаданс
  • «Декадентство» в Литературной энциклопедии
  • Трыков В. П. Декаданс. Электронная энциклопедия «Современная французская литература» (2011). Дата обращения 19 ноября 2011. Архивировано 4 февраля 2012 года.

Словари и энциклопедии

Нормативный контроль

GND: 4070266-2

Иллюстрированное эссе о социальной сути архитектурных стилей

Все-таки иногда просто поражаешься тому насколько точно архитектура отражает социальную сущность эпохи, в которой зарождается и развивается тот или иной стиль.
Приведу лишь несколько примеров, когда расцвет определенного архитектурного стиля, характеризующийся явным духом декаданса, как бы предопределял социальные потрясения, в ходе которых этот стиль не просто отмирал, но сменялся чуть ли не полной своей противоположностью.

Интерьеры в стиле рококо:
Так, возникший во Франции в XVIII веке стиль рококо вполне соотвествовал духу своего времени, когда купавшаяся в роскоши и распутстве аристократия (читаем «Опасные связи» Шадерло Де Лакло), требовала для своих утех соответствующего архитектурного оформления.
Социальный заказ архитекторами (и художниками) был выполнен на славу. В этом и есть, по моему мнению, основная сущность рококо.
Прежде чем читать дальше, имейте в виду, что некоторые иллюстрации не предназначены для лиц, не достигших возраста совершеннолетия!!!
Я предупредил!
«Кто не жил до 1789 года, тот не знает всей сладости жизни», — утверждал один из самых беспринципных политиков в мировой истории Талейран.
С точки зрения пресыщенной всеми возможными для того времени благами жизни французской аристократии, он был несомненно прав.
Жар-Оноре Фрагонар. «Качели» (1767 г.):
Именно такие картинки, в соответствии с нравами аристократии, тогда пользовались популярностью:
Французская революция, начавшаяся в 1789 году (и завершившаяся лишь к 1804 году, когда Наполеон провозгласил себя императором), была сильнейщим социальным потрясением не только для Франции. Пожалуй, уместно сказать, что она имела «всемирное историческое значение» (как позже скажут о русской революции 1917 года).
Якобинский террор отправил на гильотину не только аристократов, но и стиль рококо, на смену которому вскоре пришел имперский стиль — ампир, столь же уверенно распространившийся в Европе, как и его предшественник — противоположный ему по своей сути стиль рококо.
Париж:
Санкт-Петербург:
Перенесемся теперь на сотню лет вперед — в конец XIX — начало ХХ века — эпоху декаданса, архитектурным воплощением которой стал стиль модерн (ар-нуво, югендштиль, сецессион).
По своей социальной сути модерн есть ни что иное как рококо нового времени.
Прага:
Москва:
Все та же, что и накануне Французской революции 1789 года моральная и физиологическая распущенность «верхов общества», будто бы чувствующих свою скорую гибель и старающихся взять от жизни все что можно.
Или настолько «уставших» от жизни, что уже все равно, что там дальше будет.
Рамон Касас. «Юная декадентка» (1899 г.):
«После нас хоть потоп», — эти слова, приписываемые фаворитке Людовика XV знаменитой мадам Помпадур,
Картина Франсуа Буше:
даже если на самом деле она их никогда не произносила, очень точно характеризуют мироощущение людей, живших накануне социального взрыва, предчувствующих его, но ничего не предпринимающих, чтобы его предотвратить.
Расцвет модерна пришелся на то время, которое считается началом ХХ века, хотя если не быть хронологически догматичным, это был все-таки конец века XIX, поскольку с исторической точки зрения, ХХ век начался не в 1901, а в 1914 (или даже в 1917 — 1918) году.
Мир до Первой мировой и после этой всемирной катастрофы — это два совершенно разных мира. И в архитектуре это очень быстро проявилось. Сразу же после начала войны модерн стал совершенно не актуальным. А те из архитекторов, которые этого не поняли, стали аутсайдерами. В этом смысле весьма символична гибель под колесами трамвая самого выдающегося представителя модерна — каталонского полубезумного гения Антони Гауди.
На смену плавным, текучим линиям модерна, в котором архитектура пыталась вписаться в окружающую природную среду (а если говорить о Гауди, даже стремилась придать зданиям, творениям рук человеческих, облик природных объектов, как, например, в «Каса Мила» в Барселоне),
приходит жесткий и даже жестокий конструктивизм.
Конструктивизм абсолютно противоположен модерну. Его лозунгом вполне могло бы стать известное изречение Мичурина о необходимости преобразования природы под человеческие нужды. Вот только эти нужды человека архитекторами-конструктивистами понимались несколько извращенно (впрочем, вполне в духе революционного времени). На смену плавным линиям, овалам и другим неправильным окружностям (в той же «Каса Мила» нет ни одной прямой линии ни на фасадах здания, ни в его интерьерах), приходят сплошные прямые линии и такие же прямые углы.
Конструктивисты во главе с Ле Корбюзье, казалось бы, избрали своим принципом стихи Павла Когана:
«Я с детства не любил овал!
Я с детства угол рисовал!».
Вот только нужен ли человечеству этот пресловутый угол? А ведь в ХХ веке в «углах» люди настоялись более чем достаточно (угловаты и советская красная звезда и нацистская черная свастика, да и не только тоталитарные режимы стремились поставить человека в угол, в конце концов, концлагеря придумали вовсе не Гитлер и Сталин, а страна, считающаяся родиной современной демократии — Великобритания).
К счастью, Ле Корбюзье не удалось разгуляться в Париже в 20-е годы. Кардинальная перестройка Барселоны, которую этот маньяк прямых углов задумывал совершить в самом модернистских городов мира, не состоялась из-за Гражданской войны (выходит, что и от подобных социальных катаклизмов бывает польза!).
Страшно представить, во что бы превратились барселонские Рамблас и Пассейг де Грассиа, если бы Ле Корбюзье удалось реализовать свой проект реконструкции столицы Каталонии.
Барселона:
До некоторых городов ему все же удалось добраться (например, до Марселя).
Я считаю совершенно справедливыми эти строки Иосифа Бродского:
«У Корбюзье то общее с Люфтваффе,
что оба потрудились от души
над переменой облика Европы.
Что позабудут в ярости циклопы,
то трезво завершат карандаши».
Впрочем, нужно признать, что конструктивизм, ставший следствием социальных катаклизмов начала ХХ века, вскоре сменился тем же самым имперским стилем (я сейчас о нашей стране, в которой социальные потрясения были наибольшими, хотя и в отношении Германии это также справедливо).
Сравните хотя бы интерьеры гитлеровской рейхсканцелярии и станции московского метрополитена «Комсомольская»:
Сталинскую архитектуру недаром часто называют ампирной (хотя с точки зрения архитектуры, это и не совсем правильно). Но ведь стиль-то имперский!
Логическая цепочка прослеживается совершенно очевидно:
XVIII — начало XIX века: декаданс — революция — война (рококо — ампир);
Конец XIX — начало ХХ века: декаданс — война — революция (модерн — имперский стиль).
Кстати, в изобразительном искусстве, рассматриваемых в данном эссе исторических периодов, это тоже видно совершенно явственно.
Франсуа Буше. «Лежащая девушка» (1752 г.):
Эжен Делакруа «Свобода на баррикадах» (1830 г.):
Эгон Шиле. «Лежащая женщина» (1914 г.):
Эгон Шиле. «Объятие» (1917 г.):
Борис Кустодиев. «Красавица» (1915 г.):
Борис Кустодиев. «Русская Венера» (1926 г.):
Кузьма Птров-Водкин. «Купание красного коня» (1912 г.):
Александр Герасимов. «Баня» (1938 г.):
И это тоже картина Герасимова:
Или я в этом эссе что-то себе напридумывал?
В таком случае буду рад конструктивной критике.
Благодарю за внимание.
Сергей Воробьев.