Тулуз лотрек плакаты

Картины Анри де Тулуз Лотрека — это путаны и актрисы, канкан, шуты и танцовщицы. Творчество Тулуз Лотрека — наследство настоящего художника импрессиониста, писавшего жизнь такой, какая она есть. Реклама Конец рекламы

Если и можно охарактеризовать картины Анри де Тулуз Лотрека каким то одним словом — то это слово будет «кабаре». Именно артисты, интерьеры, шлюхи и завсегдатаи кабаре запечатлены чуть менее, чем на всех картинах художника.

Вы не увидите здесь ангелочков порхающих вокруг мадонны. Как большинство импрессионистов, Анри изображал действительность без прикрас, заостряя внимание на индивидуальности. Лотрек скорее подчеркивал своеобразные черты натуры, чем идеализировал ее, как художники академисты.

Содержание

Анри де Тулуз Лотрек, творчество художника.

Творчество Лотрека отличается лаконичностью и глубоким психологизмом. Анри не особо интересовали правильность анатомических пропорций, как художников академистов или цветовая и световая составляющие, как остальных импрессионистов. У него нету такого разбора цвета, как у Моне. Что присутствует в картинах Анри де Тулуз Лотрека — так это хАрактерность персонажа, настроение, даже некоторая гротескность изображения. Точными экспрессивными мазками и линиями Лотрек чудесно отображает характер человека, его эмоциональное состояние. Недаром его называют мастером наброска и психологического портрета.

Реклама Конец рекламы Картина Анри де Тулуз Лотрека, Сидящая балерина в розовых колготках.

В кафе La Mie, Анри де Тулуз Лотрек

Анри де Тулуз Лотрек, картины художника с названиями, персонажи.

Картины Анри де Тулуз Лотрека изображают персонажей, которые не менее интересны, чем сами работы. К примеру, Ла Гулю (обжора) — известная танцовщица кабаре «Мулен Руж», которая имела обыкновение пить из бокалов посетителей и угощаться за их счет. «Королева Монмартра» — так ее называли. Она закончила свою жизнь не менее трагично, чем Тулуз Лотрек. Алкоголь сломил ее, в конце жизни Ла Гулю жила в нищете, зарабатывая на пропитание и бухло продажей спичек и сигарет.

Джейн Авриль, также танцовщица канкана, полная противоположность Ла Гулю. Утонченная, меланхоличная натура, перипетиями судьбы попавшая в кабаре. Изгой среди коллег, которые называли ее «Безумная Джейн». Авриль стала близкой подругой художника и часто позировала ему в мастерской.

Ивет Гильбер, актриса, чей вычурный, оригинальный образ так импонировал Анри. Рыжая Роза, девица легкого поведения, та самая, которая и заразила его сифилисом. Тысячи их.

Картина Ла Гулю, Анри де Тулуз Лотрек

Картина Мулен Руж: танец.

Элен Вари

Анри де Тулуз Лотрек, картины. «A Montrouge» Рыжая Роза

Картина «Отказ (Два друга)»

Прачка.
Ранняя картина Анри де Тулуз Лотрека — Маршрут Ле Жюне в Селеране
La Toilette (туалет — для тех кто в танке).

Плакаты Анри де Тулуз Лотрека.

Лично мне графика Анри даже более по душе, чем его живописные картины. Плакаты Анри де Тулуз Лотрека отлично делали то, для чего и предназначались — рекламировали лоск и порок парижского полусвета, алкоголь, порок и канкан. Именно плакаты принесли художнику желанную известность. Несмотря на то, что Анри написал более чем десятки плакатов, в интернете выудить их довольно тяжело, ибо особо «умные» особи человека путают их с графикой другого известного художника — Жюля Шере (настоящий плакатный монстр, кстати, тоже очень интересный художник).

Японский диван
Аристид Брюон, плакаты Анри де Тулуз Лотрека

Тулуз-Лотрек как мастер рекламного плаката

Размещено на http://www.allbest.ru/

Размещено на http://www.allbest.ru/

Курсовая работа

Тулуз-Лотрек как мастер рекламного плаката

Введение

Важным аспектом массовой культуры является её промышленное производство и рыночные предпочтения людей. Эти определения будет уместно отнести к плакату, предполагающему как промышленное производство (литография), так и рыночные предпочтения (основными целями плакатов являлось завлечение потенциальных клиентов, покупателей). Плакат — важнейший рычаг массового производства, он немыслим без полиграфии. А появился плакат именно во Франции и достиг своей популярности в Париже, став наиболее доступным для публичного обозрения выразительно — изобразительным средством. Настоящим отцом плаката является как раз Тулуз-Лотрек. Жанр, появившийся столетия назад дико популярен и в наше время, поэтому в актуальности данной темы не приходится сомневаться.

Цель моей курсовой — показать вклад художника в развитие жанра плаката и афиши, как важнейших направлений рекламной деятельности.

Для достижения этой цели необходимо выполнить следующие задачи:

— указать важнейшие вехи биографии художника, повлиявшие на его творческий путь;

— выявить специфику афишных и плакатных работ;

— сделать анализ важнейших работ художника;

— указать инновации, внедрённые Лотреком.

При написании данной курсовой опирался на книги Перрюшо «Жизнь Тулуз-Лотрека» и Кулешова «Тулуз-Лотрек как мастер рекламы».

1. Тулуз-Лотрек — живописец

1.1 Биография

лотрек рекламный художник живописец

Анри де Тулуз-Лотрек родился 24 ноября 1864 года в семье аристократов во Франции. Первую часть своей жизни будущий художник провел в поместье семьи в провинциальном городке Альби. Его родители, граф Альфонс Шарль де Тулуз-Лотрек-Монфа и графиня Адель Тапье де Селейран, развелись после смерти младшего сына Ришара в 1868 году. После расставания родителей Анри жил в имении Шато-дю-Боск (Chбteau du Bosc) и в поместье Селейранов (Chбteau du Cйleyran) недалеко от Нарбонна, где обучался верховой езде, латыни и греческому языку. После окончания Франко-прусской войны в 1871 году Тулуз-Лотрек переезжает в Париж — город, который кардинальным образом поменяет его жизнь, станет вдохновением и сильно повлияет на творчество художника.

Анри де Тулуз-Лотрек на протяжении всей жизни был близок с матерью, которая стала главным человеком в его жизни. Отец в обществе был известен как эксцентричная личность, часто менял место жительства, отчего пострадало образование Анри. Тулуз-Лотрек рассказывал об отце: «Если встретил моего отца, то будь уверен, что надо будет остаться в тени»1. Но благодаря отцу, который любил досуг и развлечения, Анри с раннего возраста познакомился с ежегодной ярмаркой и цирком. В конце концов, тема цирка и развлекательных, увеселительных заведений получила самый широкий размах в творчестве художника.

В возрасте 13 лет, в мае 1878 года Анри, вставая с кресла, ломает бедренную кость левой ноги. В августе 1879 года Тулуз-Лотрек падает в канаву и получает перелом правой ноги.

После этого случая ноги прекратили расти и оставались длиной 70 сантиметров на протяжении всей жизни художника. Скорее всего, кости медленно срастались и рост конечностей остановился по причине наследственного заболевания — бабушки Анри приходились друг другу сёстрами.

Физический дефект не позволил Анри де Тулуз-Лотреку заниматься подобающими его возрасту занятиями. По семье был нанесён невосполнимый психологический удар — Анри, единственному сыну в знатном аристократическом роду, был преграждён путь в военные, также он не мог присутствовать на балах и выезжать на охоту. Кроме того, вероятность, что Тулуз-Лотрек найдёт себе достойную пару и сможет продолжить род, упала в разы. Свой маленький рост художник компенсировал потрясающим чувством юмора: Тулуз-Лотрек был приятным собеседником, а, говоря о своём недуге, часто прибегал к самоиронии.

Тулуз-Лотрек говорил, что если бы не проблемы со здоровьем, он с удовольствием стал хирургом или спортсменом. В его студии находилась машина для гребли, на которой Анри де Тулуз-Лотрек любил упражняться. Единственный вид спорта, который был доступен художнику, — это плавание.

В ноябре 1881 года со второй порой попытки Анри сдает выпускной экзамен в Тулузе. С марта 1882 года юноша посещает мастерскую известного портретиста Леона Бонна. Нельзя сказать, чтобы тот был в восторге от Лотрека, он дал такую оценку его работе «Ваша живопись недурна, но рисунок отвратителен…». Вскоре Бонна закрыл ателье, и Лотрек продолжил обучение под руководством Фернана Кормона. Здесь Анри нравилось больше. Он писал своему дяде Шарлю: «Критика Кормона благосклоннее, чем критика Бонна. Он принимает все, что ему приносишь, и одобряет даже самое ужасное. Может быть, ты удивишься, но это мне не особенно нравится. Трепки, которые задавали мне прежние учителя, не позволяли любоваться собой. Здесь же я чувствую себя, как на отдыхе, и мне приходится специально собираться, чтобы сделать крепкий и проработанный рисунок. Впрочем, недели две тому назад он все-таки задал жару нескольким ученикам и мне в том числе…». 2

Анри мечтает о собственной мастерской, но родители не одобряли это устремление, и Лотрек работает у своих друзей Рашу и Гренье или в саду на Монмартре. «В этой мастерской под открытым небом Лотреку позировали Глухая Берта, Танцовщица Габриэль, Жюстин Диель и многие другие, — пишет Э. Жульен. — Здесь же исполнены портреты друзей Лотрека Анри и Дезире Дио. Анри Дио, фаготист оперного оркестра, изображен за чтением газеты. Тогда же создан портрет мадемуазель Дио за фортепиано. Во время сеансов, которые проходили дома у Дио, Лотрек видел перед собой ее портрет кисти Эдгара Дега».

Наконец родители уступают, и Анри в 1886 году снимает мастерскую на углу улицы Турлак. В 1888 году он принимает участие в выставке «Группы XX» в Брюсселе. С 1889 по 1897 год Лотрек ежегодно выставляется в «Салоне независимых» (за исключением 1896 года). На первой выставке картины «Мулен де ла Галетт», «Портрет Фуркада» и «Женский портрет» были отмечены критикой.

У Лотрека своя мастерская, своя модель и любовница Валадон, которую он время от времени приглашает поужинать у себя на квартире, которую делит со своим другом Буржем.

К тому времени Лотрек становится завсегдатаем Мулен де ла Галетт, многочисленных кабаре, кафешантанов и баров от площади Пигаль до площади Клиши и на всей улице Толозе. Здесь он развлекается, здесь у него рабочее место.

«Образ Лотрека, всегда занимавшего один и тот же столик, чтобы наблюдать за происходящим с привычной точки зрения, был прямо-таки легендой этих мест. Он был тем более заметен, — вспоминал Жуайан, — что обыкновенно появлялся в сопровождении своего долговязого кузена-доктора». А вот зарисовка Мак Орлана » «Мулен Руж» был для него отправной точкой. Здесь, посреди всеобщего движения и суеты, уткнувшись в стакан, с пером в руке, всегда в ожидании появления новых образов, находился удивительный художник, способный расслышать живые и понятные звуки во всем этом нестройном шуме»4.

Вдохновляло художника искусство импрессионистов, в особенности творчество Поля Сезанна, Эдгара Дега, и японскими гравюрами. В 1882 г. приезжает в Париж, а в 1884 г. обосновывается на Монмартре, где проживает до конца своих дней. Тулуз-Лотрек один из первых, кто всерьёз занялся рисованием афиш (литографией). Часто изображал проституток и жизнь монмартрских кабаре, вёл схожий образ жизни.

Его моделями были танцовщицы «Мулен Руж» Луиза Вебер (Ла Гулю) и Жанна Авриль, клоунесса Ша-У-Као, поэт и театральный деятель Аристид Брюан, танцор Валентин Бескостный, певица Иветта Гильбер.

В любви фортуна была не на стороне художника, низкий рост (152 см) и внешность инвалида вызывали насмешки, все его серьёзные романы заканчивались фиаско. Скончался от сифилиса и алкоголизма в родовом замке на руках матери возрасте 36 лет.

При жизни критика была в основном настроена негативно по отношению к Тулуз-Лотреку и его творчеству. Признание к Лотреку пришло спустя несколько лет после его кончины.

1.2 Особенности техники живописи в работе над портретом

Для своих современников Лотрек прежде всего знаменит, как творец театральных афиш и психологических портретов. Чтобы открыть зрителю внутренний мир своих произведений, художник использует расплывчивость, абстрактный фон.

Лотрек не интересовался тем, как воздействует свет на поверхность изображаемых предметов, в результате чего палитра цветов его произведений светлела, а взаимодействие нескольких цветов, в основном зелёного и фиолетового, стало преобладающим в его творчестве и многие считают это визитной карточкой француза.

В своих работах художник сочетал технику Ван Гога и способ Раффаэлли. Суть этого способа заключается в том, что на картон наносилась краска, обильно разбавленная растворителем, в результате чего картон приобретал матовую поверхность. Лотрек в живописи использовал кисть, что привносило работам острую характерность.

Лотрек в своих работах опирался на течение импрессионистов, но, в отличие от их творчества, пейзаж его произведений содержал в себе больше фоновую функцию, чем ролевую, как у первых.

К концу 1880-х годов живописная манера Лотрека претерпела заметные изменения. Он перестал показывать игру света на фигурах, зато работы обрели глубокий психологизм. Человек как личность выступает не как однозначное явление, а как сложное, нередко противоречивое явление духовной жизни. Художик получает доступ к пониманию всех оттенков эмоционального и интеллектуального строя модели, глубокое понимание её внутреннего состояния, тревог, переживаний, отличительных особенностей.

Лотрек в полной мере овладел выразительными возможностями цвета, и рекламная живопись его стала не менее оригинальной, чем графика. Своеобразие его живописного стиля — в синтезе линейного рисунка и цвета. Лотрек пишет легкими, длинными мазками, цветными, будто шевелящимися штрихами, то «обегающими» форму экспрессивным контуром, то распадающимися на мелкие пятнышки, так что возникает впечатление дематериализации объема и вибрации поверхности плаката или афиши. Достигаются подобные эффекты самой техникой живописи. Лотрек обычно работал сильно разбавленными масляными красками, обретающими чуть ли не консистенцию гуаши. Отсюда свобода и быстрота движения кисти, стремительный темп «танцующих» линий-мазков, тонкий красочный слой, через который часто просвечивает цвет основы. Непринужденно переходил он в рамках одного произведения от графической четкости к колористической сложности, от дробности к обобщенности.

2. Тулуз-Лотрек — рекламист

2.1 Цветовые предпочтения художника

Многие Лотрека называли «художником предельных контрастов», привлекающим внимание предельной экспрессией. Он сочетал в своих работах, казалось бы, трудно сочетаемые цвета: бежевый и светло — серый, чёрный и светло — коричневый.

Тулуз-Лотрек воспринимал цвет как в необычайном богатстве тонких, изысканных оттенков, так и в диссонирующей броскости контрастов (в «Мулен Руж»), созданных, как правило, эффектами искусственного света. Дневному свету он предпочитал искусственный — газовое освещение, своеобразные эстетические методы которого открыл до него Дега. Холодный, но резкий голубовато-зеленый свет присутствует на многих рекламных рисунках художника, преображая, а иногда и «съедая» живые краски натуры, превращая лица в маски. Его влияние усиливает искусственность зрелища, но в то же время добавляет определённую притягательность.

Драматично-терпким бывает у Лотрека сочетание ярких едких пятен с более светлыми и холодными или же контраст ярких пятен чистого цвета, вспыхивающих на темном фоне. Цвет для Лотрека — это своего рода драгоценная субстанция, источник некоей автономной, чаще всего не связанной с сюжетом красоты, в каких-то случаях внешне облагораживающей сюжет.

Завоевывающая себе самостоятельность жизнь формальных элементов, открываясь восприятию зрителя, постепенно становится компонентом образного содержания произведения. Такое содержание оказывается шире и глубже лежащей в его основе фабулы, богаче в смысловых оттенках. С искусством великих постимпрессионистов у Лотрека была и иного рода связь — пусть неявная, хотя и принципиальная с точки зрения смутно намечающегося перелома в мироощущении эпохи.

Тулуз-Лотрек являл своим творчеством наступление эпохи модернизма.

Марселла Лендер танцующая болеро в кабаре Шильперик, 1895

2.2 Анализ лучших произведений художника

«Мулен Руж»

Плакат «Мулен Руж» появился на свет после долгих творческих исканий художника. Многочисленные наброски, эскизы, акварели дают нам понять, насколько увлеченно и скрупулёзно прорабатывал Лотрек каждую деталь и композиционное решение плаката. Конечная работа произвела настоящий фурор: прохожие пытались расшифровать подпись Лотрека, толпились возле экипажей, на которых были наклеены афиши. Дальше появился ещё плакат на ту же тему: «Ла Гулю с сестрой в «Мулен Руж». А вот что говорит об этом плакате биограф Лотрека: «Группа зрителей у него решена большой сплошной черной массой, контур ее — искусная арабеска, четко вырисовываются цилиндры и женские шляпки с перьями. На переднем плане — Ля Гулю в розовой блузке и белой юбке. Голова танцовщицы, золото ее волос выделяются на фоне этой темной массы. На ней сконцентрирован весь свет, она олицетворяет собой танец, является основной характерной для кадрили фигурой»5. После этого плаката Лотрек стал получать заказы регулярно, причем он работал не только над плакатами, но и над малыми рекламными жанрами — открытками, театральными программками и т.п.

«Джейн Авриль»

Другой знаменитостью артистического Парижа, которую запечатлел Тулуз-Лотрек была Джейн Авриль выступавшая как в «Мулен Руж», так и на других сценах. Ее звали также Ла Меленит — она совершенно не была похожа на других танцовщиц и именно этим очень привлекла художника.

Пожалуй, Лотрек еще никогда до этого не достигал в своих плакатах подобной воздушности и легкости. Этот плакат выполнен в японском стиле, на котором изображена танцовщица с грустным лицом. Ногой в черном чулке она вскинула свои нижние юбки. На переднем плане художник изобразил большой гриф контрабаса, на редкость одухотворенный — можно было подумать, что в него вдохнули жизнь.

«Певица Иветт Гильбер»

Литография Тулуз-Лотрека «Певица Иветт Гильбер», которая ещё имеет название «Иветт Гильбер поет английскую песенку «Linger longer, Loo» была написана в 1894 г. Выполнена: темпера, масло, картон. Размер: 56 х 41 см.

Иветт Гильбер, которая была одним из главных объектов почитаний Лотрека, очень сильно повлияла на его творчество. Она была его «типажом». Оригинальная внешность больше всего привлекала в ней художника. Он очень много работал над ее образом.

На литографии «Певица Иветт Гильбер» Лотрек воспользовался богатым декоративным эффектом сопоставления модной ярко-рыжей окраски волос с холодными голубоватыми, серыми, зелёными тонами с чёрным пятном. Благодаря этому, искусственная «характерность» и «гротескность» его персонажа, отработанная во многом ей самой, совпала с тем, что хотел найти художник, и помогла ему отыскать особенно выразительные средства индивидуальной характеристики.

2.3 Инновации

Главный вклад Тулуз-Лотрека в развитие рекламной деятельности — это расширение позиций эстетического, новое понимание человека и человечности через плакаты и афиши. Рекламная деятельность художника представляет собой очередной акт самопознания и самоосознания людей в мире быстро меняющихся социальных и нравственных ориентиров и ценностей человечества, в мире, теряющем привычные принципы — как научные, духовные, так и пространственно-временные. В его творениях находит отражение проблематика искусства: человек и мир, человек и общество, но изображается таким образом, что заставляет говорить о нем как о мастере принципиально нового калибра, сумевшем выразить и подчеркнуть не только свое сугубо субъективное восприятие явлений и тендеций современности, но и трагично-смутные предощущения будущего. Тулуз-Лотрек принадлежал к выдающемуся кругу художников-постимпрессионистов, определивших направления европейского искусства XX века. Ими являлись П. Сезанн, В. Ван Гог, Гоген. Но наряду с ними творили и другие мастера, значительные и полузабытые. Нельзя понять своеобразие Лотрека вне общекультурного пути. В последние десятилетия 19 столетия художественная жизнь Франции имела под собой весьма разнообразную картину. Поступательно сдавало позиции официальное салонно-академическое искусство. Зато успешно и небезрезультатно в это время работали постимпрессионисты — именно с них на рубеже 60-70-х годов получило начало радикальное обновление искусства. В 80-е годы общество заговорило о неоимпрессионизме (Ж. Сера, П. Синьяк). Затем появилась группа «Наби» (П. Серюзье, Э. Бернар, М. Дени, П. Боннар и др.), идущая по пути символизма. Все больший размах брал на себя «арнуво» («стиль модерн» по принятой у нас терминологии) — особенно в плакате, декоративном искусстве. Весомую роль в повседневной жизни выполняли в ту пору камерные, «прикладные» разновидности графики: оформление книжной продукции, песенных сборников, нот — и, наконец, «изобразительная журналистика» — незыблемый элемент прессы тех лет, демонстрирующий динамичный, беспокойный ритм общественного бытия. Разумеется, большая часть из этих течений, направлений, групп, сфер рекламного и художественного творчества не смотря на внешнюю, порой и программную несхожесть, обнаруживали все же известные точки соприкосновения. На разном уровне наблюдаются не только общие стилевые черты, но и новые подходы к произведению искусства, и в первую очередь к живописи и графике.

Заключение

Анри де Тулуз-Лотрек оставил огромный след в развитии жанра плаката и афиши. Художник является создателем своего собственного стиля живописи — броского, опирающийся на эффект внезапности, неожиданности сопоставлений изящных и грубых форм. Плакаты и афиши Лотрека полны внутренней энергией, монументальной силой, которая и позволила ему обратить внимание на своё творчество.

Помимо главной цели курсовой — показать вклад Тулуз-Лотрека в развитие жанра афиши и плаката, передо мной были поставлены 4 важных задачи, о которых говорится во введении. Я затронул биографию художника, которая даёт нам немало ответов на вопросы о творческом пути художника. Например, не будь Лотрек инвалидом, рисовать он бы не начал. Если бы не красивые девушки кабаре «Мулен Руж», которые вдохновляли художника, мы бы тоже не получили в наследство от француза образцы ярких и броских плакатов.

Если мы затрагиваем задачу выявить специфику работ художника, то нельзя не упомянуть о сочетании чёрных и светло — коричневых, бежевых и светло — серых цветов. Нельзя забывать и о матовой поверхности плакатов Лотрека.

Что касается инноваций, следует напомнить, что художник один из первых, кто внедрил в рекламные плакаты элементы психологии.

Список литературы

1. Перрюшо А. Жизнь Тулуз-Лотрека — Москва: Радуга, 1994.

2. Ла Мур П. Мулен Руж. Трагическая жизнь Тулуз-Лотрека» — Москва: Издательство «Республика», 1994.

3. Кулешов А.М. Тулуз Лотрек как мастер рекламы.

Размещено на Allbest.ru

Русский авангард

  • Gray Camilla. The Great Experiment: Russian Art 1863—1932. — New York, 1962.
  • Из истории советской архитектуры. Документы и материалы. 1917—1925 / Сост., авт. вступ. ст. В. Э. Хазанова; отв. ред. К. Н. Афанасьев. — М.: Издательство Академии наук СССР, 1963. — 250 с.
  • Anfänge des russischen Futurismus / Hrsg. von D. Tschiž ewskij. — Wiesbaden: Otto Harassowitz, 1963. — 122 S.
  • Markov V. Russian futurism: A history. — Berkeley and Los Angeles: University of California Press, 1968. — 467 p.
  • Kopp Anatole. Town and Revolution: Soviet Architecture and City Planning. 1917—1935 / Translator Thomas E. Burton. — London, 1970.
  • Хазанова В. Э. Советская архитектура первых лет Октября. 1917—1925 / Академия наук СССР, Институт истории искусств Министерства культуры СССР. — М.: Наука, 1970. — 214 с.
  • Barooshian V. D. Russian cubo-futurism 1910-1930: A study in Avant-Gardism. — The Hague; Paris: Mouton, 1974. — 176 p.
  • Russian Art of the Avant-Garde. Theory and Criticism 1902—1934 / Ed. by John E. Bowlt. — New York, 1976.
  • Shadowa Larissa A. Suche und Experiment. Russische und sowjetische Kunst 1910 bis 1930. — Dresden: VEB Verlag der Kunst Dresden, 1978. — 372 p.
  • Хазанова В. Э. Советская архитектура первой пятилетки. — М.: Наука, 1980. — 364 с. — 5900 экз.
  • Zhadova L. Malevich. Suprematism and Revolution in Russian Art 1910—1930. — London: Thames and Hudson, 1982.
  • Russische Avantgarde. Vom Primitivismus zum Konstruktivismus / Hrsg. von Bodo Zelinsky. — Bonn, 1983.
  • Из истории советской архитектуры 1926-1932 гг.: Документы и материалы. Рабочие клубы и дворцы культуры, Москва / Составитель В. Э. Хазанова; отв. ред. К. Н. Афанасьев. — М.: Наука, 1984. — 139 с.
  • Gray Camilla, Burleigh-Motley Marian. The Russian experiment in art, 1863—1922. — London: Thames and Hudson, 1986.
  • Krieger V. Von der Ikone zur Utopie. Kunstkonzepte der russischen Avantgarde. — Köln, Weimar, Wien, 1988.
  • Авангард, остановленный на бегу: / Авт.-сост. С. М. Турутина и др.; авт. статей Е. Ф. Ковтун и др.. — Л.: Аврора, 1989. — 283 с.
  • Ковтун Е. Ф. Русская футуристическая книга. — М.: Книга, 1989.
  • Кузминский К., Янечек Д., Очеретянский А. Забытый авангард: Россия, первая треть XX столетия: Сб. справочных и теоретических материалов. — Wien: Wiener Slawistisher Almanac, . — Т. 1. — 335 с.
  • Страницы истории советской художественной культуры, 1917—1932 / АН СССР, ВНИИ искусствознания Министерства культуры СССР; Отв. ред. А. Я. Зись. — М.: Наука, 1989. — 258 с. с.
  • Glossarium der russischen Avantgarde / Hrsg. von A. Flaker. — Graz, Wien: Droschl, 1989. — 548 S.
  • L’avant-garde russe et la synthèse des arts / Ed. par Gérard Conio. — Lausanne, 1990.
  • Jaccard J.-Ph. Daniil Harms et la fin de l’avant-garde russe. — Bern: Peter Lang, 1991. — (Slavica Helvetica).
  • Заумный футуризм и дадаизм в русской культуре / Под редакцией Луиджи Магаротто, Марцио Марцадури, Даниелы Рицци. — Bern, Berlin, Frankfurt/М., New York, Paris, Wien: Peter Lang, 1991.
  • Наков А. Русский авангард = L’avant-garde russe / Пер. с фр. Е. М. Титаренко. — М.: Искусство, 1991. — 192 с. — 25 000 экз. — ISBN 5-210-02162-9.
  • Повелихина Алла, Ковтун Евгений. Русская живописная вывеска и художники авангарда. — Л.: Аврора, 1991. — 200 с. — 2000 экз. — ISBN 5-7300-0274-2.
  • Неизвестный русский авангард в музеях и частных собраниях / Авт.-сост. А. Д. Сарабьянов. — М.: Советский художник, 1992. — 352 с. — 20 000 экз. — ISBN 5-269-00326-0.
  • Cohen Jean-Louis. Le Corbusier and the Mystique of the USSR, Theories and Projects for Moscow, 1928—1936. — Princeton: Princeton University Press, 1992.
  • Русский авангард в кругу европейской культуры: Материалы международной конференции. — М.: РАН, Культурная инициатива, 1993.
  • Очеретянский А., Янечек Дж., Крейд В. Забытый авангард: Россия: Первая треть XX столетия. — Нью-Йорк, СПб.: , 1993. — Т. 2: Новый сборник справочных и теоретических материалов. — 278 с.
  • Сидорина Е. В. Сквозь весь двадцатый век. Художественно-проектные концепции русского авангарда. — М.: ВИНИТИ, 1994. — 373 с.
  • Хазанова В. Э. Клубная жизнь и архитектура клуба: В 2 т. / Государственный институт искусствознания, Министерство культуры Российской Федерации. — М.: РИИ, 1994.
  • Жаккар Ж.-Ф. Даниил Хармс и конец русского авангарда / Перевод с французского Ф. А. Петровской; Научный редактор В. Н. Сажин. — СПб.: Академический проект, 1995. — 472 с. — ISBN 5-7331-0050-8.
  • Marcadé Jean-Claude. L’avant-garde russe, 1907—1927. — Flammarion, 1995. — 479 p. — (Tout l’art). — ISBN 208010179X, 978-2080101792.
  • Мириманов В. Б. Русский авангард и эстетическая революция XX века: Другая парадигма вечности. — М.: РГГУ, 1995. — 64 с. — (Чтения по истории и теории культуры / РГГУ, ИВГИ; Вып. 13).
  • Сидорина Е. В. Русский конструктивизм: Идеи, истоки, практика. — М.: , 1995. — 240 с.
  • Laboratory of Dreams: The Russian Avant-Garde and Cultural Experiment / Ed. by J. E. Boult and O. Matich. — Stanford: Stanford University Press, 1996. — P. 360.
  • Roberts G. The Last Soviet Avant-garde: OBERIU — fact, fiction, metafiction. — Cambridge University Press, 1997. — 274 p. — ISBN 0-521-48283-6.
  • Русский авангард и Брянщина / Составление и предисловие М. Е. Белодубровского. — Брянск: Издательство БГПУ, 1998.
  • Сахно И. М. Русский авангард: живописная теория и поэтическая практика. — М.: Диалог-МГУ, 1999. — 351 с.
  • Русский авангард 1910—1920-х годов в европейском контексте / Отв. ред. Г. Ф. Коваленко. — М.: Наука, 2000. — ISBN 5-02-011659-9.
  • Дёготь Екатерина. Русское искусство XX века: История русского искусства. Книга третья. — М.: Трилистник, 2000. — 224 с. — 2000 экз. — ISBN 5-89480-031-5.
  • Хазанова Вигдария. Клубная жизнь и архитектура клуба. 1917—1941 / Государственный институт искусствознания, Министерство культуры Российской Федерации. — М.: Жираф, 2000. — 159 с. — (Avant Garde). — 1500 экз. — ISBN 5-89832-013-X.
  • Русский авангард. Проблемы репрезентации и интерпретации: Сборник по материалам конференции, посвящённой выставке «Музей в музее. Русский авангард из коллекции Музея художественной культуры в собрании Государственного Русского музея» (Санкт-Петербург, Русский музей, 1998) / Сост. И. Карасик; Ред. А. Лакс. — СПб.: Palace Editions, 2001. — 272 с.
  • Шатских А. С. Витебск. Жизнь искусства. 1917—1922. — М.: Языки русской культуры, 2001. — 256 с. — 2000 экз. — ISBN 5-7859-0117-X.
  • Бирюков С. Е. Поэзия русского авангарда. — М.: ЛИА «Руслана Элинина», 2001. — 280 с. — ISBN 5-86280-058-1.
  • Abstraction in Russia: XX Century (подарочный комплект из 2-х книг): Государственный Русский музей. Альманах. № 17 / На русском и английском языках; ред. Евгения Петрова. — Государственный Русский музей, Palace Editions, 2001. — 814 с. — ISBN 5-93332-070-6, 3-935298-50-1.
  • Чёрный квадрат над Чёрным морем: Материалы к истории авангардного искусства Одессы. XX век / Составители Е. М. Голубовский, Т. В. Щурова; Главный редактор О. Ф. Ботушанская. — Одесса, 2001.
  • Крусанов Андрей. Русский авангард: 1907—1932 (Исторический обзор): В 3 т. — М.: Новое литературное обозрение, 2003. — Т. 2. Футуристическая революция (1917—1921). Кн. 1. — 808 с. — 1500 экз. — ISBN 5-86793-246-X, 5-86793-217-6.
  • Бобринская Е. А. Русский авангард: истоки и метаморфозы: . — М.: Пятая страна, 2003. — 302 с. — (Новейшие исследования русской культуры; Вып. 2). — ISBN 5-901250-11-7.
  • Символизм в авангарде / Отв. ред., сост. Г. Ф. Коваленко. — М.: Наука, 2003. — 443 с. — (Искусство авангарда 1910—1920-х годов). — ISBN 5-02-022743-9.
  • Русский авангард 1910—1920-х годов и проблема экспрессионизма / Отв. ред. Г. Ф. Коваленко; Государственный институт искусствознания Министерства культуры РФ. — М.: Наука, 2003. — (Искусство авангарда 1910—1920-х годов). — 1500 экз. — ISBN 5-02-006374-6.
  • Валяева Мария. Морфология русской беспредметности. — М.: Виртуальная галерея, 2003. — 584 с. — 2000 экз. — ISBN 5-98181-001-7.
  • Хан-Магомедов С. О. Конструктивизм — концепция формообразования. — М.: Стройиздат, 2003. — 576 с. — ISBN 5-274-01554-9.
  • Котович Т. В. Энциклопедия русского авангарда. — Мн.: Экономпресс, 2003. — 416 с. — 3000 экз. — ISBN 985-6479-30-4.
  • «Бубновый валет» в русском авангарде / Авторы Фаина Балаховская, Владимир Круглов, Жан-Клод Маркадэ, Глеб Поспелов, Дмитрий Сарабьянов; переводчик Елена Лаванан; редактор Анна Лакс. — СПб.: Государственный Русский музей, Palace Editions, 2004. — 352 с. — (Государственный Русский музей. Альманах, № 92). — ISBN 5-93332-143-5, 3-935298-96-X.
  • Грёзы о Востоке = Oriental dreams: русский авангард и шелка Бухары: / Российская академия наук, Музей антропологии и этнографии (Кунсткамера); Под редакцией Е. А. Резвана. — СПб.: МАЭ РАН, 2006. — 219 с. — ISBN 978-5-88431-254-8.
  • Харджиев Н. И. От Маяковского до Кручёных: Избранные работы о русском футуризме / Сост. С. Кудрявцев. — М.: Гилея, 2006. — 557 с. — 1500 экз. — ISBN 5-87987-038-3.
  • Бобринская Е. А. Русский авангард: границы искусства. — М.: Новое литературное обозрение, 2006. — 304 с. — ISBN 5-86793-448-9.
  • Мир вокруг нас: авангард и традиции в единстве и противоречии: / Никит. клуб; Редактор Н. М. Румянцева. — М.: , 2006. — 79 с. — (Россия в глобальной контексте: Цикл публичных дискуссий; Выпуск 25). — ISBN 5-8341-0077-5.
  • Ласло Мохой-Надь и русский авангард: Статьи и пер. с венг. и нем. / Сост. С. Митурич; ред. Ю. Герчук. — М.: Три квадрата, 2006. — 296 с. — (artes et media). — 1000 экз. — ISBN 5-94607-062-2.
  • Хан-Магомедов С. О. Супрематизм и архитектура (проблемы формообразования). — М.: Архитектура-С, 2007. — 520 с. — ISBN 978-5-9647-0139-2.
  • Грыгар Моймир. Знакотворчество: Семиотика русского авангарда / Пер. с чешского М. Шерешевской, Е. Чебучевой, Г. Вириной. — СПб.: Академический проект, Издательство ДНК, 2007. — 519 с. — (Современная западная русистика. Т. 67). — 1000 экз. — ISBN 978-5-7331-0344-0.
  • Поляков В. В.. Книги русского кубофутуризма. — 2-е изд., испр. и доп.. — М.: Гилея, 2007. — 551 с. — 1500 экз. — ISBN 5-87987-040-5.
  • Боровков А. И. Заметки о русском авангарде. — М.: Любимая книга, 2007. — 206 с. — ISBN 978-5-903228-09-6.
  • Пэр Ричард, Коэн Жан-Луи, Ламберт Филлис. Потерянный авангард. Русская модернистская архитектура 1922—1932: Фотоальбом. — М.: Татлин, 2007. — 348 с. — ISBN 938-5-903433-02-5.
  • Юшкова О. А. Станция без остановки: Русский авангард. 1910—1920-е годы. — М.: Галарт, 2008. — 224 с. — 2000 экз. — ISBN 978-5-269-01054-0.
  • Шатских А. С. Казимир Малевич и общество Супремус. — М.: Три квадрата, 2009. — 464 с. — 700 экз. — ISBN 978-5-94607-120-8.
  • Авангард и идеология: русские примеры / Редактор Слободан Грубачич, редактор-составитель Корнелия Ичин. — Белград: Издательство филологического факультета Белградского университета, 2009. — 712 с. — 400 экз. — ISBN 978-86-86419-65-1.
  • Regina Khidekel Homage to Diaghilev’s Enduring Legacy. NY, 2009
  • Фещенко В. В. Лаборатория логоса: Языковой эксперимент в авангардном творчестве. — М.: Языки славянских культур, 2009. — 392 с. — ISBN 978-5-9551-0318-1.
  • Юрова Л. Л. Русский Авангард в собрании Ярославского художественного музея / Russian Avant-Gard from the Collection Yaroslavl Art Museum / На русском и английском языках; Редактор Мария Валяева, переводчик Дмитрий Федосов. — М.: Северный паломник, 2009. — 168 с. — ISBN 978-5-94431-280-8.
  • Крусанов Андрей. Русский авангард: 1907—1932 (Исторический обзор): В 3 т. — М.: Новое литературное обозрение, 2010. — Т. 1. Боевое десятилетие. Кн. 1. — 784 с. — 3000 экз. — ISBN 978-5-86793-769-0, 978-5-86793-771-3.
  • Крусанов Андрей. Русский авангард: 1907—1932 (Исторический обзор): В 3 т. — М.: Новое литературное обозрение, 2010. — Т. 1. Боевое десятилетие. Кн. 2. — 1104 с. — 3000 экз. — ISBN 978-5-86793-770-6, 978-5-86793-771-3.
  • Турчинская Е. Ю. Авангард на Дальнем Востоке: «Зелёная кошка», Бурлюк и другие. — СПб.: Алетейя, 2011. — 196 с. — 1000 экз. — ISBN 978-5-91419-174-7.
  • Pare Richard, Tsantsanoglou Maria, Cohen Jean-Louis, u.a. Baumeister der Revolution. Sowjetische Kunst und Architektur 1915—1935. — Essen: Mehring Verlag, 2011. — ISBN 3886340961.
  • Ettore Gualtiero Robbiani A Utopian Vision. Lazar Khidekel -the rediscovered Suprematist magazine AHEAD, Issue 3, Zurich, 2011
  • Сидорина Е. В. Конструктивизм без берегов. Исследования и этюды о русском авангарде. — М.: Прогресс-Традиция, 2012. — 656 с. — ISBN 978-5-89826-365-2.
  • Энциклопедия русского авангарда: Изобразительное искусство. Архитектура / Авторы-составители В. И. Ракитин, А. Д. Сарабьянов; Научный редактор А. Д. Сарабьянов. — М.: RA, Global Expert & Service Team, 2013. — Т. I: Биографии. А—К. — 528 с. — 2500 экз. — ISBN 978-5-902801-10-8.
  • Энциклопедия русского авангарда: Изобразительное искусство. Архитектура / Авторы-составители В. И. Ракитин, А. Д. Сарабьянов; Научный редактор А. Д. Сарабьянов. — М.: RA, Global Expert & Service Team, 2013. — Т. II: Биографии. Л—Я. — 724 с. — 2500 экз. — ISBN 978-5-902801-11-5.
  • Floating Worlds and Future Cities: The Genius of Lazar Khidekel, Suprematism and the Russian Avant-Garde. YIVO, Lazar Khidekel Society, NY 2013 Catalog: Regina Khidekel, editor and Chronology, Maria Kokkori and Alexander Bouras The Suprematist line: Kazimir Malevich and Lazar Khidekel , Gines Garrido Anti-Gravity urban visions for a new world Roman Khidekel From Visionary to Reality
  • Чубаров Игорь. Коллективная чувственность: теории и практики левого авангарда. — М.: Издательский дом Высшей школы экономики, 2014. — 344 с.
  • Ковтун Е. Ф. Русская футуристическая книга. — М.: РИП-холдинг, 2014. — 232 с. — 2000 экз. — ISBN 978-5-903190-66-9.
  • Русский авангард и война. — Белград, 2014. — 300 экз.
  • Сироткина И. Е. «Шестое чувство авангарда: танец, движение, кинестезия в жизни поэтов и художников» / Европейский университет в Санкт-Петербурге; Научный редактор А. А. Россомахин. — СПб.: Издательство ЕУСПб., 2014. — 208 с. — (AVANT-GARDE; выпуск 6). — ISBN 978-5-94380-176-1.
  • 1913. «Слово как таковое»: К юбилейному году русского футуризма. Материалы международной научной конференции (Женева, 10–12 апреля 2013 г.) / Редактор Пётр Казарновский; Составление и научная редакция Жан-Филиппа Жаккара и Анник Морар. — СПб.: Издательство Европейского университета, 2015. — 544 с. — ISBN 978-5-94380-181-5.
  • Alla Efimova Surviving Suprematism: Lazar Khidekel. Judah L. Magnes Museum, Berkeley CA, 2004 (Conversation: Alla Efimova, Mark and Regina Khidekel)
  • S. O. Khan-Magomedov 100 Masterpieces of Soviet Avant-garde Architecture. M., Editorial URSS, 2005
  • S. O. Khan-MagomedovLazar Khidekel (Creators of Russian Classical Avant-garde series) M., 2008 (Russian). 2010 (English)

Dmitry Kozlov Review on «Lazar Khidekel» by S. O. Khan-Magomedov. NRS, New York, 2008

Классический русский авангард — феноменальное явление начала прошлого века, охватившее все области искусства: от живописи и архитектуры до дизайна и книгопечатания. И откуда теперь черпают вдохновение современные мастера по всему миру, как не из русского авангарда?

15 главных имен русского авангарда

Василий Кандинский

В белом II, 1923 год

Только ли импрессионистский «Стог сена» Клода Моне заставил юриста Василия Кандинского заняться живописью профессионально? Вероятно, значение имела и вологодская экспедиция, во время которой он был поражён, оказавшись внутри крестьянской избы-картины, и произведённое мировой наукой открытие о делении атома, предполагающее «разборку» мира на неосязаемые частицы, и опера Вагнера «Лоэнгрин», во время которой Кандинский отчётливо увидел цвета звуков. Каковы бы ни были причины, экс-юрист вошёл в историю мирового искусства как теоретик русского абстракционизма, несмотря на то, что скончался гражданином Франции.

Казимир Малевич

Черный квадрат, 1919 год

Иная метафизика цвета, отказ от буквального восприятия реальности, переход в «чистые» плоскости — теория супрематизма Малевича изначально не нашла понимания среди коллег-кубистов, но это не помешало ей стать мировой концепцией авангардного творчества. «Чёрный квадрат» стал «нулём форм», позволяющим выйти «из круга вещей». Кроме фундаментальных работ по теории супрематизма и признанных мировых шедевров авторству Малевича принадлежит, например, дизайн кружки с квадратной ручкой — очень неудобной, но весьма оригинальной.

Владимир Татлин

Модель памятника III Интернационалу, 1919—1920 годы

Родоначальник русского конструктивизма являлся страстным оппонентом Малевича. По одной из баек, он якобы выбил из-под теоретика супрематизма стул и предложил сидеть на цвете и геометрии. Татлин выступал за связь искусства с жизнью, а его революционными идеями вдохновлялись немецкие дадаисты. Башня Татлина хоть и осталась только проектом, но и сегодня считается одним из символов мирового авангарда. Конструкция железного монумента, включающая семь вращающихся по спиралям зданий различной формы, задумывалась как символ объединения людей, переставших понимать друг друга во время строительства Вавилонской башни. У памятника Третьему интернационалу было и практическое назначение — в нём должны были трудиться члены Коминтерна.

Павел Филонов

Ударники, 1935 год

В попытке противостоять методу Малевича и «живописному анекдоту» Татлина в 1914 году Филонов со товарищи издаёт «Сделанные картины» — манифест аналитического искусства с основной идеей «упорного рисования каждого атома». В 1936-м лидера русского авангарда обвиняют в «формализме». Тогда же возникает «филоновщина» — символ непролетарского искусства. Работы Филонова украшают лишь стены его скромного жилища, а сам он голодает, нерегулярно получая пенсию «научного сотрудника третьего разряда». Скончается Павел Николаевич в первые дни Ленинградской блокады на крыше дома при очередном дежурстве во время немецких авианалётов. Его теории окажут значительное влияние на последующие поколения художников и литераторов.

Эль Лисицкий

СССР на стройке, плакат, 1929 год

Человек, который создал новый вид творчества в Стране Советов — дизайн —
и совместно с Малевичем разрабатывал основы супрематизма, вошёл в историю мировой архитектуры как автор горизонтальных небоскрёбов. Когда Лазарь Мордухович (настоящее имя Эля Лисицкого) представил свой первый проект в СССР, его забраковали: построить такое невозможно. На трёх основательных опорах с шахтами лифтов базируются сами здания. Позднее похожие конструкции были реализованы архитекторами в Нидерландах, Германии, Китае, Эквадоре. Воспользовались идеями Лисицкого и проектировщики московской школы управления «Сколково».

Александр Родченко

Рекламный плакат для Моссельпрома, 1923 год

Таланты родоначальника советской рекламы и одного из теоретиков конструктивизма не ограничивались исключительно живописью. Он работал в графике, скульптуре, фотографии, сценографии. В начале 1933 года в рамках секретной командировки выполнял фотосъёмку строительства Беломорканала. Все дошедшие до наших дней работы мастера отличают необычные ракурсы. Он первым в СССР стал использовать фотомонтаж (коллажи-иллюстрации к поэме Маяковского «Про это»), и именно ему принадлежит известный рекламный плакат «Книги по всем отраслям знаний» с призывно кричащей Лилей Брик.

Варвара Степанова

Плакат Академии социального воспитания, 1923 год

Варвара Фёдоровна являлась не только соавтором многих работ супруга Александра Родченко, но и работала самостоятельно, выставляя авангардные полотна под псевдонимом Варст. Широко известны её революционные работы в области текстильного дизайна для Первой ситценабивной фабрики. Разделяя основные идеи конструктивизма и считая моду буржуазным явлением, она проектировала прозодежду — новую форму для трудящихся, которая должна быть функциональной, простой, эргономичной. Вместе с Любовью Поповой она разрабатывала новые принты для тканей. На смену цветочкам-лепесточкам пришли геометрические абстракции. В советских магазинах текстиль а-ля Степанова отрывали с руками.

Александра Экстер

Эскиз костюма к драме И. Ф. Анненского «Фамира Кифаред». Менада. 1916

Совместно с Поповой и Степановой работала и одна из ключевых фигур популярного сегодня ар-деко Александра Экстер. Она стала автором многочисленных работ для театра. Её костюмы для фантастического фильма 1924 года «Аэлита» были восторженно встречены в Венеции и Париже и позволили ей получить заказ на серию марионеток, идейное воплощение которых вдохновляло американский поп-арт 50-60-х годов. Интересно, что Экстер входила в группу модельеров, разработавших форму для Красной армии — серую шинель и знаменитую будёновку.

Владимир Шухов

Шуховская башня, 1919—1922 годы

По проектам выдающегося русского инженера и архитектора Владимира Шухова построено более двухсот башен по всему миру, в том числе и знаменитая телерадиовещательная башня на Шаболовке. Он разрабатывал технологии строительства для нефтяной промышленности, трубопроводов, мостостроения. Идеи академика легли в основу авангардной архитектуры. В частности, он первым в мире использовал гиперболоидные формы и стальные оболочки из сетки в качестве несущей конструкции здания. Шуховские решения активно используются современными архитекторами хай-тека Фуллером и Фостером.

Братья Веснины

Проект здания Наркомтяжпрома, 1936 год

Наиболее известным проектом советских архитекторов-конструктивистов Александра, Виктора и Леонида Весниных считается проект московского Дворца культуры ЗИЛ. Для 1930-х годов предложенные архитекторами решения отличались смелостью и несомненным новаторством. На 23 тысячах квадратных метрах разместились зрительные залы, обширные холлы, библиотека, зимний сад, а на крыше — обсерватория. Интересно, что для отдельных сцен стильного для своего времени «Чародеев» искать площадку для съёмок долго не пришлось — идеально подошли авангардные интерьеры, созданные Весниными. Кроме этого, братья спроектировали большое количество оригинальных зданий, которые были построены по всей России.

АСНОВА (Ассоциация новых архитекторов)

Типография журнала «Огонек», 1930—1932 годы

В 1923 году в противовес конструктивистам и классическим архитектурным обществам рационалистами была создана Ассоциация новых архитекторов (АСНОВА). Представители рационального направления русского авангарда проектировали функциональные и лаконичные здания строгих форм, огромное внимание уделяя психологическому восприятию объекта. Творческим лидером объединения стал Николай Ладовский. В частности, он предложил застраивать Москву по параболе. По его проекту центральная ось российской столицы совпадала с Тверской улицей, а сам город, разрастаясь на северо-запад, со временем соединился бы с Петербургом. В 1928 году один из учеников Ладовского Георгий Крутиков представил сенсационный проект парящего города-коммуны. Реализован он не был, в отличие от проекта Северного речного вокзала в Москве Владимира Кринского, ближайшего соратника Ладовского.

Константин Мельников

Ещё в 30-е годы Константин Мельников получил мировое признание как классик русского авангарда. Дом Мельникова в Кривоарбатском переулке стал культовым объектом мировой архитектуры. В Москве сохранилось с десяток зданий, спроектированных архитектором, которые соперничают между собой в оригинальности. Дом культуры Русакова для служащих трамвайного депо венчает гигантская шестерёнка, выпирающая из фасада; центральный фасад клуба фабрики «Свобода» на Вятской выполнен в виде параллелепипеда. Главный вход в парк Горького также спроектирован Мельниковым. Интересно, что его проект саркофага Ленину в виде кристалла комиссией во главе с Дзержинским был признан лучшим.

Наталья Гончарова

Лев, 1911 год

Одна из «амазонок авангарда» Наталья Гончарова стояла у истоков русского примитивизма. Первые же выставленные ею работы, изображавшие обнажённых натурщиц, были названы порнографическими, а поздние картины снимались с выставок по религиозным соображениям. Образы Гончаровой доступны и понятны. На протяжении всей жизни она призывала «не следовать традиции, а жить в ней», черпая вдохновение в русском лубке и других видах народного творчества. В век расцвета индивидуализма она пропагандировала его неприятие. Дружившая с Гончаровой Цветаева писала, что та работает «без катастроф»: «всегда, везде и всё».

Если вы — владелец бизнеса, то вам пригодится каталог, в котором есть все . Открыть его вы можете по нашей ссылке. На этом сайте вы сможете найти все необходимые фирмы и их контактные данные.

Михаил Ларионов

Венера и Михаил, 1912 год

Имя Натальи Гончаровой неразрывно связано в истории русского авангарда с её супругом Михаилом Ларионовым. Он начинает как импрессионист, но в итоге приходит к примитивизму. Возникновение русского абстракционизма принято связывать с полотном Ларионова «Стекло». К 1912 году он становится идейным вдохновителем и теоретиком нового направления беспредметного творчества — лучизма. На протяжении почти 10 лет вместе с супругой будет работать над декорациями и костюмами для постановок «Русских сезонов» Дягилева в Париже.

Аристарх Лентулов

Колокольня Ивана Великого, 1915 год

Талант классика русского авангарда называли жизнерадостным, темперамент — буйным, жизнелюбие — покоряющим. За необычный колорит полотен друзья в шутку называли Аристарха Васильевича Ярилой, а коллеги высоко ценили его смелые, порой отчаянные эксперименты. Сану священника Лентулов предпочёл искусство — дерзкое, солнечное, низвергающее любые авторитеты и штампы. В стремлении продемонстрировать превосходство русского таланта мастер любил повторять: «Мы — бунтовщики, а посему наш-то авангард покруче будет!»

Пьер Боннар, плакат «Французское шампанское»
1891 г. 60 x 80 см. Национальная библиотека Франции, Париж.
Рекламный плакат «Французское шампанское»- первая серьезная работа Пьера Боннара — привел в восторг все парижское арт-сообщество и открыл художнику дорогу в большое искусство.
Но, несмотря на это на протяжении многих лет в богемной среде отношение к художнику оставалось неоднозначным и противоречивым. Так, Пабло Пикассо вообще не считал картины Боннара живописью, а Тулуз-Лотрек и Анри Матисс, напротив, восхищались его стилем.
Особенностью Боннара, как живописца, было то, что почти все свои картины он писал не с натуры, а по памяти. Об этом свидетельствует история, согласно которой, отправившись в Италию на этюды. Боннар не взял с собой ни мольберта, ни кистей. Изумление своих спутников, художник разрешил скромным ответом: «Я приехал наблюдать». Сегодня «результаты наблюдений» Пьера Боннара являются значительным культурным наследием и украшают лучшие арт-галереи и частные коллекции всего мира.
Знал бы Эжен Боннар, что у его сына Пьера влечение к рисованию перерастет в дело всей жизни, и сделает его знаменитым не только в родной Франции, вряд ли бы он настаивал на получении им юридического образования.
Благо, воля отца ограничивалась одними уговорами, и когда молодой художник в 1889 году выигрывает конкурс от известнейшей фирмы «Франс-Шампань» на создание афиши, рекламирующей один из самых «французских» напитков, Эжен Боннар проявлял радость громче всех.
Сам плакат появился на улицах Парижа в 1891 году, и уже то, что он был положительно отмечен Тулуз-Лотреком и Феликсом Фенеоном, говорило о многом. Столичной публике тоже понравилась работа Боннара.
Вместе с признанием и восхищением арт-сообщества, открывалась дорога в мир большого искусства, но она оказалась довольно извилистой и обильно устланной множеством испытаний.
Обри Бердслей, рисунок для пригласительного билета «Дамского гольф-клуба», 1894
Обри Бердслей никогда не посещал художественную школу, не написал ни одной большой картины, ни разу не устроил персональной выставки работ. Он всего пять лет занимался творчеством,
но за это время сделал невозможное — разрушил традиционные представления о графике и предложил миру свой взгляд на искусство.
Агрессивные, откровенные, порочные образы, созданные Бердслеем, приводили его современников в оцепенение. Благонравная Англия с чопорными представлениями о морали была шокирована появлением работ Бердслея, иллюстрирующих произведения таких скандальных авторов, как Оскар Уайльд, Томас Мэллори, Эдгар По. На художника посыпались публичные обвинения в изощренном разврате. Несмотря на это блестящая техника мастера оставила яркий след в истории искусства и рекламы эпохи «модерн».
Общественная истерия по поводу безнравственности прошла, а нам в наследство остались ярчайшие, лаконичные, полные внутреннего трагизма образы, созданные рукой великого графика.
Бердслей был внештатным иллюстратором в журналах, делал рисунки для сочинений Уайльда, легенд о короле Артуре, греческих драм и острот 18-го века. Он рисовал портреты, разрабатывал дизайн афиш и даже… швейных машинок. Время от времени художник изображал гермафродитов и уродов. Как заметил редактор в 1895 году, Бердслей «страстно хочет удивить публику чем-то неожиданным».
«Отец художника, Винсент, работал в канцелярии лондонской пивоварни, а мать была гувернанткой, преподавала французской и игру на фортепиано. Семья постоянно кочевала из одних меблированных комнат в другие…» — уточненные детали биографии Бердслея изложены в двухтомном издании Aubrey Beardsley: A Catalogue Raisonné .
Теофиль Александр Стейнлен, афиша кабаре Chat Noir («Черная кошка»), 1928
Художник, скульптор, иллюстратор и один из самых ярких плакатистов XIX-XX вв. Теофиль Стейнлен широко известен по постерам, рекламирующим молоко, шоколадные конфеты, велосипеды и многое другое.
Заслуга Стейнлена как рекламиста заключалась не только в оригинальной технике, но и в том, что он первым стал использовать в качестве рекламных персонажей не роскошных красоток, а очаровательных кошек.
Самая первая и, пожалуй, самая знаменитая кошка Стейнлена появилась на афише парижского кабаре «Черная кошка», открытого художником Родольфо Салисом в 1881 на Монмартре. В заведении был открыт художественный салон и варьете с запрещенным тогда фортепиано. «Черная кошка» была так популярна у богемы, что вскоре в других странах стали появляться подобные кабаре: «Четыре кота» в Барселоне, «Беспризорные кошки» в Санкт-Петербурге. В 1897 году к большому разочарованию артистической общественности это необычное кафе, в котором можно было запросто пообщаться с самыми известными людьми Парижа, перестало существовать. Но оно, несомненно, обогатило художественное наследие эпохи «арт-нуво» замечательной афишей Теофиля Стейнлена.
Пабло Пикассо, Меню кафе Четыре кота/Menu of Els Quatre Gats, 1900
На рубеже XIX -XX веков в Европе новые художественные стили, неожиданные выразительные средства и смелые идеи зарождались в пылу горячих споров молодых художников, музыкантов и поэтов, проводивших часы, дни и недели за столиками маленьких, уютных кафе.
Одним из таких «арт-клубов», полюбившихся богемной публике и очень быстро завоевавших славу культового места стало кафе Els Quatre Gats , открытое в конце XIX века в Барселоне.
Среди постоянных посетителей этого заведения часто можно было встретить молодого и никому не известного художника — Пабло Пикассо.
Первым серьезным заказом Пикассо стала разработка дизайна меню для Els Quatre Gats. А спустя год здесь состоялась его персональная выставка. Гости Барселоны и сегодня могут зайти Els Quatre Gats, чтобы открыть меню, созданное самим Пабло Пикассо, заказать чашечку черного кофе и на время погрузиться в атмосферу творчества, которую до сих пор сохранило это удивительное место.
Тулуз-Лотрек А. Реклама кабаре «Японский диван». 1892-1894
Потомку древней аристократической фамилии, появившемуся на свет в родовом замке Боек в Альби, было уготовано блестящее научное будущее. Но судьба распорядилась по-другому. И как оказалось, не напрасно…
Став выдающимся художником эпохи «арт-нуво», Тулуз-Лотрек оставил в наследство более 600 живописных работ и литографий, и тысячи рисунков. Сегодня цены на его работы продолжают расти и достигают десятков миллионов долларов.
рекламный плакат «Мулен Руж»
Одна из самых знаменитых афиш Лотрека — рекламный плакат кабаре Divan Japonais — написана в 1892 году.
На этой афише, созданной в свойственной художнику манере, стерта грань между зрительным залом и миром стороннего наблюдателя. Главную героиню — певицу Иветт Гильбер -Тулуз Лотрек не только поместил в угол плаката, но и вовсе «лишил головы».
Зато на передний план художник выдвинул в качестве зрительницы известную танцовщицу Джейн Авриль, а роль фата на плакате «сыграл» критик и поэт Эдмон Дюжарден.
«Мастера французской афиши» в ГМИИ им. А.С.Пушкина
Жюль Шере, рекламный плакат «Бал в Мулен Руж», 1892/b>
Благодаря Жюлю Шере на смену скучным и однообразным рекламным сообщениям, содержащим текстовые предложения, пришла яркая визуальная реклама, а стандартные уличные плакаты превратились в истинно художественные произведения. За долгую жизнь Шере создал тысячи плакатов и афиш, рекламирующих все, что было необходимо его современникам: от светских мероприятий до автомобилей. Именно ему принадлежит авторство афиши, сообщающей об открытии кабаре «Мулен Руж» и первые работы для мюзик-холла «Фоли Бержер».
Открыв совершенно новое поле деятельности для многих художников, Шере стал предвестником «золотого периода» французского плаката, которым считается время с 1880 по 1890 год. Уже в то время коллекционеры ни перед чем не останавливались, чтобы добыть новую афишу Шере: их срывали со стен, покупали у расклейщиков. А выставки плакатов открывались чуть ли не в каждом городе
Альфонс Муха, рекламный плакат сигарет «Job», 1896

«Абсолютное отсутствие таланта» — такое резюме получил Альфонс Муха, проваливший экзамены в Парижскую Академию изящных искусств. Кто мог предположить, что через несколько лет имя чешского художника станет символом эпохи «арт-нуво», а новый стиль в изобразительном искусстве почитатели будут называть «стилем Мухи». Рекламные плакаты для шампанского Ruinart, сигаретной бумаги «Джоб», детского питания Nestle, велосипедов Perfecta — сегодня Альфонс Муха известен не только как великий художник, родоначальник стиля «сецессион», но и как мастер, поднявший жанр плаката до уровня высокого искусства. Он стал одним из первых художников, оценивших рекламное воздействие красивой женщины, изображенной на плакате.
А самой знаменитой моделью Мухи стала Сара Бернар, заключившая с художником эксклюзивный контракт на 6 лет. Живя в Париже и отдавая должное рекламной деятельности, Альфонс Муха оставался патриотичным чехом и был одержим «славянской идеей». Отчасти именно поэтому после образования в 1918 году республики Чехословакия, Альфонсу Мухе было поручено изготовление эскизов почтовых марок, денежных знаков и государственного герба страны.
Михаил Врубель, плакат «Выставка работ 36-ти художников», 1901
Критики до сих пор не могут придти к единому мнению о направлении, в котором работал Врубель.
Но в том, что он оказал огромное влияние практически на всех крупных художников и на все авангардные течения XX века, не сомневается никто. Долгое время художник оставался непонятым, непризнанным, неоцененным.
В воспоминаниях Коровина о Врубеле даже упоминается случай, когда художник пытался расплатиться за обед в ресторане своим рисунком, но получил возмущенный отказ. Кстати, эта работа — этюд к «Восточной сказке» — сегодня украшает коллекцию Русского музея.
Как личность, буквально одержимая творчеством, Михаил Врубель совершал странные, порой необъяснимые поступки. Так, однажды, вернувшись с циркового представления, художник полностью смыл изображение Христа на уже проданном полотне «Моление о чаше» и изобразил на холсте черноглазую циркачку. Заказчикам он объяснил это тем, что просто не мог ее не написать, а чистого холста под рукой не оказалось. Вместо почти законченного портрета своей жены он изобразил Пана, а вместо заказанного портрета Мамонтова написал портрет гадалки.
Валентин Серов, афиша-плакат «Русских сезонов» в Париже, 1909
Помимо огромного вклада в национальное художественное достояние XX века Валентин Серов оказал серьезное влияние на развитие русского театра.
Его эскизы для постановок Мариинского театра и «Русских сезонов» стали классикой театральной живописи. Благодаря участию художника в создании афиш и декораций к «Русским сезонам» С.П. Дягилева, русский балет заявил о себе как цельное арт-явление, сочетающее театральное и изобразительное искусство. И далеко не всегда было очевидно, «которое из искусств является важнейшим»…
Так, афиша Серова к балету «Сильфида» сыграла неожиданную роль в создании мифа об Анне Павловой, ставшей олицетворением достижений русского балета начала XX века. Саркастично настроенные критики даже замечали, что портрет Анны Павловой вызывал куда больше откликов, чем сама балерина. Но ведь в этом и есть смыл рекламного плаката, не правда ли?
Иван Билибин, плакат акционерного общества «Новая Бавария», 1903
Потомок калужских купцов, художник и иллюстратор русских сказок и былин, Иван Билибин во всех своих работах старался подчеркнуть национальный колорит. В те времена на придворных балах и в великосветских салонах Петербурга и Москвы на смену строгому классицизму пришла мода на старорусский стиль.
Поэтому художник, умеющий виртуозно выразить самую суть старинной русской культуры, был очень популярен и горячо любим светским обществом. Крупные производители нередко заказывали у столичной знаменитости рекламные афиши своих товаров. Самой известной стала афиша акционерного общества «Новая Бавария», которое благополучно существует и по сегодняшний день, но уже под другим, известным всем названием — «Игристые вина».
Казимир Малевич, афиша к кинофильму Фрица Ланга «Доктор Мабузо», 1925
Казимир Малевич успел попробовать себя в стиле авангардизма, абстракционизма, кубизма, футуризма и, наконец, стал родоначальника супрематизма. Но помимо общепризнанных художественных шедевров, таких, как «Черный квадрат», в галерее Малевича нашлось место и шедеврам рекламным. И одним из самых известных произведений, созданных в целях рекламы, стал плакат к кинофильму немецкого режиссера Фрица Ланга «Доктор Мабузо».
Эта работа отлично характеризует авангардный взгляд художника на новый вид искусства XX века. Казимир Малевич был убежден в том, что кинематограф, равно как и живопись, должен быть беспредметным, поэтому создал киноафишу, красноречиво подтверждающую его теорию «чистого кино». Премьера «Броненосца Потемкина» в Большом театре СССР была сделана по сценарию Малевича, где после заключительных кадров фильма, на авансцену, разрезая занавес, выдвигался настоящий нос легендарного корабля.
Нико Пиросмани, вывеска «Холодное пиво»
Тифлисский художник-самоучка Нико Пиросмани удостоился великой чести: его работы стали не только грузинским национальным достоянием — в некотором смысле святыней культуры — но и приобрели мировую славу.
Давно превратившись в самостоятельный бренд, его имя стало визитной карточкой лучших художественных галерей, украсило вывески ресторанов и сорта лучших вин.
Судьба художников полна легенд и загадок. Чего стоит только легенда о том, что любовь бедного художника Нико Пиросмани к кафешантанной певичке Маргарите де Севр легла в основу знаменитого хита 80-ых про «миллион алых роз». Да и сама история про простого маляра, ставшего знаменитым живописцем, больше похожа на легенду.
Кстати, первой «выставкой» художника, по шутливому свидетельству современников, считаются привокзальные кварталы Тифлиса, где вывеска практически каждого заведения была изготовлена в мастерской Нико Пиросмани.

Шедевры плакатного искусства ХХ века в собрании РГБ

В экспозицию выставки, проходящей в читальном зале отдела изоизданий Российской государственной библиотеки, вошли всего тринадцать плакатов. Но каждый из них входит в золотой фонд советского плакатного искусства, каждому из них можно было бы посвятить отдельную выставку.

Тов. Ленин очищает землю от нечисти.
Худож. В. Дени по рис. М. Черемныха.
,
Красный подарок белому пану.
Худож. Д. Моор.
Москва, 1920

Нередко выставки плакатов, подготовленные сотрудниками отдела изоизданий, включают работы малоизвестных (или вовсе неизвестных) авторов, чтобы посетители библиотеки могли увидеть что-то новое, не растиражированное широко. Но теперь пришло время показать жемчужины собрания РГБ авторства братьев Стенбергов, Виктора Дени, Александра Дейнеки, Валентины Кулагиной, Густава Клуциса и других признанных мастеров.

Пожалуй, самый известный плакат в экспозиции — «Товарищ Ленин очищает землю от нечисти», созданный в 1920 году Виктором Николаевичем Дени (Денисовым) по рисунку Михаила Михайловича Черемных. Обратите внимание: образ вождя мирового пролетариата не похож на привычные глазу изображения. Сотрудники музея Ленина рассказывали, что из коллекций музеев изымались «неканонические» изображения Владимира Ильича — возможно, чтобы не нарушать цельность образа. Но Российская государственная библиотека не музей, поэтому плакат сохранился до наших дней, и посетители читального зала ИЗО могут рассмотреть его во всех деталях.

Антанта под маской мира.
Худож. В. Дени.
Москва, 1920
Капитал.
Худож. В. Дени, текст Д. Бедного.
Москва, 1919

Не менее интересны ещё два плаката авторства Виктора Дени — «Капитал» (1919) и «Антанта под маской мира» (1920). На плакате «Капитал» — гигантская фигура буржуя, купающегося в золоте. Нити паутины тянутся от него и опутывают фабричные трубы. Изображение иллюстрирует стихи Демьяна Бедного:

Любуясь дивною картиной,
Рабы, склонитесь предо мной!
Своей стальною паутиной
Опутал я весь шар земной.
Я — воплощенье капитала.
Я — повелитель мировой.
Волшебный блеск и звон металла —
Мой взгляд и голос властный мой.

Плакат — оружие массовой пропаганды: простые сюжеты, понятные каждому аллегории, минимум деталей, яркие контрастные цвета. Именно таков плакат Дмитрия Моора (Дмитрия Стахиевича Орлова) «Красный подарок белому пану» (1920). Три цвета — чёрный, красный, белый. Текст не оставляет простора для толкования: «Двинь-ка этим чемоданчиком пана в лоб».

Куратор выставки Светлана Николаевна Артамонова советует всем, кто придёт посмотреть на шедевры плакатной живописи, обратить внимание на края работы Дмитрия Моора. Этот плакат не реставрировали, и вы сможете увидеть основу, фактуру бумаги — это поможет почувствовать, что рисунку перед вами немногим меньше ста лет и он совсем не предназначался для длительного хранения.

Верхом на хольте.
Худож. Б. Прусаков.
,
Вернём угольный долг стране.
Худож. Г. Клуцис.
Москва — Ленинград, 1930

В тех же цветах — чёрный, красный, белый — но совсем в другом стиле работа Густава Густавовича Клуциса «Вернём угольный долг стране» (1930). Густав Клуцис — один из создателей искусства фотомонтажа, настоящий новатор, классик русского авангарда. Его работы — это соединение большого мастерства и искренней веры в то, к чему плакаты призывали. К сожалению, судьба Густава Густавовича сложилась трагически. На основании ложного обвинения в январе 1938 года он был арестован как «член вооруженной латышской террористической организации» и 26 февраля расстрелян на Бутовском полигоне в Москве.

О борьбе не с внешним, а с самым внутренним врагом — безграмотностью — цветная литография Алексея Александровича Радакова «Неграмотный тот же слепой, всюду его ждут неудачи и несчастья». Выполнен плакат в стиле лубка, полон деталей, рассматривать его можно долго. И будто подхватывает, развивает тему работа Александра Александровича Дейнеки «Мы требуем всеобщего обязательного обучения» (1930).

Неграмотный тот же слепой.
Худож. А. Радаков.
Петроград, 1920
Мы требуем всеобщего обязательного обучения.
Худож. А. Дейнека.
Москва — Ленинград, 1930

Сейчас киноафиши, созданные братьями Стенбергами — Владимиром Августовичем и Георгием Августовичем — настоящая ценность. А в своё время это были просто яркие, броские, завораживающие картинки, цель которых была сугубо утилитарной: привлечь внимание зрителей и заманить их в кинотеатры. Поэтому если присмотреться к афишам со знакомой всем ценителям подписью «2 Стенберг 2» — как у цирковых артистов — можно увидеть, что напечатаны они на обратной стороне других афиш. «Шанхайский документ» (1928), «Белый стадион» (1929), «Симфония большого города» (1928) — кто вспомнит, о чём были эти фильмы? А афиши Владимира и Георгия Стенбергов пережили своё время и по праву занимают почётное место в экспозиции выставки «Шедевры плакатного искусства».

Каждый плакат рассказывает свою историю языком своего времени. Каждый из них по-своему уникален. И если вы хотите понять, как и чем жила наша страна почти век назад, почувствовать дух той эпохи — приходите на выставку «Шедевры плакатного искусства ХХ века в собрании РГБ».

Шанхайский документ.
Худож. В. Стенберг, Г. Стенберг.
Москва,
Симфония большого города.
Худож. В. Стенберг, Г. Стенберг.
Москва, 1928

>Топ-10 самых известных художников мира

Ниже представлен список десяти самых известных художников в истории. Также рекомендуем, ознакомится с рейтингом самых известных картин в мире.

Леонардо да Винчи

Леонардо ди сер Пьеро да Винчи (15 апреля 1452—2 мая 1519) — знаменитый итальянский живописец, архитектор, философ, музыкант, писатель, исследователь, математик, инженер, анатом, изобретатель и геолог. Известен своими картинами, наиболее знаменитыми из которых являются «Тайная вечеря» и «Мона Лиза», а также многочисленными изобретениями, намного опережавшими своё время, но так и оставшимися только на бумаге. Кроме того, Леонардо да Винчи внёс немаловажный вклад в развитие анатомии, астрономии и техники.

Рафаэль Санти

Рафаэль Санти (28 марта 1483—6 апреля 1520) — великий итальянский художник и архитектор, работающий в эпоху Ренессанса, охватывающий период с конца XV и первые годы XVI века. Традиционно Рафаэль считается одним из трёх великих мастеров этого периода, наряду с Микеланджело и Леонардо да Винчи. Многие из его работ находятся в Апостольском дворце в Ватикане, в помещении под названием станцы Рафаэля. Среди прочих, здесь находиться самая знаменитая его работа — «Афинская школа».

Диего Веласкес

Диего Родригес де Сильва-и-Веласкес (6 июня 1599—6 августа 1660) — испанский художник, портретист, придворный художник короля Филиппа IV, величайший представитель золотого века испанской живописи. Помимо, многочисленных картин, изображающих исторические и культурные сцены из прошлого, он написал множество портретов испанской королевской семьи, а также других известных европейских деятелей. Наиболее знаменитой работой Веласкеса считается картина «Менины» (или «Семья Филиппа IV») 1656 года находящаяся в музее Прадо в Мадриде.

Пабло Пикассо

Пабло Диего Хосе Франсиско де Паула Хуан Непомусено Мария де лос Ремедиос Сиприано де ла Сантисима Тринидад Мартир Патрисио Руис и Пикассо (25 октября 1881—8 апреля 1973) — всемирно известный испанский художник и скульптор, основоположник направления в изобразительном искусстве — кубизм. Считается одним из величайших художников повлиявшим на развитие изобразительного искусства в XX веке. Экспертами, был признан лучшим художником среди живших за последние 100 лет, а также самым «дорогим» в мире. За свою жизнь Пикассо создал около 20 тыс. работ (по другим данным 80 тысяч).

Винсент Ван Гог

Винсент Виллем Ван Гог (30 марта 1853—29 июля 1890) — знаменитый нидерландский художник, приобретший известность лишь после смерти. По мнению многих экспертов, Ван Гог является одним из величайших художников в истории европейского искусства, а также одним из самых ярких представителей постимпрессионизма. Автор более 2100 произведений искусства, в том числе 870 картин, 1 тыс. рисунков и 133 эскизов. Его многочисленные автопортреты, пейзажи и портреты являются одними из самых узнаваемых и дорогих произведений искусства в мире. Наиболее известной работой Винсента Ван Гога, пожалуй, считается серия картин под названием «Подсолнухи».

Микеланджело

Микеланджело Буонарроти (6 марта 1475—18 февраля 1564) —всемирно известный итальянский скульптор, художник, архитектор, поэт и мыслитель, наложивший неизгладимый отпечаток на всю мировую культуру. Самой известной работой художника, пожалуй, являются фрески на потолке Сикстинской капеллы. Среди его скульптур самыми знаменитыми считаются «Пьета» («Оплакивание Христа») и «Давид». Из произведений архитектуры — дизайн купола базилики Святого Петра. Интересно, что Микеланджело стал первым представителем западноевропейского искусства, чья биография была написана ещё при жизни.

Мазаччо

На четвёртом месте в рейтинге самых известных художников мира находится Мазаччо (21 декабря 1401—1428) — великий итальянский художник, оказавший огромное влияние на других мастеров. Мазаччо прожил очень короткую жизнь, поэтому биографических свидетельств о нём немного. Сохранились лишь четыре его фрески, которые, без сомнения, являются работой Мазаччо. Другие, как полагают, были уничтожены. Наиболее известной работой Мазаччо считают фреску «Троица» в церкви Санта-Мария-Новелла во Флоренции, Италия.

Питер Пауль Рубенс

Питер Пауль Рубенс (28 июня 1577—30 мая 1640) — фламандский (южнонидерландский) живописец, один из величайших художников эпохи барокко, известен своим экстравагантным стилем. Считался самым универсальным художником своего времени. В своих работах Рубенс подчёркивал и воплощал жизненную силу и чувственность цвета. Он написал многочисленные портреты, пейзажи и исторические картины с мифологическими, религиозными и аллегорическими сюжетами. Самой знаменитой работой Рубенса является триптих «Снятие с креста» написанный в период с 1610 по 1614 год и принёсший художнику всемирную известность.

Караваджо

Микеланджело Меризи да Караваджо (29 сентября 1571—18 июля 1610) — великий итальянский художник периода раннего барокко, основатель европейского реалистической живописи XVII века. В своих работах Караваджо умело использовал контрасты света и тени, фокусируясь на деталях. Часто изображал простых римлян, людей с улиц и рынков в образах святых и мадонн. Примерами могут служить «Евангелист Матфей», «Вакх», «Обращение Савла» и др. Одной из самых знаменитых картин художника считается «Лютнист» (1595), которую Караваджо называл наиболее удавшимся ему фрагментом живописи.

Рембрандт

Рембрандт Харменс ван Рейн (1606—1669) — знаменитый нидерландский живописец и гравёр, который считается величайшим и самым известным художником мира. Автор около 600 картин, 300 офортов и 2 тыс. рисунков. Характерной его особенностью является мастерская игра с эффектами света и глубокими тенями. Наиболее известной работой Рембрандта считается четырёхметровая картина «Ночной дозор», написанная в 1642 году и хранящаяся сейчас в Государственном музее Амстердама.

художник-автор

Смотреть что такое «художник-автор» в других словарях:

  • Художник — Искусство * Автор * Библиотека * Газета * Живопись * Книга * Литература * Мода * Музыка * Поэзия * Проза * Публика * Танец * Театр * Фантазия Автор (Писатель, Художник) Вдохновение это не селедка, которую можно засол … Сводная энциклопедия афоризмов

  • АВТОР — (от лат. auctor творец или от греч. autos сам). Творец какого нибудь художественного, литературного или научного произведения. Словарь иностранных слов, вошедших в состав русского языка. Чудинов А.Н., 1910. АВТОР или от лат. auctor, или от греч.… … Словарь иностранных слов русского языка

  • Художник граффити (фильм) — Художник граффити The Graffiti Artist Жанр драма Режиссёр Джеймс Болтон … Википедия

  • Автор — (от лат. auctor виновник, учредитель, основатель, податель мнения или совета, сочинитель), авторство термины, выражающие специфическое отношение к письменному тексту как собственному, лично «сотворенному» самим «творцом». Отношение это, ставшее в … Энциклопедия культурологии

  • автор-художник — автор художник, автора художника … Орфографический словарь-справочник

  • Художник-абстракционист Ротко Марк — Американский художник абстракционист Марк Ротко (Rothko Mark, настоящее имя и фамилия – Маркус Яковлевич Роткович) родился 25 сентября 1903 г. в Двинске (ныне Даугавпилс, Латвия) в многодетной семье фармацевта. В 1910 г. его отец уехал в… … Энциклопедия ньюсмейкеров

  • Автор — см. Художник (Источник: «Афоризмы со всего мира. Энциклопедия мудрости.» www.foxdesign.ru) … Сводная энциклопедия афоризмов

  • Художник кинофильма — художник кинофильма, автор изобразительно декорационного решения фильма (художественного, мультипликационного и др.). Художник постановщик возглавляет работу группы, в которую входят художник декоратор, ассистент, художник по костюмам, гриму,… … Кино: Энциклопедический словарь

  • Художник мультипликационного фильма — художник мультипликационного фильма. Кинокамера в мультипликационном фильме фиксирует мир, творцом которого является художник; пространство, время, движение этого мира в реальности не существуют — они воссозданы его воображением. В работе… … Кино: Энциклопедический словарь

  • Художник (повесть) — У этого термина существуют и другие значения, см. Художник (значения). Художник Жанр: повесть Тарас Григорьевич Шевченко Язык оригинала: русский Год написания … Википедия

Автор + художник = «Книжка с картинками»

11 апреля в духовном центре «Покровские ворота» открылась выставка художников — иллюстраторов издательства «Никея» «Книжка с картинками». Зрителям представлены работы Евгения Подколзина, Дарьи Юдиной, Анны Юдиной, Дианы Лапшиной, Игоря Олейникова.

Зрителям представлены иллюстрации к самым разным книгам – былинам, сказкам, детским повестям и даже к «Гамлету». У каждого художника – свой стиль, свои приемы, свои взгляды. Но все работы объединяет одно – удивительная любовь к книге и мастерство каждого автора.

Заместитель главного редактора издательства «Никея» Татьяна Стрыгина представила собравшимся выставку и отметила, что для «Никеи» очень важно, чтобы «книга имела достойный образ и чтобы на иллюстрациях можно было формировать детский вкус».

«Самый смелый художник» Евгений Подколзин

Евгений Подколзин и Игорь Олейников

«Самым смелым» Евгения Подколзина назвала Руководитель отдела маркетинга и связей с общественностью издательства «Никея» Елизавета Меркулова. За то, что он – единственный «говорящий художник», который выступил с «общим словом» от имени собравшихся иллюстраторов:

«Книжка с картинками — очень интересная форма существования визуального искусства. Когда бабушка идет покупать своему внуку книжку, ей все равно, кем она нарисована. Ей главное, чтобы книжка была красивая. И это очень ценно – в книжной иллюстрации нет агрессивного авторского слова. Высказывание книжного художника – это искусство высказывания, искусство контрапункта».

Евгений Подколзин подписывает книги

Евгений Подколзин — художник-иллюстратор, театральный художник-постановщик.

Родился в Москве. В 1978—1983 годах проходил обучение в Школе-Студии МХАТ им. В. И. Немировича-Данченко. По окончании ВУЗа попал по распределению в Норильск, работал художником-постановщиком в Заполярном театре драмы им. В. В. Маяковского. Затем вернулся в Москву, где работал в небольших независимых театрах. Через увлечение мифологией и фольклором пришёл к работе художника-иллюстратора, стал художником книги, в первую очередь — детской. Среди ориентиров Владимир Конашевич и Евгений Чарушин.

Проиллюстрировал книги: «Орден Жёлтого Дятла» Монтейру Лобату (М.: Терра, 1996), «Мышонок Пик» Виталия Бианки (М.: Стрекоза, 1998, книга многократно переиздавалась, последний раз в 2008 году) и других авторов. С 2001 года работает для издательств Южной Кореи. Сотрудничает с журналом «Мурзилка». Оформляет житийную православную литературу.

Евгений Подколзин. Былины

Евгений Подколзин. Добрыня и змей

Евгений Подколзин

Евгений Подколзин

В кратком интервью порталу «Православие и мир» Евгений Подколзин рассказал о представленных на выставке работах:

«Эти рисунки были сделаны достаточно давно. Когда-то мне поступило предложение от одного издательства – сделать то, что я хочу. Я предложил сделать былины. Это давно было мне интересно. И книжка-то получилась не совсем детская. Потому что, по сути, это — невербальная фольклористика. Средствами, какими я могу, я трактую материал. Я сам составил сборник былин, поэтому здесь достаточно нетрадиционное прочтение. Наверное, самое необычное здесь «Добрыня и змей». В принципе, этот сюжет трактуется как обряд инициации. Также здесь есть какие-то аграрные праздники, языческие дохристианские праздники. А есть и другие былины – вот, например, Илья Муромец. Работа была интересная, достаточно фундаментальная и глобальная – здесь представлена только малая часть картин. Всего их было около 50. Они начинались с былины о том, как появились богатыри, а заканчивается былиной о том, как исчезли богатыри. Я пытался сделать свои, русский вариант «Калевалы».

Игорь Олейников: «На одном дыхании!»

Аниматор, иллюстратор детских книг.

Родился в подмосковном городе Люберцы, закончил Московский институт химического машиностроения. После окончания работал по специальности в проектном институте «Гипрокаучук».

Игорь Олейников и фотограф

В 1979 году устроился на киностудию «Союзмультфильм» в качестве ассистента художника-постановщика. У Игоря Олейникова нет специального художественного образования, о чем он, по собственному признанию, сегодня сожалеет. Но поверить в это трудно.

В анимации Игорь Олейников известен по фильмам «Тайна третьей планеты» (1981), «Последняя охота» (1982), «Сказка о царе Салтане» (1984), принимал участие в работе над лентой «Халиф-аист» (1981).

В 1991-2000 гг. работал в российском филиале студии ВВС «Кристмас Филмз», где был поставлен рисованный мультфильм-фантазия по мотивам оперы В.А.Моцарта «Волшебная флейта» (режиссёр Валерий Угаров). Фильм был высоко оценен на Тарусском анимационном фестивале. В следующем году на том же мероприятии художник получил приз за лучший персонаж фильма «Иона».

В 2000 году мультфильм «Подна и Подни» из цикла «Сказки народов мира» (режиссер Юрий Кулаков) завоевал Гран-при на анимационном фестивале «Золотая рыбка».

С 1986 года параллельно с работой в анимации сотрудничает с детскими журналами «Миша», «Трамвай», «Куча-мала», «Улица Сезам», «Шаровая молния», «Спокойной ночи, малыши!», альманахом «Колобок и Два жирафа»), а также с книжными издательствами. Среди его работ, выпущенных российскими издательствами: «Алиса в Стране чудес» Льюиса Кэрролла, «Хоббит, или Туда и Обратно» Дж.Р.Р.Толкина, «Приключения барона Мюнхгаузена» Э.Распе, «Разные рыбки» и «Разные кошечки» Б.Заходера, «Оранжевый верблюд», «Сказочная история мореплавания» и «Сказочная история воздухоплавания» А.Усачёва, «Приключения мышонка Десперо» К.Ди Камилло.

О своих работах, представленных на выставке: «Я иллюстрировал книгу «Вол и осел при яслях» Жюля Сюпервеля. Я такой книжки никогда даже близко не читал – настолько она замечательная! Это притча о взаимоотношениях осла и вола, их разговоры, их отношение к Рождеству. Я книгу не читал и сначала не хотел рисовать, а когда прочитал, то понял, что это настолько мое, что надо хвататься не глядя. Бросил ту работу, которую делал и взялся за эти картины. И сделал на одном дыхании!».

Игорь Олейников подписывает книги

Игорь Олейников, Осел и вол при яслях

Игорь Олейников, Осел и вол при яслях

Игорь Олейников, Осел и вол при яслях

Игорь Олейников, Осел и вол при яслях

Игорь Олейников, Осел и вол при яслях

Диана Лапшина: «Больше всего люблю рисовать стихи»

Художник-иллюстратор, график.
Родилась в 1980 году в Москве. В 1997 г. закончила Краснопресненскую Детскую Художественную школу, в 2003 – с отличием художественно-графический факультет МПГУ.

Представляла МПГУ в номинации «Лучший студент ВУЗа» («Молодая элита России-2003»).

Профессиональную деятельность начала в 2005 году и на сегодняшний день имеет более тридцати проиллюстрированных книг, вышедших в таких издательствах как: Астрель-СПб, Махаон, Мир Книги, изд. дом «Фома» и т.д.

Включена в состав «222 лучших молодых книжных иллюстратора +1 почетный гость из стран бывшего СССР / 222 Best Young Book Illustrators +1 Guest of Honor from ex-USSR».
О своих работах, представленных на выставке: «Вот иллюстрации – обложка к книжке «Шофер» издательства «Настя и Никита». Эти две иллюстрации тоже для «Насти и Никиты» — это была книга уже известного автора Натальи Волковой «Стихи». Книга пользовалась большим успехом. И четыре работы для книги «Пасхальные рассказы для детей», которая вышла в «Никее» в этом году. Мы спешили, чтобы к празднику она была везде. В книге содержится 15 иллюстраций вот в таком стиле – это акварель, гуашь, пастель, глина, все вместе. Что мне под руку попадалось, то и использовалось. Самый серьезный сюжет, который я когда-либо рисовала – это вынос плащаницы. Вообще, я беру в работу все, что дают, и даже то, что никогда бы сама не взяла, потому что это возможность открыть для себя что-то новое. Например, в жизни бы я не стала рисовать никаких кранов подъемных, никаких пожарных, а пришлось. Но больше всего я люблю рисовать стихи, потому что если рисуешь для повести, то герои – одни и те же – должны прослеживаться на протяжении всей книги. И иногда это бывает скучновато. Хочется поиграть, а ты уже в заданных рамках. А в стихах – каждый новый разворот – это новые картинки. И ты можешь рисовать все, что угодно «.

Диана Лапшина, работы

Диана Лапшина. «Стихи» Натальи Волковой

Диана Лапшина. Шофер

Дарья Юдина: «Люблю сказки!»

Закончила МХУ им. 1905 года

Рассказывает о своих работах: «Это «Гамлет» Шекспира. К сожалению, книжка с этими иллюстрациями не вышла, потому что у издательства, его заказавшего, денег уже не было. Это иллюстрации к книжке издательства «Никея» «Эльфрин», а последнее – «Щелкунчик», над этой книжкой я только начала работать. Я работаю над теми книгами, которые мне заказывают. Больше всего люблю сказки. Иногда бывает, что что-то не идет: если мне не нравится книга, то у меня тогда получаются очень плохие иллюстрации. А вообще, есть такая тесная мистическая взаимосвязь «художник-автор», потому что, как говорят святые отцы, через слово мы приобщаемся к человеку, написавшему или сказавшему это слово. И это действительно так. У меня прямо пропорционально гениальности автора получаются иллюстрации. Шекспир – гениальный автор, и иллюстрации хорошие. А если бездарный автор – я ничего не могу сделать, поэтому лучше иллюстрировать хороших авторов».

Дарья Юдина возде работ Игоря Олейникова

Дарья Юдина, Эльфрин

Дарья Юдина, Гамлет

Дарья Юдина. Гамлет

Дарья Юдина. Щелкунчик.

Анна Юдина

Иллюстратор. В 1997 году закончила МГХПУ имени Строганова по специализации графического дизайна, защитив дипломный проект по теме «Книжка-игрушка «Сказки народов мира».

Использует смешанную технику и различные материалы — акварель, акрил, тушь, перо, пастель, гуашь.

Анна сотрудничает со многими детскими издательствами, помимо иллюстрации разрабатывала мультимедийную игру по мотивам сказки «Руслан и Людмила»

В 2009 награждена Международным дипломом им. Х.К.Андерсена. В 2010 году за иллюстрации к книге «Аня в стране чудес» Анна награждена премией IBBY (International Board on Books for Young people).

Анна не смогла прийти на открытие выставки, поэтому о ее работах рассказала сестра Дарья Юдина: «Анна работает в более декоративном стиле. У нас папа – художник, и всегда говорили, что она унаследовала декоративную сторону, а я реалистичную. Это она делала «Дюймовочку». А вот это – вообще ее сказка, которую она написала для своих двух маленьких детей. И сама проиллюстрировала. Она работает только со сказками».

Анна Юдина. Дюймовочка

Анна Юдина. Повесть о Фотогене и Никтерис

Анна Юдина. Сказка

Анна Юдина.

Елизавета Жданова. «Детские книги лучше взрослых»

Выступление Елизаветы Ждановой

Елизавета Жданова — автор сказки о бумажном человеке (илл. Евгения Подколзина) – единственный представитель «когорты» авторов также выступила на открытии выставки на «Покровке»:

«Во-первых, я очень рада, что такое количество людей любит детские книги, потому что детские книги – лучше взрослых. Книжка с картинками – это очень здорово. Книжка без картинок – это высказывание автора, время которого ушло, книжка с картинками это автор+художник, это совместное видение. Картинки провоцируют развитие читательской фантазии. Настоящий автор книги – не только писатель, не только художник, но и читатель. У меня в руках – прообраз бумажного человека, каким он был до начала написания книги. Потом он стал другим, таким, каким его увидела Евгений Подколзин, а вы можете увидеть в книге. А каким он получился в итоге – узнает только читатель, когда прочтет книгу».

Елизавета Жданова и бумажный человек