Картины художников о

Великие художники навсегда оставляют свой след в истории живописи. Они все такие разные, образованные и не очень, бедные и богатые, рождённые в самых разных уголках мира… Но всех их объединяет одно — изумительный талант, который им удалось в себе развить.

Содержание

Интересные факты о художниках

  1. Ван Гог не отрезал себе ухо. А вот мочку уха он себе всё-таки ампутировал.
  2. Леонардо да Винчи был вегетарианцем.
  3. Одним из самых эксцентричных художников можно назвать Сальвадора Дали. Он любил шокировать людей. А однажды он заявился на выставку в водолазном костюме.
  4. Знаменитый художник Пабло Пикассо в молодости был очень беден. Однажды ему даже пришлось топить печь собственными картинами, потому что у него не было денег на дрова (см. 27 интересных фактов о Пикассо).
  5. Полное имя Пикассо состоит из 23 слов.
  6. Картина Анри Матисса «Лодка» однажды провисела вверх ногами на выставке полтора месяца, пока кто-то не заметил ошибку.
  7. При жизни Винсент Ван Гог продал, вопреки распространённому мифу, не одну картину, а намного больше. Но получал он за свои полотна совсем мало денег. Документально подтверждена продаже не менее 14 картин.
  8. Леонардо да Винчи одинаково хорошо владел и правой, и левой руками.
  9. Среди великих художников было много левшей. Намного больше, чем среди представителей большинства других профессий.
  10. Ренуар в молодости был портным, а также занимался ремонтом и изготовлением обуви.
  11. Ван Гог не раз попадал в психиатрические лечебницы. Ему ставили диагноз «шизофрения» (см. 20 интересных фактов о Ван Гоге).
  12. Сальвадор Дали недолюбливал детей. Он даже развлекался весьма странным способом — приходил на детские площадки, доставал из кармана кучу конфет, разворачивал их, облизывал и бросал на землю, чтобы подразнить детишек.
  13. Тело художника Сальвадора Дали, согласно его последней воле, замуровано в пол в музее его имени, что в городе Фигерас.
  14. У художника Анри Матисса была одна странная фобия — он боялся ослепнуть. Он даже обучился игре на скрипке, чтобы иметь возможность зарабатывать себе на жизнь, если вдруг утратит зрение.
  15. Самая дорогая картина, когда-либо проданная на аукционе — «Крик» Эдварда Мунка.
  16. Знаменитый художник Эпохи Возрождения, Леонардо да Винчи, был ещё и учёным. Так, он первым объяснил с научной точки зрения, почему небо имеет синий цвет (см. 20 интересных фактов о Леонардо да Винчи).
  17. Дизайн обёртки от леденцов «Чупа-чупс» был разработан Сальвадором Дали. Причём денег он за работу не взял, поставив взамен условием, чтобы ему до конца жизни каждый день приносили коробку леденцов.
  18. Леонардо да Винчи написал самую дорогую и известную картину в мире. Речь идёт о «Мона Лизе», для которой в парижском Лувре даже выделен отдельный зал.
  19. Художник Поль Гоген был очень талантливым резчиком по дереву. Но это было его, как сейчас бы сказали, хобби.
  20. Ренуар обнаружил, что может писать картины левой рукой не хуже, чем правой, после того, как сломал правую руку.
  21. Творческая карьера Ренуара продлилась около 60 лет, и за это время он создал около 6000 полотен (см. 15 интересных фактов о Ренуаре).
  22. Художник Эдгар Дега был фанатом танцев и балета. Танцоры и танцовщицы изображены на более чем 1500 его картин.
  23. Картины Айвазовского, знаменитого художника-мариниста, настолько реалистичны, что его некогда даже обвиняли в мошенничестве — злые языки утверждали, что за картинами он размещает лампы, которые и придают его полотнам такую яркость.
  24. Знаменитый Рубенс был дважды рыцарем. Рыцарское звание ему пожаловали сразу два короля, английский и испанский.
  25. Клод Моне, творивший в основном в жанре импрессионизма, начинал с карикатур. Ещё в детстве он изображал в комичном виде собственных учителей.
  26. Жорж Брак стал первым художником, чьё творчество было выставлено в Лувре ещё при жизни автора.
  27. Поль Гоген одно время работал на строительстве Панамского канала.
  28. Голландский живописец Пит Мондриан, один из отцов абстракционизма, был настоящим трудоголиком. Иногда он продолжал работать до тех пор, пока его руки не покрывались волдырями от кисти.
  29. Художник Эпохи Возрождения Микеланджело подписал лишь одну из созданных им картин (см. 15 интересных фактов о Микеланджело).
  30. Также Микеланджело стал первым известным живописцем, чья биография была написана и издана ещё при его жизни.
  31. Ренуар был влюблён в рисование всей душой. Уже будучи очень старым, страдая от артрита, он не мог держать кисть в руках, но всё равно он продолжал писать, привязывая кисть к рукаву.
  32. Клод Моне решил посвятить жизнь художественному ремеслу после того, как выиграл крупную сумму денег в лотерее. До этого он работал посыльным.
  33. Первым словом, произнесённым юным Пикассо, было не «мама» или «папа», а «карандаш».
  34. Другой художник Эпохи Возрождения, Рафаэль, создал множество картин религиозной тематики. При этом сам он был атеистом.
  35. Знаменитая «Мона Лиза» была украдена в 1912 году. Её нашли спустя три года, причём за это время разными мошенниками было продано 6 её копий, выдаваемых за похищенный оригинал.
  36. Микеланджело был не только художником, но и поэтом. До нас дошло около трёхсот созданных им стихотворений.
  37. Сальвадор Дали утверждал, что является реинкарнацией своего умершего брата.
  38. Художник Джексон Поллок использовал сигареты вместо кистей.
  39. Картина Аниша Капура, принадлежавшая одному коллекционеру, была однажды выброшена сотрудниками компании, обеспечивавшей хранение коллекции. Они приняли её за мусор.
  40. До наших дней дошло менее 30 картин Леонардо да Винчи.
  41. На каждом полотне Сальвадора Дали можно, если хорошо присмотреться, обнаружить его зашифрованный автопортрет или силуэт.
  42. Первая выставка Поля Сезанна состоялась, когда ему исполнилось целых 56 лет.
  43. Однажды Сальвадор Дали гулял по Нью-Йорку с двухметровым батоном хлеба. Просто так. Он любил эпатировать публику.
  44. Поль Гоген, французский художник, провёл большую часть детства в экзотической стране Перу.
  45. На картинах Ван Гога преобладают жёлтые тона.

  • Самые интересные факты о живописи

    Каждое творение художника уникально, в каждой картине есть частичка души своего создателя. Но как и любое другое дело, живопись имеет свои нюансы, у художников есть свои хитрости. С каждой картиной связано интересные факты, самые любопытные из которых мы ми представим вам.

    1. Апеллес (370 — 306 гг. до н. э.) был выдающимся древнегреческим художником, другом Александра Македонского. С его именем связано много интересных фактов. По одной из легенд Апеллес проводил соревнование с другим художником на реалистичность изображения. Когда сняли холст с картины конкурента, то птицы тут же слетелись на удивительно живую виноградную ветвь. Потом начали снимать покрывало с картины Апеллеса, но ассистентам это не удалось – покрывало было изображено на картине!

    2. У одной из самых знаменитых картин Рубенса «Пир богов на Олимпе» долго неизвестной оставалась дата создания. Наконец, к ней присмотрелись астрономы, и оказалось что персонажи расположились точно так, как в 1602 году располагались на небосклоне планеты.

    3. В советское время каждый художник должен был суметь провести свою картину через комиссию, зачастую малосведущую в изобразительном искусстве. Приходилось изобретать самые интересные и неожиданные ходы. Так один художник в углу картине нарисовал совершенно неуместную желтую собачку. Именно эта желтая собачка и стала главной темой обсуждения для комиссии, которая уже не обратила ни на что другое внимания. Был вынесен вердикт – принять картину, после удаления собачки.

    4. Ван Меегерен был талантливейшим голландским художником. К сожалению его работы не были оценены, зато его копии картин известных живописцев пользовались небывалой популярностью. Именно такие копии он продавал фашистам. После войны он стал перед дилеммой – или быть обвиненным в продаже национального достояния, или доказать, что это были подделки. Интересно, что всего за несколько дней под наблюдением суда он фактически создал новую картину.

    5. Василий Дмитриевич Поленов (1844—1927) был признанным мастером исторической живописи. Его кисти принадлежит интересная картина с первоначальным названием «Христос и грешница». Но картину в то время не приняли, так как художник изобразил Христа без обязательного нимба, фактически как самого обычного человека. Картину удалось выставить для зрителей только после переименования ее в «Блудную жену».

    6. Одному художнику удалось внедрить свою подделку самым оригинальным способом. Он поверх поддельного полотна нарисовал еще одну картину и все это отнес реставратору. Тот в процессе работы обнаружил сей «двойственный» интересный факт и было объявлено о находке «неизвестного Моне», подлинность которого долго не вызывала сомнений.

    7. Другой оригинальный способ позволяет продать подделку. В раму вставляется две картины, одна из который подлинная. Весь этот «бутерброд» проходит проверку и получает официальное заключение о подлинности работы. После этого одна из картин вынимается, а вторая – продается наивному покупателю.

    8. Картины Виктора Михайловича Васнецова на былинные сюжеты среди других русских художников не пользовались особой популярностью, некоторые даже называли «Мертвечиной» его «После побоища Игоря Святославовича с половцами», а «Ковром с ушами» его сказочный «Ковер-самолет».

    9. Интересный бизнес сделала одна дама на картине с автографом Ильи Ефимовича Репина. Она просто купила некую картину всего за 10 рублей, но с гордой подписью «И. Репин». Эту работа дама показала Илью Ефимовичу через некоторое время. Художник посмеялся и дописал «Это не Репин», после чего дама продала его автограф (естественно вместе с картинкой) уже за 100 рублей.

    10. Художники частенько помогали друг другу, ведь у каждого есть свои любимые сюжеты, но есть и слабые места. Естественно в таком случае воспользоваться помощью друга – Репин написал Пушкина для картины Айвазовского «Пушкин на берегу моря», Николай Чехов изобразил даму в черном для картины «Осенний день. Сокольники» Левитана, а известнейших медведей из шишкинского «Утра в сосновом бору» написал Савицкий.

    Подробнее о интересной судьбе ван Меегерена читайте в статье Обман в искусстве

    Неизвестная (картина)

    Иван Крамской

    Неизвестная. 1883

    Холст, масло. 75,5 × 99 см

    Третьяковская галерея, Москва

    (инв. 5893)

    Медиафайлы на Викискладе

    «Неизвестная» — картина русского художника Ивана Крамского (1837—1887), написанная в 1883 году и являющаяся частью собрания Государственной Третьяковской галереи. Размер картины — 75,5×99 см.

    Портрет часто ошибочно называют «Незнакомка» из-за одноименного стихотворения Александра Блока.

    Композиция

    На полотне изображена молодая женщина, проезжающая в открытом экипаже по Невскому проспекту у павильонов Аничкова дворца. Справа за её спиной виднеется Александринский театр. Она одета по последней моде 1880-х годов. На ней бархатная шляпка с перьями, украшенное мехом и лентами пальто, муфта и тонкие кожаные перчатки. Взгляд царственный, таинственный и немного грустный.

    «Её наряд — шляпа „Франциск“, отделанная изящными легкими перьями, „шведские“ перчатки, сшитые из тончайшей кожи, пальто „Скобелев“, украшенное собольим мехом и синими атласными лентами, муфта, золотой браслет — все это модные детали женского костюма 1880-х гг., претендующие на дорогую элегантность. Однако это не означало принадлежности к высшему свету, скорее наоборот — кодекс неписаных правил исключал строгое следование моде в высших кругах русского общества».

    «Неизвестная» считается одним из наиболее значительных и известных произведений Ивана Крамского. Дав полотну такое название, художник придал ему ореол таинственности и интриги. В идейно-художественном плане содержания образа «Неизвестной», живописцу удалось создать произведение, стоявшее на грани портрета и тематической картины.

    В 2013 г. в рамках проекта «Живопись в 3D» во дворе царскосельских Дежурных конюшен было установлено скульптурное воспроизведение картины работы Александра Таратынова.

    В 2019 году с помощью нейросети, удалось виртуально оживить «Неизвестную картину». Для этого была использована технология анимирования статичного изображения, которое использует за основу маску человеческого лица с видеоряда, перенося её на изображение.

    Прототипы

    «Неизвестная» до сих пор остаётся загадкой художника. Ни в письмах, ни в дневниках он не оставил упоминаний о личности неизвестной.

    Существует неподтвержденная легенда, что прототипом героини картины послужила курская девушка крестьянка Матрёна Саввишна, вышедшая замуж за дворянина Бестужева (чье личное имя не указывается, что подтверждает легендарность истории). Крамской познакомился с ней в Санкт-Петербурге и был пленён её красотой. Но в частном собрании Д. Фридриха в Праге хранится этюд, на котором та же женщина изображена, видимо, более достоверно.

    Есть версии исследователей, например, искусствоведа Чижовой, что картина «Неизвестная» на самом деле была изначально портретом княгини Юрьевской (вторая морганатическая жена императора Александра II) (только после гибели императора художник отошёл от первоначального замысла). Однако эта версия представляется сомнительной: картина была создана через два года после гибели императора Александра II и последующей высылки княгини Юрьевской за границу. Крамской, занимавший к тому моменту весьма высокое положение при дворе, вряд ли бы стал создавать портрет персоны, попавшей в опалу при следующем императоре Александре III.

    Примечания

    1. Крамской Иван Николаевич — Неизвестная (HTML) (недоступная ссылка). Государственная Третьяковская галерея, www.tretyakovgallery.ru. Архивировано 2 июля 2013 года.
    2. 1 2 Иван Николаевич Крамской — Неизвестная (1883) (HTML). rodon.org. Архивировано 2 июля 2013 года.
    3. Крамской Иван Николаевич — Неизвестная, 1883 (HTML). www.art-catalog.ru.
    4. Неизвестная (1883), Крамской Иван Николаевич (HTML). www.kramskoy.info. Архивировано 2 июля 2013 года.
    5. Крамской Иван Николаевич // Большая советская энциклопедия : / гл. ред. А. М. Прохоров. — 3-е изд. — М. : Советская энциклопедия, 1969—1978.
    6. Скульптура «Неизвестная» — Занимательный Петербург
    7. Видео презентация оживление картин
    8. Курская энциклопедия
    9. Дмитрий Крамаренко. История любви с печальным концом. Курск дореволюционный. Дата обращения 27 декабря 2012. Архивировано 27 февраля 2012 года.
    10. Этюд к картине «Неизвестная», 1883. Дата обращения 17 октября 2009. Архивировано 27 февраля 2012 года.
    11. Церковь Успения Богородицы. Русская Джоконда (рус.) (неопр.) ?. Церковь Успения Богородицы (27 октября 2016). Дата обращения 12 апреля 2019.
    12. «Неизвестная» И. Крамского, известна? — Город.томск.ру. www.gorod.tomsk.ru. Дата обращения 12 апреля 2019.

    Литература

    • Государственная Третьяковская галерея. Искусство XII — начала XX века. — М.: СканРус, 2007. — С. 166—167. — ISBN 978-5-93221-120-5.
    • Wachtel, Andrew. Plays of expectations. — University of Washington Press, 2007. — С. 58. — ISBN 0-2959-8647-6.

    Ссылки

    • «Неизвестная» в базе данных Третьяковской галереи

    Работы Ивана Крамского

    • Русалки (1871)
    • Христос в пустыне (1872)
    • Пасечник (1872)
    • Полесовщик (1874)
    • Созерцатель (1876)
    • Н. А. Некрасов в период «Последних песен» (1877—1878)
    • Лунная ночь (1880)
    • Неизвестная (1883)
    • Неутешное горе (1884)

    Истории написания картин


    Многие произведения искусств со временем обрастают целым шлейфом историй. Добрые или не очень, совершенно разные, необычные, зачастую жуткие они добавляют самой непритязательной картине некую ауру. Кстати такие ауры прекрасно видят специалисты по биоэнергетике, экстрасенсы. А еще с картинами связывают события. Происходят они вследствие или просто совпадают по времени – спорить не будем. А вот небольшой обзор подобных произведений мы сделаем, истории написания картин расскажем.

    Одной из самых заметных в числе «проклятых» является репродукция картины испанца Джованни Браголина “Плачущий мальчик”.известно, что рисовал ее художник с собственного сына. Но натурщик в силу своего возраста не мог плакать на заказ. Тогда за дело брался отец и приводил ребенка в нужное состояние. Он знал, что малыш панически боится огня. Потому отец зажигал спички и держал их около лица мальчика, ребенок начинал рыдать, художник брался за работу.

    Браголин жертвовал нервами своего ребенка ради своей тяги к рисованию. Далее легенда гласит, что однажды ребенок не выдержал и пожелал отцу: “Гори ты сам!”, а через пару недель малыш умер от пневмонии. Отец тоже ненадолго его пережил, сгорел в своем доме.

    Дальнейшая история продолжилась в Англии в 1985 г. В это время начинается просто эпидемия пожаров в северной части страны. Горят жилые дома, причем совершенно произвольно, гибнут при этом люди.

    Единственной интересной деталью становится то, что после пожара остается нетронутой только одна вещь – некая репродукция. Количество сообщений растет и доходит до критической массы.

    Один из инспекторов заявляет, что именно “Плачущий мальчик” оказывается общей чертой всех пожаров.
    После этого в газеты и полицию рвется поток сообщений с описаниями всех случаев с этой репродукцией. Доходит до того, что официально предлагается избавиться от этой зловещей картины в доме. Что интересно сам оригинал считается утерянным, есть лишь копия.

    Следующее «пожароопасное полотно» – это творение импрессиониста Моне “Водяные лилии”.

    Один за другим горели по неизвестной причине мастерская творца, далее дома владельцев – кабаре на Монмартре в Париже, дом французского мецената, Нью-Йоркский музей современных искусств. На данный момент картина ведет себя тихо, спокойно висит в музее Мормотон (Франция).

    Еще один «сжигатель» находится в Эдинбурге в Королевском музее. Особо не впечатляющая картина, портрет старика с вытянутой рукой. По легенде пальцы на этой руке шевелятся, но видеть это – дано не всем. А вот те, кто увидели, вскоре умрут в огне.

    Известны две жертвы этой картины — Бэлфаст (капитан дальнего плавания) и лорд Сеймур. Оба утверждали, что видели шевеление пальцев и оба же погибли. Директор музея тоже между пару огней оказался. С одной стороны публика требует избавится от «проклятой» картины, а с другой – это основное средство привлечение посетителей. Так что старик спокойно себе весит в музее.

    Не меньше загадок связано со знаменитейшей «Джокондой» да Винчи. И тут впечатления саамы разнообразные от картины: кого-то она восхищает, а кто-то пугается, теряет сознание. Есть мнение, что этот знаменитый портрет очень плохо воздействует на зрителя. Зафиксировано официально (!) более ста таких событий, кода посетители музея в время созерцания картины теряли сознание. Одной из таких жертв стал французский писатель Стендаль.

    Так же есть информация, что модель Мона Лиза, умерла сравнительно молодой, в 28 лет, а великий Леонардо шесть долгих лет переделывал картину, правил ее, причем до самой смерти.

    Еще одна недобрая картина “Венера с зеркалом” принадлежит кисти Веласкеса. Считается, что все кто ее приобретал либо погибали насильственной смертью, либо разорялись…

    Даже музеи очень неохотно включали ее в свою экспозицию и картинка постоянно мигрировала. Пока однажды на нее не набросилась посетительница, изрезавшая полотно ножом.

    Следующая жуть под названием “Hands Resist Him” написана калифорнийским художником-сюрреалистом Биллом Стоунхемом. Писал он ее со своей с сестрой фотографии в 1972 году. На картине же получился мальчик с не прорисованным лицом и девочка-кукла, почти в рост ребенка у стеклянной двери. В дверь изнутри упираются детские ручки.
    История неприятностей с этим полотном началась с оценившего ее искусствоведа.

    Он скончался, неожиданно и быстро. Следующим стал киноактер. Далее в истории есть пробел, картина считалась исчезнувшей. И вот некая семья обнаруживает ее на помойке и конечно же тащит ее в дом. Более того – ее вешают в детской. В результате дочь не спит по ночам, кричит, говорит , что дети на картине движутся и дерутся. В комнате ставят камеру с датчиком движения, и она срабатывает по ночам.

    Семья решает от картины избавиться и для этого выставляет ее на интернет-аукцион. Тут же организаторы начинают получать море жалоб о том, что при долгом просмотре картинные людям становилось плохо, вплоть до сердечных приступов.

    В конце концов “Hands Resist Him” покупает хозяин частной картинной галереи. Который теперь также становится владельцем вороха жалоб на нее. Кстати, к нему приходят и предложения от экзорцистов. Экстрасенсы вообще в один голос говорят о исходящем от картины зле.

    Это фото было прототипом “Руки сопротивляются ему”:

    Это тоже Стоунхемом но более поздний

    В русской живописи тоже есть свои странности. Еще со школы все знают “Тройку” Перова. Коренным в этой тройке маленький светленький мальчик. Модель для этого образа Перов нашел Москве. По улице брела женщина с 12 летним сыном на богомолье.

    Женщина потеряла всех других детей и мужа, и Вася стал последним ее утешением. Она очень не хотела, что бы мальчик позировал, но позже все равно согласилась. Но после завершения картины, очень быстро, Вася умер… Женщина просит отдать ей картинку, но художник уже не может, картина на тот момент уже а Третьяковке. И Перов тогда пишет портрет мальчика и передает его матери.

    Есть такие тяжелые работы и у Врубеля. Портрет его сына Саввы написан незадолго до неожиданной смерти мальчика.
    А вот “Демон поверженный”…. Врубель постоянно переписывал его, менял колорит, работа очень серьезно сказалась на психике художника.

    Он никак не отрывался от работы, даже уже после того как работа была помещена на выставку….Врубель приходил даже на выставку, работал над полотном. Его осматривал сам Бехтерев. В результате, родственники вызывают психиатра Бехтерева и он ставит жуткий диагноз. Врубеля помещают в больницу, где он и умирает вскоре.

    Еще интересная пара картин.
    Одна из них «Масленица» Куплина
    вторая принадлежит Антонову.

    Особую известность картины получили в 2006, когда в интернете появилась запись, якобы от имени одного студента. Который и заявил , что копия принадлежит перу сумасшедшего, но в картине есть особенность, которая сразу указывает на психическое расстройство автора. Множество людей начинает искать это отличие, но конечно же не находит… точнее вариантов предлагается много, но вот проверить на правильность… пока не удается)

    Еще одним пугалом стал портрет Марии Лопухиной, написанный еще во времена Пушкина.
    Ее жизнь была очень недолго и почти стразу после создания картины она умерла от туберкулеза.

    Ее отец, по слухам магистр-массон , сумел заключить дух дочери в картину. И теперь каждая взглянувшая на портрет девушка рискует умереть. На ее счету уже больше десятка тогдашних молоденьких девушек. В 1880 г картину покупает меценат Третьяков. После этого слухи утихают.

    Следующая «темная» картина – это «Крик» Мунка. Его жизнь была одной большой черной полосой трагедий – смерть матери в раннем возрасте, смерть сестры и брата, потом «шизофрения» другой сестры. В 90х после нервного срыва он лечится электрошоком. Он боится секса и потому не жениться. Умирает Мунк на 81 м году, передав свои картины (1200), эскизы (4500) и 18000 фотографий.
    Главной картиной Мунка стал его «Крик».

    Многие, кому пришлось контактировать с картиной, получают удар судьбы — заболевают, ссорятся с близкими, впадают в тяжелую депрессию или умирали.
    Есть и несколько совсем уже страшных историй. Один служащий, совершенно здоровый человек, ее нечаянно уронил и в результат получил припадки головной боли с нарастающей силой, это тянулось до тех пор пока служитель не покончил с собой. Другой уронивший картину попал в автомобильную аварию и получил тяжелейшие переломы рук, ног, ребер, таза и сотрясение мозга. И сюда же можно отнести любопытного посетителя, ткнувшего картину пальцем. Через несколько дней он сгорает в своем же доме заживо.

    Голландец Питер Брейгель-старший написал «Поклонение волхвов» в течении двух лет.

    Моделью для Девы Марии стала его кузина, бесплодная женщина, которую за это избивал муж. Именно она стала причиной плохой ауры картины. Полотно четырежды покупали коллекционеры и после этого по 10-12 лет в семьях не рождались дети. В 1637 картину покупает Якоб ван Кампен. К тому моменту он уже имел троих потомков, потому и не испугался проклятия.

    Это уже современное творение. Ее автор японская школьница, нарисовала ее незадолго до самоубийства.
    Если смотреть на это изображение порядка пяти минут подряд, то девушка на картине изменяется – у нее краснеют глаза, чернеют волосы, вырастают клыки.
    «Женщину дождя» в 1996 году написала Светлана Телец. За пол года до того ей начало чудиться некое внимание, наблюдение.

    Потом в один день Светлана подошла к холсту и увидела там эту женщину, весь ее образ, цвета, фактуры. Она нарисовала картину очень быстро, было ощущение , что кто то водил рукой художницы.
    После этого Светлана попыталась продать полотно. Но первая же покупательница быстро вернула картину, потому что ей казалось что в квартире кто-то есть, ей снилась эта женщина.

    Возникало ощущение тишины, чувство страха и тревоги. Дождя. То же самое повторялось еще несколько раз. Теперь картина висит в одном из магазинов, но больше покупателей на нее не находится. Хотя художница думает, что картина просто ждет своего зрителя, того кому она предназначена.

    LiveInternetLiveInternet

    Цитата сообщения Алевтина_Князева

    Истории знаменитых картин

    Произведения искусства, которые знают все, часто хранят в себе неизвестные увлекательные истории.

    Казимир Малевич был шестым художником, кто нарисовал черный квадрат, Шишкин написал свое «Утро в сосновом лесу» в соавторстве, у Дали была серьезная психосексуальная травма, а Пабло Пикассо выжил после смелого ответа гестаповцам. Мы любуемся красотой величайших полотен, но истории, которые случились до, во время или после написания шедевров, часто остаются за пределами нашего внимания. И совершенно зря. Иногда такие истории позволяют лучше понять художника или просто удивиться причудливости жизни и творчества.

    AdMe.ru собрал в этом материале самые интересные и неизвестные широкой общественности истории о великих картинах.

    «Черный Квадрат», Казимир Малевич

    «Черный квадрат» Малевича — одно из самых известных и обсуждаемых произведений искусства — не такое уж и новаторство.

    Художники экспериментировали с черным цветом «сплошь», начиная аж с XVII века. Первым наглухо черное произведение искусства под название «Великая тьма» написал Роберт Фладд в 1617 году, за ним в 1843 году последовали Берталь и его работа «Вид на La Hougue (под покровом ночи)». Спустя более чем двести лет. А дальше уже практически без перерывов — «Сумеречная история России» Гюстава Доре в 1854, «Ночная драка негров в подвале» Пола Билхолда в 1882, совсем уж плагиат «Битва негров в пещере глубокой ночью» за авторством Альфонса Алле. И только в 1915 году Казимир Малевич представил публике свой «Черный супрематический квадрат», именно так картина называется полностью. И именно его картина известна всем, тогда как прочие знакомы только историкам искусств.

    Сам Малевич нарисовал как минимум четыре версии своего «Черного супрематического квадрата», различающиеся рисунком, фактурой и цветом в надежде найти абсолютное «безвесие» и полет форм.

    «Крик», Эдвард Мунк

    Как и в случае с «Черным квадратом» в мире существует четыре версии «Крика». Два варианта написаны маслом и два — пастелью.

    Существует мнение, что Мунк, страдавший маниакально-депрессивным психозом, писал ее несколько раз в попытках выместить все те страдания, которые охватывали его душу. И не исключено, что странных орущих от невыносимых мук человечков было бы больше, если бы художник не лег в клинику. После курса лечения он больше никогда не пытался воспроизвести свой «Крик», ставший культовым.

    «Герника», Пабло Пикассо

    Огромное полотно-фреска «Герника», написанная Пикассо в 1937 году, рассказывает о налете добровольческого подразделения люфтваффе на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. Картина была написана буквально за месяц — первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10-12часов и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею.

    Это одна из лучших иллюстраций кошмара фашизма, а также человеческой жестокости и горя.
»Герника» представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин, но они очевидны. И самый интересный момент в связи с этой картиной произошел в 1940 году, когда Пикассо вызвали в гестапо в Париже. «Это сделали вы?», спросили у него фашисты. «Нет, это сделали вы».

    «Великий мастурбатор», Сальвадор Дали

    В картине со странным и наглым даже для нашего времени названием на самом деле нет никакого вызова обществу. Художник фактически изобразил свое подсознание, исповедался перед зрителем.

    На полотне изображена его супруга Гала, которую он страстно любил; саранча, которую он панически боялся; фрагмент мужчины с порезанными коленями, муравьи и прочие символы страсти, страха и отвращения.

    Истоки этой картины (но в первую очередь истоки его странного отвращения и одновременно тяги к сексу) лежат в том, что в детстве Сальвадор Дали просмотрел книгу о венерических болезнях, случайно оставленную его отцом.

    Поль Гоген «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?»

    1897-1898,холст, масло. 139,1×374,6 см

    Музей изящных искусств, Бостон

    Глубоко философская картина постимпрессиониста Поля Гогена была написана им на Таити, куда тот сбежал от Парижа. По завершении работы он хотел даже покончить жизнь самоубийством, потому что «Я верю, что это полотно не только превосходит все мои предыдущие, и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее». Он прожил еще 5 лет, так и получилось.
    По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево — три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии. Три женщины с ребёнком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у ее ног «странная белая птица… представляет бесполезность слов».

    «Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года», Илья Репин

    Историческое полотно, повествующее зрителю о драматическом моменте в истории нашей страны, в действительности было вдохновлено не столько фактом убийства сына и наследника царем Иоанном Васильевичем, сколько убийством Александра II террористами-революционерами, и — самое неожиданное — корридой в Испании. Художник писал об увиденном: «Несчастья, живая смерть, убийства и кровь составляют влекущую к себе силу… И я, заразившись, вероятно, этой кровавостью, по приезде домой, сейчас же принялся за кровавую сцену».

    «Утро в сосновом лесу», Иван Шишкин

    Шедевр, знакомый каждому советскому ребенку по умопомрачительно вкусным и дефицитным конфетам, принадлежит перу не только Шишкина. Многие художники, дружившие между собой, частенько прибегали к «помощи друга», а Иван Иванович, всю жизнь рисовавший пейзажи, опасался, что трогательные медведи не получатся у него так, как нужно. Поэтому Шишкин обратился к знакомому художнику-анималисту Константину Савицкому.

    Савицкий нарисовал едва ли не лучших мишек в истории российской живописи, а Третьяков повелел смыть его фамилию с холста, поскольку все в картине «начиная от замысла и кончая исполнением, все говорит о манере живописи, о творческом методе, свойственных именно Шишкину».

    Ян ван Эйк «Портрет четы Арнольфини»

    1434, дерево, масло. 81.8×59.7 см

    Лондонская национальная галерея, Лондон

    Портрет предположительно Джованни ди Николао Арнольфини и его жены является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи Северного Возрождения.
    Знаменитая картина целиком и полностью наполнена символами, аллегориями и разнообразными отсылками — вплоть до подписи «Ян ван Эйк был здесь», что превратило ее не просто в произведение искусства, а в исторический документ, подтверждающий реально происходившее событие, на котором присутствовал художник.
    В России последних лет картина обрела большую популярность благодаря портретному сходству Арнольфини с Владимиром Путиным.

    Михаил Врубель «Демон сидящий»

    Третьяковская галерея, Москва

    Картина Михаила Врубеля удивляет образом демона. Печальный длинноволосый парень совсем не похож на общечеловеческие представления о том, как должен выглядеть злой дух. Сам художник говорил о самой известной своей картине: «Демон — дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всем этом дух властный, величавый». Это образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений. Трагически сцепив руки, Демон сидит с печальными, направленными вдаль огромными глазами, в окружении цветов. Композиция подчёркивает стеснённость фигуры демона, будто бы зажатого между верхней и нижней перекладинами рамы.

    Василий Верещагин «Апофеоз войны»

    Государственная Третьяковская галерея, Москва

    Верещагин — один из главных российских художников-баталистов, но он рисовал войны и сражения не потому, что любил их. Наоборот, он пытался передать людям свое негативное отношение к войне. Однажды Верещагин в пылу эмоций воскликнул: «Больше батальных картин писать не буду — баста! Я слишком близко к сердцу принимаю то, что пишу, выплакиваю (буквально) горе каждого раненого и убитого». Вероятно, результатом этого возгласа стала страшная и завораживающая картина «Апофеоз войны», на которой изображено поле, вороны и гора человеческих черепов.
    Картина написана так глубоко и эмоционально, что за каждым черепом, лежащим в этой куче, начинаешь видеть людей, их судьбы и судьбы тех, кто этих людей больше не увидит. Сам же Верещагин с печальным сарказмом называл полотно «натюрмортом» — на нем изображена «мертвая природа».
    Всe детали картины, в том числе жёлтый колорит, символизируют смерть и опустошение. Ясное синее небо подчёркивает мёртвенность картины. Идею «Апофеоза войны» выражают также шрамы от сабель и дыры от пуль на черепах.

    Грант Вуд «Американская готика»

    1930, масло. 74×62 см

    Чикагский институт искусств, Чикаго

    «Американская готика»- один из самых узнаваемых образов в американском искусстве XX века, известнейший художественный мем XX и XXI столетий.
    Картина с мрачными отцом и дочерью переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей. Сердитые лица, вилы прямо по середине картины, старомодная даже по меркам 1930 года одежда, выставленный локоть, швы на одежде фермера, повторяющие форму вил, а значит и угрозу, которая адресована всем, кто посягнет. Все эти детали можно разглядывать бесконечно и ежиться от неуюта.
    Интересно, что судьи конкурса в Чикагском институте искусств восприняли «Готику» как «юмористическую валентинку», а жители штата Айова страшно обиделись на Вуда за то, что тот изобразил их в столь неприятном свете.

    Рене Магритт «Влюбленные»

    1928, холст, масло

    Картина «Влюбленные» («Любовники») существует в двух вариантах. На одном мужчина и женщина, чьи головы укутаны белой тканью, целуются, а на другом — «смотрят» на зрителя. Картина удивляет и завораживает. Двумя фигурами без лиц Магритт передал идею о слепоте любви. О слепоте во всех смыслах: влюбленные никого не видят, не видим их истинных лиц и мы, а кроме того, влюбленные — загадка даже друг для друга. Но при этой кажущейся понятности, мы все равно продолжаем смотреть на магриттовских влюбленных и думать о них.
    Едва ли не все картины Магритта — это ребусы, которые полностью разгадать невозможно, так как они ставят вопросы о самой сути бытия. Магритт всё время говорит об обманчивости видимого, о его скрытой таинственности, которую мы обычно не замечаем.

    Марк Шагал «Прогулка»

    1917, холст, масло

    Государственная Третьяковская Галерея

    Обычно до крайности серьезный в своей живописи Марк Шагал написал восхитительный манифест собственного счастья, наполненный аллегориями и любовью. «Прогулка» — это автопортрет с супругой Беллой. Его любимая парит в небе и того гляди утащит в полет и Шагала, стоящего на земле непрочно, будто касаясь ее только носками туфель. В другой руке у Шагала синица — он счастлив, у него есть и синица в руках (вероятно, его живопись), и журавль в небе.

    Иероним Босх «Сад земных наслаждений»

    Прадо, Испания

    «Сад земных наслаждений» — самый известный триптих Иеронима Босха, получивший своё название по теме центральной части, посвящён греху сладострастия. На сегодняшний день ни одно из имеющихся толкований картины не признано единственно верным.
    Непреходящее очарование и одновременно странность триптиха заключается в том, как художник выражает главную идею через множество деталей. Картина переполнена прозрачными фигурками, фантастическими сооружениями, чудовищами, обретшими плоть галлюцинациями, адскими карикатурами реальности, на которую он смотрит испытующим, чрезвычайно острым взглядом. Некоторые учёные хотели видеть в триптихе изображение жизни человека сквозь призму её тщеты и образы земной любви, другие — торжество сладострастия. Однако простодушие и некоторая отстранённость, с которыми трактованы отдельные фигурки, а также благосклонное отношение к этому произведению со стороны церковных властей заставляют сомневаться, что содержанием его могло быть прославление телесных наслаждений.

    Густав Климт «Три возраста женщины»

    Национальная галерея современного искусства, Рим

    «Три возраста женщины» одновременно и радостна, и печальна. В ней тремя фигурами написана история жизни женщины: беззаботность, умиротворение и отчаяние. Молодая женщина органично вплетена в орнамент жизни, старая — выделяется из нее. Контраст между стилизованным изображением молодой женщины и натуралистическим образом старухи приобретает символический смысл: первая фаза жизни несёт с собой бесконечные возможности и метаморфозы, последняя — неизменное постоянство и конфликт с реальностью.
    Полотно не отпускает, забирается в душу и заставляет думать о глубине послания художника, равно как и о глубине и неизбежности жизни.

    Эгон Шиле «Семья»

    Галерея «Бельведер», Вена

    Шиле был учеником Климта, но, как и всякий отличный ученик, он не копировал своего учителя, а искал новое. Шиле куда более трагичный, странный и пугающий, нежели Густав Климт. В его работах много того, что можно было бы назвать порнографией, разнообразных перверсий, натурализма и при этом щемящего отчаяния.
    «Семья» — его последняя работа, в которой отчаяние доведено до абсолюта, несмотря на то, что это — наименее странно выглядящая его картина. Он нарисовал ее перед самой смертью, после того, как от испанки умерла его беременная жена Эдит. Он умер в 28 лет спустя всего три дня после Эдит, успев нарисовать ее, себя и их так и нерожденного ребенка.

    Фрида Кало «Две Фриды»

    История трудной жизни мексиканской художницы Фриды Кало стала широко известна после выхода фильма «Фрида» с Сальмой Хайек в главной роли. Кало писала в основном автопортреты и объясняла это просто: «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего».
    Ни на одном автопортрете Фрида Кало не улыбается: серьезное, даже скорбное лицо, сросшиеся густые брови, чуть заметные усики над плотно сжатыми губами. Идеи её картин зашифрованы в деталях, фоне, фигурах, появляющихся рядом с Фридой. Символика Кало опирается на национальные традиции и тесно связана с индейской мифологией доиспанского периода.
    В одной из лучших картин — «Две Фриды» — она выразила мужское и женское начало, соединенные в ней единой кровеносной системой, демонстрирующие ее целостность.

    Клод Моне «Мост Ватерлоо. Эффект тумана»

    Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург

    При рассмотрении картины с близкого расстояния зритель не видит ничего кроме полотна, на который нанесены частые густые масляные мазки. Вся магия произведения раскрывается, когда мы постепенно начинаем отодвигаться от полотна на большее расстояние. Сначала перед нами начинают проявляться непонятные полуокружности, проходящие через середину картины, затем, мы видим явные очертания лодок и, отойдя на расстояние приблизительно двух метров, перед нами резко прорисовываются и выстраиваются в логическую цепочку все связующие произведения.

    Джексон Поллок «Номер 5, 1948»

    Странность этой картины в том, что полотно американского лидера абстрактного экспрессионизма, которое он нарисовал, разливая краску по разложенному на полу куску фибролита — самая дорогая картина в мире. В 2006 году на аукционе Сотбис за нее заплатили 140 миллионов долларов. Дэвид Гиффен, кинопродюсер и коллекционер, продал её мексиканскому финансисту Дэвиду Мартинесу.
    «Я продолжаю отходить от обычных инструментов художника, таких, как мольберт, палитра и кисти. Я предпочитаю палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом или чем-то ещё. Когда я внутри живописи, я не осознаю, что я делаю. Понимание приходит позже. У меня нет страха перед изменениями или разрушением образа, поскольку картина живёт своей собственной жизнью. Я просто помогаю ей выйти наружу. Но если я теряю контакт с картиной, получается грязь и беспорядок. Если же нет, то это чистая гармония, легкость того, как ты берешь и отдаешь».

    Жоан Миро «Мужчина и женщина перед кучей экскрементов»

    Фонд Жоана Миро, Испания

    Хорошее название. И кто бы мог подумать, что это картина говорит нам об ужасах гражданских войн.
    Картина была сделана на листе меди за неделю между 15 и 22 октября 1935 года. По словам Миро, это результат попытки изобразить трагедию Гражданской войны в Испании. Миро говорил, что это картина о периоде беспокойства. На картине изображены мужчина и женщина, тянущиеся друг к другу в объятья, но не движущиеся. Увеличенные половые органы и зловещие цвета были описаны как «полные отвращения и гадливой сексуальности».

    Яцек Йерка «Эрозия»

    Польский неосюрреалист известен по всему миру благодаря своим удивительным картинам, в которых объединяются реальности, создавая новые. Трудно рассматривать его предельно детальные и в какой-то степени умилительные работы по одной, но таков формат нашего материала, и нам пришлось выбрать одну — для иллюстрации его фантазии и мастерства. Рекомендуем ознакомиться подробней .

    Билл Стоунхэм «Руки противятся ему»

    Эту работу, конечно, нельзя причислить к шедеврам мировой живописи, но то, что она странная — это факт.
    Вокруг картины с мальчиком, куклой и ладошками, прижатыми к стеклу, ходят легенды. От «из-за этой картины умирают» до «дети на ней живые». Выглядит картина и впрямь жутковато, что порождает у людей со слабой психикой массу страхов и домыслов.
    Художник же уверял, что на картине изображен он сам в возрасте пяти лет, что дверь — представление разделительной линии между реальным миром и миром снов, а кукла — проводник, который сможет провести мальчика через этот мир. Руки представляют альтернативные жизни или возможности.
    Картина обрела известность в феврале 2000 года, когда она была выставлена на продажу на eBay с предысторией, рассказывающей, что картина — «с привидениями». «Руки противятся ему» купил за 1025 долларов Ким Смит, который затем был просто завален письмами с жуткими историями и требованиями сжечь картину.

    Сведения о художнике

    Татьяна Ниловна родилась в Смоленске в феврале 1917 года. Отец ее был художником, а также совмещал это с преподавательской деятельностью. Яблонский был талантливым человеком, который смог передать свои способности дочери. Среднюю школу Таня закончила в Луганске в 1933 году. После этого поступила в Киевский художественный техникум.

    Уже в детские годы девочка знала, что ее призвание — заниматься живописью. После техникума Яблонская поступает в институт и оканчивает его, получив специальность художник-живописец. В студенческий период Татьяна пишет довольно интересные картины, которые производят на многих сильное впечатление. К концу учебы на ее счету было около 30 выставок не только в Москве, но и в Будапеште, Лондоне, Киеве.

    Однако слава и многочисленные награды не повлияли на творчество и личность самой художницы. Ее главной целью оставалась живопись Уже после окончания института она мечтала только писать. Дважды Татьяна была замужем за художниками, имела трех дочерей. Самая старшая причастна к истории создания картины «Утро».

    На все Яблонская имела собственный взгляд и открыто протестовала против режима, если появлялась возможность. Жизнь женщины нельзя назвать простой:

    1. В 1950-х годах Татьяна Ниловна занимала руководящую должность в Верховной Раде УССР. Коллеги уважали и ценили ее не только за качественное выполнение обязанностей, но и за откровенность.
    2. В конце 1960-х годов Яблонская принимала участие в съезде художников. Перед всеми собравшимися она открыто и довольно резко высказалась о чрезмерной опеке партии над известными живописцами и их творчеством.
    3. За измену идеологии правительства все картины художницы были исключены из выставок. Это ее не разозлило, но женщина впервые осознала, что бессильна.
    4. Секретарь ЦК тогда имел с Яблонской жесткий разговор, во время которого должен был ей объяснить все нюансы, а также предупредить об опасности подобных высказываний в широких или узких кругах.

    После откровения Татьяны Ниловны ее сняли со всех руководящих должностей, но через некоторое время восстановили. Много лет Яблонская работала в Киевском государственном художественном институте, была наставницей для многих известных живописцев. В 1999 году у Татьяны случился инсульт, через 6 лет она скончалась.

    История создания

    Художественные критики и сегодня не могут точно сказать, что вдохновило автора на создание полотна. Жанр картины Яблонской «Утро» неопределенный, ведь сама художница не была довольна работой. Несмотря на это, многие специалисты пытались создать репродукцию этого полотна, чтобы наиболее точно передать настроение автора и девочки, изображенной на нем.

    Картина была написана в 1954 году. В этот период Яблонская была довольно популярна, ведь за 5 лет до этого ее полотно «Хлеб» стало основой в экспозиции Третьяковской Галереи. Художница давала название свои работам спонтанно, они в большинстве случаев передавали ее настроение и отношение к написанному. Ее пейзажи заслуживали особого внимания.

    Однако эта работа стала одной из наиболее популярных. На холсте были использованы масляные краски. В центре сюжета находится старшая дочь Яблонской — Елена. В то время семья жила небогато, поэтому убранство комнаты более чем скромное. Уже взрослая Елена вспоминает, что стеснялась приглашать подруг в свою коммунальную квартиру из двух комнат. Она говорит, что на тот момент картины матери висели на выставках рядом с шедеврами Репина и Шишкина, но никакого дохода это не приносило.

    Описание картины

    Холст имеет довольно большой размер. В высоту достигает 169 см, в ширину — 110 см. На нем изображена девочка в первые минуты после пробуждения. За окном теплое утро, солнечные лучи проникают в небольшую комнату, освещают ее, делая праздничной. Несмотря на скромное убранство, героиня не унывает. Она способна радоваться со всей своей детской непосредственностью.

    Скорее всего, девочка учится в 6−7 классе средней школы, в это утро ей необходимо идти на занятия. Можно увидеть неубранную постель, простой завтрак, который располагается на столе рядом с кроватью. Недалеко от стола стоит стул. На нем находится одежда, аккуратно сложенная.

    Если ценитель искусства обратит внимание на балконную дверь, то увидит, что она открыта. Сама же девочка одета в простую белую футболку и короткие черные шорты. Именно это наводит на мысль о теплой погоде. Скорее всего, за окном теплый май или сентябрь, когда погода радует своей мягкостью и постоянством. Возможно, именно это стало причиной радости, которую излучает героиня полотна. Помимо этого, стоит обратить внимание на некоторые нюансы:

    • школьница самостоятельно проснулась ранним утром и решила сделать зарядку;
    • ее радуют не только погода, но и красота природы за окном;
    • скорее всего, она слышит пение птиц и нежный шелест листьев за окном, что улучшает ее настроение.

    Подобную информацию нельзя узнать из описания картины Яблонской «Утро». Такое может увидеть только человек, который ценит и понимает искусство, способен смотреть сквозь полотно и видеть то, что художник имел в виду, но не написал.

    Отдельно стоит выделить искусственные ветви, прикрепленные над окном и балконной дверью. Они создают уютную атмосферу. На двери и окне нет штор или гардин, что лишний раз показывает скромную жизнь девочки и ее семьи. Пол также без коврового покрытия, но школьница стоит на нем босыми ногами и не ощущает дискомфорта.

    Об аккуратности девочки свидетельствует скатерть на столе и правильно расставленные тарелки. Фрагмент стены, расположенный между дверью и окном, привлекает внимание, поскольку на нем расположены незатейливые украшения, делающие простую комнату веселой. Деталь является очень важной для понимания всего сюжета.

    Цвета картины не отличаются яркостью, они приглушенные, но у ценителя не возникает мысли о незаконченности. Кажется, автор специально так раскрасил полотно, чтобы не затмить яркими оттенками его настроения.

    Мысли автора

    Сама Татьяна Ниловна после написания картины рассказывала, что запечатлела свою дочь во время разминки перед позицией «ласточка». Если обратить внимание на стул, можно увидеть, что на нем покоится отглаженный пионерский галстук. Елену только недавно приняли в пионеры, и она буквально парила, самостоятельно просыпалась с пением птиц, делала зарядку и завтракала, после чего убегала в школу.

    В длинноногой девочке несложно узнать гимнастку и танцовщицу. Елена на тот момент занималась танцами и гимнастикой. Ощущение радости очень хорошо передано на картине. Сама дочь Яблонской это отметила в одном из интервью. Она говорила, что в тот период была абсолютно счастлива. Первые лучи солнца нагревали пол перед кроватью, поэтому она вскакивала, чтобы ощутить тепло.

    Несмотря на успех картины, Яблонская не была ею довольна, считала, что ей не удалось запечатлеть и передать все эмоции, владеющие дочерью в то памятное утро. Однако дочь всегда утешала мать, твердила о ее исключительном таланте и способностях.

    Скрытый смысл

    Большинство школьников при написании сочинения составляют план по картине Яблонской «Утро». Обычно в него входит описание полотна, детали и собственное видение смысла, который хотела передать художница. Обычный холст превратился в произведение искусства, его своеобразие поражает поклонников живописи и сегодня.

    Красивый пейзаж на полотне отсутствует. В этом также есть скрытый смысл, как считают некоторые критики. Картина стала первой работой Яблонской после смерти Сталина и наступления «хрущевской оттепели». Заграничные специалисты утверждали, что на простом холсте увидели весь народ, осознающий важность эпохи, в которую он живет. Оттепель стала сложным периодом для многих.

    Через несколько лет после смерти вождя люди стали осознавать, насколько давил на них старый режим, как приятно вновь вернуться к свету. Балконная дверь как бы открывает народу путь к просветлению, лучшей жизни, переменам. Некоторые их опасаются, но большинство считает необходимыми. Простота интерьера — символ жизни рабочего класса в период правления Сталина, а поза девочки — знак скорых перемен к лучшему и стремление людей к этим событиям.

    Впечатления от просмотра

    Если внимательно рассмотреть красивый сюжет, изображенный на холсте, можно написать характеристику и изложение собственных мыслей, сформированных под впечатлением от просмотра. Картина несет добрый настрой, поэтому большинство учеников с удовольствием делают ее зарисовки в своих альбомах.

    Часто сочинения о работе Яблонской пишут на украинском языке, но это не изменяет их основной смысл. Не каждый поймет его с первого раза, ведь необходимо не просто посмотреть на полотно, но и изучить его историю, а также события, которые стали толчком для создания. Однако большинство учеников и преподавателей сходится во мнении, что картина несет только позитив.

    Глядя на нее, хочется открыть свое окно, увидеть лето, красоту природы, услышать пение птиц, тихое журчание ручья и шелест листьев в саду. На положительный лад настраивает каждый штрих, ведь холст пропитан не только красками, но и надеждой, гордостью автора, стремлением к осуществлению желаний главной героини. Она как будто говорит всей своей позой, что не намерена сдаваться, готова к любым препятствиям и успешно их преодолеет.

    Картину можно использовать в качестве мотивации для тех, кто потерял надежду. Она каждой линией и тенью призывает к действию, не позволяет расслабиться и опустить руки.

    Мнение критиков

    После появления картины Татьяны Ниловны в галереях и на выставках тема ее стала активно обсуждаться среди критиков. Некоторые высказывались кратко, не давая оценки творчеству художницы, другие пытались анализировать каждый мазок, обращая внимание на скрытый смысл сюжета. Мнения разделились:

    1. В 1964 году вышла книга И. Г. Абельдяевой. В ней автор указывает, что картина вызывает только положительные эмоции, заряжает энергией и обеспечивает бодрость каждому, кто на нее посмотрит в утренние часы. Однако в книге говорится не только об общих впечатлениях. Абельдяева пишет, что в девочке видит детскую непосредственность и простоту, наивность и доброту. Помимо этого, женщина уловила отношение автора картины к написанному. Она утверждает, что при длительном рассмотрении можно почувствовать доброту художницы, ее собственное восприятие внешнего мира, душевность и человечность.
    2. В 1968 году выходит книга, посвященная творчеству Яблонской. Авторам картина «Утро» понравилась, они оценили игру оттенков, вертикальные линии, который будто бы повторяют движения самой девочки. Сама картина вызывает чувство покоя, гармонии с собой и внутренним миром.
    3. Некоторые зарубежные критики считали девочку на картине символом всех молодых профессиональных спортсменов.

    О’Махоуни был одним из специалистов, которые высказывали мнение о картине, он говорил, что сюжет олицетворяет переход от старого политического строя к новому, происходящий в ранний период оттепели. Многие критики и художники согласились с мужчиной, считая мысль единственно верной.

    Картина «Утро» — одна из наиболее популярных работ Татьяны Яблонской. Художница прожила 88 лет, но так и не смогла снова передать на холст свое настроение, переживания, планы и надежды. Глядя на картину, каждый может ощутить тепло, исходящее от полотна.

    Интересные факты о шедеврах мировой живописи

    Рафаэль «Сикстинская мадонна» 1512
    Хранится в Галерее старых мастеров в Дрездене.
    У картины есть маленький секрет: задний фон, издали кажущийся облаками, при тщательном рассмотрении оказывается головами ангелов. А два ангелочка, изображенные на картине внизу, стали мотивом многочисленных открыток и плакатов.

    Рембрандт «Ночной дозор» 1642
    Хранится в Государственном музее в Амстердаме.
    Истинное название картины Рембрандта «Выступление стрелковой роты капитана Франса Баннинга Кока и лейтенанта Виллема ван Рейтенбюрга». Обнаружившим в XIX веке картину искусствоведам показалось, что фигуры выступают на темном фоне, и ее назвали «Ночной дозор». Позднее обнаружилось, что темной картину делает слой копоти, а действие на самом деле происходит днем. Однако в сокровищницу мирового искусства картина уже вошла под названием «Ночной дозор».

    Леонардо да Винчи «Тайная вечеря» 1495–1498
    Находится в монастыре Санта-Мария делле Грацие в Милане.
    За более 500-летнюю историю существования произведения фреска не раз подвергалась разрушениям: через роспись был проделан, а затем заложен дверной проем, трапезную монастыря, где находится изображение, использовали как оружейный склад, тюрьму, подвергали бомбежке. Знаменитую фреску реставрировали не менее пяти раз, причем последняя реставрация заняла 21 год. Сегодня, чтобы посмотреть произведение искусства, посетители должны заказывать билеты заранее и могут провести в трапезной только 15 минут.

    Сальвадор Дали «Постоянство памяти» 1931
    Хранится в Музее современного искусства в Нью-Йорке.
    По признанию самого автора, картина была написана в результате ассоциаций, возникших у Дали при виде плавленого сыра. Вернувшись из кино, куда она ходила в тот вечер, Гала совершенно правильно предсказала, что никто, раз увидевши «Постоянство памяти», уже его не забудет.

    Питер Брейгель Старший «Вавилонская башня» 1563
    Хранится в Музее истории искусств в Вене.
    По мнению Брейгеля в неудаче, постигшей строительство Вавилонской башни, повинны не внезапно возникшие согласно библейскому сюжету языковые барьеры, а ошибки, допущенные в процессе строительства. На первый взгляд огромное строение кажется достаточно прочным, однако при ближайшем рассмотрении видно, что все ярусы положены неровно, нижние этажи либо недостроены, либо уже рушатся, само здание кренится в сторону города, и перспективы всего проекта весьма печальны.

    Казимир Малевич «Чёрный квадрат» 1915
    Хранится в Государственной Третьяковской галерее
    По утверждению художника, он писал картину несколько месяцев. Впоследствии Малевич выполнил несколько копий «Черного квадрата» (по некоторым данным, семь). По одной из версий, художник не смог закончить работу над картиной в нужный срок, поэтому ему пришлось замазать работу черной краской. Впоследствии, после признания публики, Малевич писал новые «Черные квадраты» уже на чистых холстах. Малевичем были также написаны картины «Красный квадрат» (в двух экземплярах) и один «Белый квадрат».

    Кузьма Сергеевич Петров-Водкин «Купание красного коня» 1912
    Находится в Государственной Третьяковской галерее в Москве.
    Написанная в 1912 году, картина оказалась провидческой. Красный конь выступает в роли Судьбы России или самой России, которую не в силах удержать хрупкий и юный седок. таким образом, художник символически предсказал своей картиной «красную» судьбу России XX века.

    Питер Пауль Рубенс «Похищение дочерей Левкиппа» 1617-1618
    Хранится в Старой пинакотеке в Мюнхене.

    Поль Гоген «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идём?» 1898
    Хранится в Музее изящных искусств в Бостоне.
    По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево — три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии. Три женщины с ребёнком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у ее ног «странная белая птица… представляет бесполезность слов».

    Эжен Делакруа «Свобода, ведущая народ» 1830
    Хранится в Лувре в Париже
    Делакруа создал картину по мотивам июльской революции 1830 года во Франции. В письме брату 12 октября 1830 года Делакруа пишет: «Если я не сражался за Родину, то я хотя бы буду для нее писать». Обнаженная грудь женщины, ведущей народ, символизирует самоотверженность французских людей того времени, которые с «голой грудью» шли на врага.

    Клод Моне «Впечатление. Восходящее солнце» 1872
    Хранится в Музее Мармоттан в Париже.
    Название произведения «Impression, soleil levant» с легкой руки журналиста Л. Леруа стало именем художественного направления «импрессионизм». Картина написана с натуры в старом аванпорте Гавра во Франции.

    Ян Вермеер «Девушка с жемчужной серёжкой» 1665
    Хранится в галерее Маурицхейс в Гааге.
    Одну из наиболее известных картин нидерландского художника Яна Вермеера часто называют северной или голландской Моной Лизой. О картине очень мало известно: она не датирована, имя изображенной девушки не известно. В 2003 году по одноимённому роману Трейси Шевалье был снят художественный фильм «Девушка с жемчужной серёжкой», в котором гипотетически восстановлена история создания полотна в контексте биографии и семейной жизни Вермеера.

    Иван Айвазовский «Девятый вал» 1850
    Хранится в Санкт-Петербурге в Государственном Русском музее.
    Иван Айвазовский — всемирно известный российский художник-маринист, посвятивший свою жизнь изображению моря. Им создано около шести тысяч произведений, каждое из которых получило признание при жизни художника. Картина «Девятый вал» включена в книгу «100 великих картин».

    Андрей Рублев «Троица» 1425-1427
    Хранится в Государственной Третьяковской галерее в Москве.
    Икона Святой Троицы, написанная Андреем Рублевым в XV веке, является одной из самых прославленных русских икон. Икона представляет собой доску вертикального формата. Цари (Иван Грозный, Борис Годунов, Михаил Федорович) «обкладывали» икону золотом, серебром и драгоценными камнями. Сегодня оклад хранится в Сергиево-Посадском государственном музее-заповеднике.

    Михаил Врубель «Демон сидящий» 1890
    Хранится в Третьяковской галерее в Москве.
    Сюжет картины навеян поэмой Лермонтова «Демон». Демон — образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений. Трагически сцепив руки, Демон сидит с печальными, направленными вдаль огромными глазами, в окружении невиданных цветов.

    Уильям Блейк «Великий архитектор» 1794
    Хранится в Британском музее в Лондоне.
    Название картины «The Ancient of Days» буквально переводится с английского как «Ветхий днями». Это словосочетание использовалось в качестве имени Бога. Главный персонаж картины — Бог в момент творения, который не устанавливает порядок, а ограничивает свободы и обозначает пределы воображения.

    Эдуар Мане «Бар в „Фоли-Бержер“» 1882
    Хранится в Институте искусства Курто в Лондоне.
    «Фоли-Бержер» — это варьете и кабаре в Париже. Мане часто посещал «Фоли-Бержер» и в итоге написал эту картину — последнюю перед своей смертью в 1883 году. За стойкой бара, посреди пьющей, едящей, разговаривающей и курящей толпы, стоит поглощенная собственными мыслями барменша, наблюдающая за акробатом на трапеции, которого можно заметить в верхнем левом углу картины.

    Тициан «Любовь земная и Любовь небесная» 1515–1516
    Хранится в Галерея Боргезе в Риме.
    Примечательно, что современное название картины не было дано самим художником, а начало употребляться лишь два века спустя. До этого времени у картины были различные названия: «Красота приукрашенная и неприукрашенная» (1613), «Три типа любви» (1650), «Божественная и светская женщины» (1700), и, в конце концов, «Любовь земная и Любовь небесная» (1792 и 1833).

    Михаил Нестеров «Видение отроку Варфоломею» 1889–1890
    Хранится в Государственной Третьяковской галерее в Москве.
    Первая и самая значительная работа из цикла, посвящённого Сергию Радонежскому. До конца своих дней художник был убеждён в том, что «Видение отроку Варфоломею» — самое лучшее его произведение. На старости лет художник любил повторять: «Жить буду не я. Жить будет „Отрок Варфоломей“. Вот если через тридцать, через пятьдесят лет после моей смерти он ещё будет что-то говорить людям — значит, он живой, значит, жив и я.»

    Питер Брейгель Старший «Притча о слепых» 1568
    Хранится в Музее Каподимонте в Неаполе.
    Другие названия картины — «Слепые», «Парабола слепых», «Слепой ведет незрячего». Считается, что сюжет картины основан на библейской притче о слепых: «Если слепой ведет слепого, то оба они упадут в яму».

    Виктор Васнецов «Аленушка» 1881
    Хранится в Государственной Третьяковской галерее.
    За основу взята сказка «О сестрице Алёнушке и братце Иванушке». Изначально картина Васнецова называлась «Дурочка Алёнушка». «Дурочками» в то время называли сирот. «Аленушка», — рассказывал впоследствии сам художник, — «как будто давно жила в моей голове, но реально я увидел ее в Ахтырке, когда встретил одну простоволосую девушку, поразившую мое воображение. Столько тоски, одиночества и чисто русской печали было в ее глазах… Каким-то особым русским духом веяло от нее».

    Винсент ван Гог «Звёздная ночь» 1889
    Хранится в Музее современного искусства в Нью-Йорке.
    В отличие от большинства картин художника, «Звездная ночь» была написана по памяти. Ван Гог находился в то время в лечебнице Сен-Реми, терзаемый приступами безумия.

    Карл Брюллов «Последний день Помпеи» 1830-1833
    Хранится в Государственном Русском музее в Санкт-Петербурге.
    На картине изображено известное извержение вулкана Везувий в 79 году н. э. и разрушения города Помпеи близ Неаполя. Изображение художника в левом углу картины является автопортретом автора.

    Пабло Пикассо «Девочка на шаре» 1905
    Хранится в Пушкинском музее, Москва
    Картина оказалась в России благодаря промышленнику Ивану Абрамовичу Морозову, который в 1913 г. приобрел ее за 16 000 франков. В 1918 г. личная коллекция И. А. Морозова была национализирована. В настоящий момент картина находится в собрании Государственного музея изобразительных искусств имени А.С. Пушкина.

    Леонардо да Винчи «Мадонна Литта» 1491
    Хранится в Эрмитаже в Санкт-Петербурге.
    Первоначальное название картины — «Мадонна с младенцем». Современное название картины происходит от имени её владельца — графа Литта, владельца фамильной картинной галереи в Милане. Существует предположение, что фигура младенца была написана не Леонардо да Винчи, а принадлежит кисти одного из его учеников. Об этом свидетельствует необычная для авторской манеры поза младенца

    Жан Энгр «Турецкие бани» 1862
    Хранится в Лувре в Париже.
    Энгр закончил писать эту картину, когда ему было уже за 80 лет. Этой картиной художник подводит своеобразный итог изображения купальщиц, тематика которых давно присутствовала в его творчестве. Изначально полотно было в форме квадрата, однако через год после его завершения художник превратил его в круглую картину — тондо.

    Иван Шишкин, Константин Савицкий «Утро в сосновом лесу» 1889
    Хранится в Третьяковской галерее в Москве

    Михаил Врубель «Царевна-Лебедь» 1900
    Хранится в Государственной Третьяковской галерее
    Картина написана на основе сценического образа героини оперы Н. А. Римского-Корсакова «Сказка о царе Салтане» по сюжету одноименной сказки А. С. Пушкина. Врубель создал премьеры оперы 1900 года эскизы для декораций и костюмов, а партию Царевны-Лебеди пела его жена.

    Джузеппе Арчимбольдо «Портрет императора Рудольфа II в образе Вертумна» 1590
    Находится в Замке Скоклостер в Стокгольме.
    Одна из немногочисленных сохранившихся работ художника, который составлял портреты из фруктов, овощей, цветов, ракообразных, рыб, жемчужин, музыкальных и иных инструментов, книг и так далее. «Вертумн» — это портрет императора, представленного в виде древнеримского бога времен года, растительности и преобразования. На картине Рудольф полностью состоит из плодов, цветов и овощей.

    Эдгар Дега «Голубые танцовщицы» 1897
    Находится в Музее искусств им. А. С. Пушкина в Москве.
    Дега был большим поклонником балета. Его называют художником балерин. Произведение «Голубые танцовщицы» относится к позднему периоду творчества Дега, когда его зрение ослабело, и он стал работать большими цветовыми пятнами, придавая первостепенное значение декоративной организации поверхности картины.

    Леонардо да Винчи «Мона Лиза» 1503–1505
    Хранится в Лувре, Париж.
    «Мона Лиза» возможно не получила бы всемирную известность, если бы ее не похитил в 1911 году работник Лувра. Картину нашли спустя два года в Италии: вор отозвался на объявление в газете и предложил продать «Джоконду» директору галереи Уффици. Все это время, пока шло следствие, «Мона Лиза» не сходила с обложек газет и журналов всего мира, став объектом копирования и поклонения.

    Сандро Боттичелли «Рождение Венеры» 1486
    Хранится во Флоренции в галерее Уффици
    Картина иллюстрирует миф рождения Афродиты. Обнаженная богиня плывет к берегу в раскрытой раковине, подгоняемая ветром. В левой части картины Зефир (западный ветер) в объятиях своей супруги Хлориды дует на раковину, создавая ветер, наполненный цветами. На берегу богиню встречает одна из граций. «Рождение Венеры» хорошо сохранилось благодаря тому, что Боттичелли нанес на картину защитный слой из яичного желтка.

    Микеланджело «Сотворение Адама» 1511
    Находится в Сикстинской капелле в Ватикане.
    Фреска «Сотворение Адама» является четвертой из девяти центральных композиций потолка Сикстинской капеллы, посвященных девяти сюжетам книги Бытия. Фреска иллюстрирует эпизод: «И сотворил Бог человека по образу Своему» (Быт.1:27).

    Эти полотна известны даже тем, кто далек от мира искусства, ведь они являются настоящими шедеврами. И каждая из них таит какую-то тайну, которую нельзя увидеть невооруженным взглядом.

    И вроде бы каждый мазок уже изучен вдоль и поперек, тем не менее, ученые постоянно открывают что-то новое в этих старинных картинах. Их авторы оставили потомкам необычные загадки, которые получилось разгадать!

    Редакция InPlanet приготовила список из 12 легендарных полотен, которые хранят тайны уже много лет и даже веков!

    Портрет четы Арнольфини / Ян ван Эйк (1434)

    Этот портрет стал первым в истории Европы, на котором изображена пара. Он является прекрасным образчиком эпохи раннего Возрождения. Историки до сих пор спорят, кто изображен на полотне, и что там происходит. Многие уверены, что это свадьба, на что указывают некоторые знаки на картине.

    Но самый любопытный фрагмент практически скрыт от глаз — в отражении зеркала на стене можно увидеть очертания четырех людей. Смутно понятно, что там мужчина и женщина, и подпись — «здесь был Ян ван Эйк». Искусствоведы считают, что художник изобразил себя и свою супругу.

    Тайная вечеря / Леонардо да Винчи (1495-1498)

    Эта фреска является одной из самых знаменитых работ Леонардо да Винчи и тоже таит в себе много тайн. Самая интересная загадка скрыта на поверхности — в изображениях Иисуса и Иуды.

    Художник с легкостью написал остальные образы, но эти два лица давались ему сложнее всего. Для лика Иисуса он искал воплощение добра, и ему повезло — в церковном хоре он встретил юного певчего. А вот последним ненаписанным пятном оставался Иуда, и да Винчи часами просиживал в забегаловках, чтобы подобрать идеальное воплощение зла. И, наконец, ему повезло — в канаве он обнаружил пьяницу, который едва стоял на ногах. С него он и написал образ Иуды, но в конце был удивлен.

    Этот мужчина подошел к нему и сказал, что они уже встречались. Несколько лет назад он был певчем в хоре и уже позировал Леонардо для этой картины. Так, один мужчина стал олицетворять добро и зло.

    Портрет госпожи Лизы дель Джокондо / Леонардо да Винчи (1503-1505)

    Пожалуй, самой таинственной картиной из всех написанных когда-либо является Мона Лиза. Вот уже несколько столетий она не дает покоя искусствоведам и историкам, порождая все более дикие и интригующие идеи ее создания.

    Кто же эта женщина с загадочной улыбкой и без бровей? Традиционно принято считать, что это супруга торговца Франческо Джокондо. Но есть еще несколько теорий, которые имеют право на существование. Например, что Мона Лиза — автопортрет самого Леонардо. Также есть вероятность, что эта картина написана да Винчи для себя, а настоящее полотно было обнаружено в Айзерлуте 100 лет назад. Эта Джоконда более подходит под описание картины современниками Леонардо.

    А совсем недавно ученые предположили, что загадочная улыбка девушки на полотне связана с тем, что у нее не было зубов. Кстати, рентген показал, что брови у нее были, просто реставрации их значительно повредили.

    Сотворение Адама / Микеланджело (1511)

    Еще один гений эпохи Возрождения, Микеланджело, создал свою фреску для Сикстинской капеллы, где она и находится по сей день. Сюжетом для этой части росписи стала сцена из Бытия под названием сотворение Адама. И на фреске есть множество зашифрованных символов.

    Например, стоит приглядеться к Творцу, который создает Адама, и можно увидеть…мозг человека. Эксперты считают, что таким образом художник провел аналогию Творца с источником разума, а попросту мозгом. Такая теория подтверждается тем, что Микеланджело увлекался анатомией и постоянно проводил опыты на трупах.

    Сикстинская Мадонна / Рафаэль (1513-1514)

    Это огромное полотно, принадлежащее кисти Рафаэля, является образцом высшего искусства эпохи Возрождения. Картина была написана по заказу папы римского Юлия II и находилась в монастыре Пьяченцы. Некоторые искусствоведы считают, что этот шедевр был написан для похорон папы.

    Рафаэль зашифровал на холсте множество знаков, которые удалось раскрыть историкам. Один из явных секретов Сикстинской Мадонны — на заднем плане художник изобразил лица облака в виде лиц ангелов. Некоторые историки считают, что это еще не рожденные души.

    Сцена на берегу / Хендрик ван Антониссен (1641)

    Полотно известного нидерландского мариниста Хендрика ван Антониссена давно привлекало внимание искусствоведов. На этой картине 17 века изображен, казалось бы, обычный морской пейзаж. Но специалистов смущало большое количество народа, собравшееся на берегу без видимой причины.

    Истину удалось установить с помощью рентгеновского исследования, которое установило, что в действительности на картине был изображен кит. Но художник решил, что лицезреть мертвую тушу кита людям будет скучно, поэтому переделал картину. А с китом полотно смотрится намного эффектнее!

    Последний день Помпеи / Карл Брюллов (1830-1833)

    Русский художник Карл Брюллов был впечатлен историей Помпеи во время посещения Везувия в 1828 году. Он по характеру был очень сдержанный человек, но тут Карла просто захлестывали эмоции, он пробыл в разрушенном городе четыре дня и через пару лет начал писать свою знаменитую картину.

    На полотне есть особый секрет — если присмотреться, в левом углу можно увидеть автопортрет самого художника. Также он запечатлел свою возлюбленную, графиню Юлию Самойлову, с которой его связывали долгие отношения, как минимум, три раза, возможно и больше. Ее можно увидеть в виде матери, прижимающей к груди дочерей, в виде девушки с кувшином на голове и в образе лежащей на земле.

    Автопортрет с трубкой / Винсент ван Гог (1889)

    Историю с отрезанным ухом экстравагантного художника Винсента ван Гога знают все. Он даже написал свой автопортрет с перевязанным ухом, чем вызвал горячие споры у искусствоведов. До сих пор доподлинно неизвестно, отрезал ли он ухо полностью, или поранил.

    Долгое время специалистов смущало то, что на картине Ван Гог изображен с повязкой на правом ухе, а поранил он левое. Но секрет был раскрыт — нидерландский художник писал автопортреты, смотрясь в зеркало, поэтому на картине возникла путаница из-за зеркального отображения.

    Синяя комната / Пабло Пикассо (1901)

    Сейчас имена этих художников известны всем, а в начале своей карьеры им приходилось писать несколько картин на одном холсте — они не могли себе позволить купить ткань. Именно поэтому многие шедевры имеют так называемое двойное дно, например, картина Пабло Пикассо «Синяя комната».

    С помощью рентгеновских лучей удалось выяснить, что под изображением нарисован портрет мужчины. Искусствоведы определяют, кем был этот человек. По одной из версий, Пикассо написал автопортрет.

    Старый рыбак / Тивадар Костка Чонтвари (1902)

    Венгерский художник Тивадар Костка Чонтвари создал за свою жизнь множество картин, но был мало известен. Он страдал от приступов шизофрении, но все равно мечтал о славе Рафаэля. Тивадар прославился после смерти, когда была расшифрована картина «Старый рыбак», которая сейчас стала очень популярна. Она была создана в 1902 году и считается одной из самых таинственных работ художника.

    С первого взгляда на полотне изображен старик, как много лет и считалось. Пока однажды кому-то не пришло в голову посмотреть на зеркальное изображение двух половинок лица старика. Тогда был раскрыт главный секрет этого полотна — на нем мастер изобразил Бога и Дьявола, которые есть в каждом человеке.

    Портрет Адели Блох-Гауэр / Густав Климт (1907)

    Это полотно является одним из самых известных произведений Густава Климта. В 2006 году Золотую Адель купили за баснословную сумму — 135 млн долларов. Красивая женщина, изображенная на ней, на самом деле была написана ради… мести.

    В 1904 году о романе Адели Блох-Гауэр и Густава Климта говорила вся Вена, в том числе и ее муж Фердинанд. Он придумал необычную месть и заказал художнику портрет любимой жены. Фердинанд был очень придирчив, и Климт сделал более 100 эскизов. За это время любовница, изображение которой давалось так сложно, наскучила художнику, и их роман прекратился.

    Черный квадрат / Казимир Малевич (1915)

    Одна из самых известных и спорных русских картин — «Черный квадрат» кисти Каземира Малевича. Немногие понимают скрытый смысл этого провокационного полотна. Но начать стоит, пожалуй, с того, что квадрат вовсе не квадратной формы и даже не черный!

    Рентген помог определить, что под «Черным квадратом» есть еще одна работа Малевича, поверх которой он и написал свой шедевр. Для него он приготовил специальный состав матовых и глянцевых красок, среди которых, кстати, не было черного оттенка. И, несмотря на то, что стороны так называемого квадрата имеют длину 79,5 см, у фигуры нет ни одного прямого угла.

    Так или иначе, Мона Лиза остается одной из самых загадочных картин современности. Возможно, мы никогда не узнаем, что хотел нам сказать тот или иной художник, а может и вовсе, все знаки — лишь случайное совпадение…