Известные граффити художники

Слышал ли ты о Бэнкси? Задавать этот вопрос, пожалуй, бессмысленно. Во-первых, наверняка ты даже знаешь несколько его работ и, может, имеешь свое мнение на тему его истинной личности. Во-вторых, он сам о себе напомнит, если ты вдруг забудешь его имя.

На днях Бэнкси опубликовал новую работу (в День России — конспирологи, задумайтесь). На этот раз уличный художник выразил своё отношение к грядущему Брекситу в Великобритании. В России британский художник ещё не успел наследить — видимо, сомневается, что может победить в битве с российскими работниками коммунальных служб, которые не первый день закрашивают любые произведения стрит-арта. Для них что работы Бэнкси, что граффити с изображением Цоя, что мужской половой орган, нарисованный на двери подъезда, — всё вандализм: закрасить и домой.

Но всё же у нас есть и своя культура стрит-арта, как и свои герои. Они тоже талантливы, знамениты и признаны в мировом сообществе уличных художников. Один Покрас Лампас чего стоит! Но художник успел получить долю хайпа, а кто-то уже считает его вторичным и однообразным. О некоторых не столь известных мастерах уличного искусства и, естественно, об их работах я расскажу далее.

Слава ПТРК

Екатеринбургский художник, который стал обладателем многих наград, достаточно широко известен не только в своих кругах. Работы уличного художника часто появляются на российских и европейских выставках. Да, уличное искусство не всегда остаётся на улице — многие любят наслаждаться стрит-артом на выставках и фестивалях. Да и такие произведения не часто остаются надолго на стенах и фасадах домов.

Определённую долю известности Слава получил благодаря некоторым резонансным работам. Например, портретами Патриарха Кирилла и Владимира Путина с весьма острым подтекстом. Но один из последних проектов художника, который называется «Детство перед телевизором», может свести с ума любого, кто ещё помнит, что когда-то по Первому каналу показывали не только «Давай поженимся!» и политические программы. Он для тех, у кого ещё есть силы вспомнить главные опенинги из диснеевских мультсериалов детства. Слава соединил героев мультфильмов прошлого с персонажами фильмов российского кино. В стрит-арте художника Чип и Дейл становятся героями «Жмурок», а Чёрный Плащ позирует с дробовиком в теле Данилы Багрова.

Паша 183

Павел Пухов, он же Паша 183, он же P183. Его можно назвать символом российского стрит-арта. Британское издание The Guardian в своей статье назвало его «русским Бэнкси», а это значит очень много — уж им-то есть с чем сравнивать. Такое прозвище уличный художник получил и потому, что также сохранял анонимность (до определённого времени).

Произведения Паши были острыми, неудобными, но неизменно застревающими в памяти и серости городского пространства. Одним из главных образов художника стало изображение девочки с обёртки шоколада «Алёнка». Этот светлый образ из детства в уличных работах Паши меняется под давлением общества потребления: она уже не просто голубоглазая девочка в платке — теперь она переходит в категорию товаров. «Каждый из нас, как «Алёнка», продается вопреки своей воле», — считал Паша.

К сожалению, Павел Пухов скончался в 2013 году. Смерть художника тоже полна тёмных пятен: официально её причины не были обнародованы, но некоторые источники сообщают, что он умер от остановки сердца. После этого события Бэнкси посвятил своему российскому «брату» одну из работ, которую назвал «P183. R.I.P.»

Кирилл Кто

Кто-то для донесения своих мыслей через стрит-арт использует скрытые смыслы в работах, кто-то эти смыслы и не скрывает, а человек, называющий себя Кириллом Кто, просто записывает мысли на стенах.

Кому-то может показаться, что такой стрит-арт может сделать каждый. Да и многие произведения художника похожи на детские записи мелом на асфальте. Но в этом и вся их прелесть!

Проснулся ты рано утром, втискиваешься в забитую маршрутку, весь помятый, новые белые кеды тебе оттоптали, везде разбитые пивные бутылки, ближайшую остановку можно найти по запаху мочи, в кино новые «Ёлки», везде афиши с концертами Дениса Майданова — и тут ты видишь яркую надпись среди ободранных фасадов: «Будет всегда лучше, чем было». А может, и правда будет?

Не все работы уличного художника в таком позитивном ключе, но это лишь значит, что остальные найдут своё место в другой жизненной ситуации. Ведь иногда так хочется выгнать эмоции! И тут его строки могут совпасть с твоими мыслями.

«Большинство лучших своих работ я не подписываю и не фотографирую, и я удовольствие получаю от того, что люди на них реагируют, даже где-то обсуждают», — говорит автор. Что ж, где-то сейчас Кирилл должен немножко порадоваться.

Алексей Luka

Московский художник Алексей Luka прославился благодаря своему абстрактному стрит-арту. И художник весьма успешен не только в России: его уличные работы уже были представлены на выставках в Риме, Амстердаме, Париже, Сан-Франциско.

Как можно описать произведения его стрит-арта? Представь, что у тебя в руках множество различных линеек и карандаш. И ты крутишь их, обводишь, рисуешь круги, прямоугольники, овалы. Скорее всего, у тебя получится что-то, за что твоя школьная учительница геометрии хлопнет тебя по уху указкой. А у Алексея это получается гармонично и талантливо, у него есть свой стиль.

Если рассмотреть несколько работ, то потом ты точно отличишь его произведение от произведений других мастеров абстрактного уличного искусства.

Никита Nomerz

Пока геймеры всего мира ждут, что геймдизайн дойдёт до того момента, когда можно будет на героя игры «натянуть» своё лицо, уличный художник из Нижнего Новгорода Никита Nomerz шагнул вперёд — он просто берёт и натягивает лица на здания!

Серия его работ «Живые стены» реанимирует старые постройки, в буквальном смысле даруя им новые лица. Они кричат, улыбаются, корчатся, живут и шокируют. Если в древности люди (а в некоторых произведениях и хоббиты) верили, что существуют деревья, которые перешёптываются между собой и могут вырвать корни из земли, и пойти по своим делам, размахивая могучими ветвями, — то сейчас, глядя на эти нарисованные лица, можно легко представить, как богатырь с водонапорной башни выдернет себя вместе с фундаментом и отправится вершить правосудие во имя стрит-арта.

Уличный художник Слава Ptrk — о том, как устроен российский стрит-арт

Слава PTRK — стрит-арт художник из Екатеринбурга, чьи работы появляются не только на улицах разных российских городов, но и выставляются в галереях — а иногда выигрывают зарубежные премии. Многие из них имеют ярко выраженный социальный и политический посыл: первой резонансной работой Славы в родном городе стало изображение патриарха в виде копилки, куда рука опускала монету. Мы задали художнику несколько вопросов о состоянии стрит-арта в России — получился достаточно жесткий рассказ про то, чего в нем не хватает.
Как становятся уличными художниками
Большинство людей приходят все-таки через рэп-культуру, через граффити. У меня все друзья начали в 2000-х слушать Децла, Эминема, плакаты у всех дома висели. А я по молодости старался быть в тусовке: сам это не слышал, но тоже писал “Рэп йоу!”.
Очень хорошо помню, было мне лет 13, когда ко мне пришли друзья, все в краске. Говорят: “Вот, мы купили баллончик, пошли рисовать!”. Рисование баллоном очень физиологично: ты чувствуешь контроль над ситуацией, над стеной, над миром. Кисточка — это не круто: кисточкой бабушки заборы в огороде красят. Валиком красят стены маляры. А баллончик — это то, что взорвало умы молодежи. Есть самый простейший пример этой разницы: ты стоишь на каком-нибудь фестивале легальном, рисуешь что-нибудь. Подходят люди, смотрят, как ты рисуешь, пшикаешь — и такие: “О, классно! А дай нам тоже попробовать!”.
Мне в какой-то момент рисования граффити стало просто скучно. Ты можешь калякать свои буквочки, но у граффити есть свои законы: ты должен писать определенные слова, должен писать свое имя. Или название своей команды. И в какой-то момент тебе становится тошно от этих четырех или пяти букв. И ты начинаешь рисовать. И думаешь: “А нарисую-ка я человека, который бежит от милиционера”. А потом задумываешься — а почему он бежит от милиционера? Может, нарисовать мента в мусорном баке — типа “мусор в мусорке”? Вот так начинает фантазия работать. А там уж как повезет. У многих на этом и заканчивается полет мысли.
Когда я рисовал граффити, то пробовал еще с трафаретами работать, писать свое имя не просто баллоном, а с помощью трафарета. Так быстрее и результат аккуратнее. А потом решил делать стеб какой-то. Иронию. Первая серьезная трафаретная работа, я считаю, не удалась — на ней была изображена огромная свалка, к ней подъезжали КАМАЗы с мусором, и вороны вокруг летали. Но было холодно, краска была плохая — и все потекло.
Потом я нарисовал патриарха Кирилла в виде копилки, куда опускают монетку. И пошло-поехало. Мне нравятся работы, которые несут либо социальный смысл, либо визуально цепляют.

Насколько это рискованно
В 2015 году заниматься стрит-артом становится страшно. В 2010-м такого не было. “Патриарха” заметили-то только через год, после того, как он появился. До этого его закрасили. Я снова нарисовал, снова закрасили. СМИ подняли шумиху, начались разговоры про “антихриста, который портит стену между двумя храмами”, все такое. Я думаю, если бы они захотели, то нашли бы меня. Я же никогда особо не скрывался.
У меня была работа с разборным портретом Путина в мае 2011 года — портрет рисовался на куске фанеры, а в фанеру были вбиты гвозди рядами. На них надевались кусочки пенопласта, на которых рисовался еще один портрет, и еще один, в итоге там получилось три слоя. И на каждом слое было три разных портрета Путина. Его можно было разобрать по кусочкам: ты снимаешь один — у него обнажается кость. К последнему слою там оставался просто череп. Я хотел сделать что-то такое, чтобы человек мог взять себе кусочек уличного искусства. Ты подходишь, снимаешь кусок — а там какая-то цитата президента, “Мочить в сортире” или что-то еще. Этот портрет провисел полтора дня: СМИ сняли о нем репортаж, приехали милиционеры и забрали все. Типа “незаконно смонтированный уличный объект”.

А потом пришли в офис, где я работал, и взяли у меня объяснительную записку. Я написал, что просто “изобразил человека, похожего на Путина”. И ко мне больше не было претензий. А сейчас у многих включается самоцензура — все сами начинают что-то нагнетать.
Сейчас если ты, допустим, граффитчик и просто рисуешь везде свои буквы — особых проблем у тебя не будет. Могут пришить “вандализм”, но это штраф в 1000 рублей. За рисование на электричке — ну, допустим, побольше. А вот если ты политический активист и начинаешь поднимать острые вопросы, то не знаю даже. Сейчас таких людей в нашем стрит-арте — два-три от силы. Просто время наступает более жесткое, что ли. В воздухе висит какая-то ненависть: к другим, к себе, к стране, к соседним странам. Ко всем. И мне кажется, в этой атмосфере художник должен иметь позицию. И, что важнее, смелость ее высказать.
Есть ли цензура в уличном искусстве
Легальные фестивали проводятся уже лет 15. Но последние несколько лет это прямо повальная тенденция. У нас же как: если что-то становится популярным в Москве, регионы начинают на это ориентироваться, подтягиваться, повторять. А сейчас Москва взяла тренд на уличное искусство: если в других городах это была инициатива снизу, то тут пошла инициатива сверху. Начиналось все неплохо, “Лучший город Земли”, “Most”, зарубежные художники, авторские рисунки, а потом начался треш. Спустя два года мы видим, к чему всё пришло — граффити от “Единой России” и ситуацию, когда крупные бренды заказывают себе фасады под роспись. СТС, Nike, adidas — сейчас все вообще такое делают. А в последнее время началась совсем какая-то дичь — ура-патриотические фасады отвратительного качества, которые делаются поверх авторских работ прошлых лет. “ГТО”, “Честные тендеры”, “Крым наш”. Больно на это смотреть, если честно. Москве очень сильно не хватает человека с огнетушителем, заправленным краской, и со стальными яйцами в штанах.
На любом фестивале есть понятие “цензура”. В России не принято делать что-то жесткое на фестивалях. Я был куратором фестиваля “Стенограффия” в Екатеринбурге, и мы там старались ничего жесткого не делать. Потому что, так или иначе, деньги на это дает администрация города. И сложно одной рукой брать деньги, а второй писать “Мэр говнюк”. Этот номер может прокатить только один раз.
Опытные художники уже понимают, что глупо приехать на фестиваль и надеяться на то, что “я вам сейчас тут жару задам”. Ты если и делаешь, то что-то беззубое. Причем в Москве все строже, а в регионах все работает наоборот: в Красноярске каком-нибудь ты можешь за государственные деньги делать вообще все. Я ездил на фестиваль Книжной культуры, рисовал там спасательные круги, которые падают с лестницы и превращаются в покрышки. Достаточно четко было обозначено, что это такая отсылка к Майдану — там же покрышки поджигали. И ничего, прокатило. Опять же, когда я предложил им другой проект — нарисовать гигантскую руку, которая складывает пальцы “пистолетиком”, на лестнице рядом с администрацией, они сказали: “Нет, лучше не надо”. Теперь эта работа красуется во Владивостоке рядом с местной тюрьмой.

В принципе, у нас сейчас невероятная свобода, благодаря некоторой слабости, пассивности и туповатости власти. Есть возможность делать что угодно где угодно. Тебя даже в Москве могут не сразу за жопу взять! Но начинаются и обратные процессы, когда тебе говорят: “Мы даем тебе все условия, но ты рисуешь то, что мы хотим”. На местах же исполнители сидят, они не боятся перестараться в своем рвении! Не дай бог у тебя в работе радуга проскользнет — придется сразу все закрашивать!
Лезет ли стрит-арт в политику
Мне, если честно, всего однажды предлагала “Единая Россия” нарисовать свой логотип на стене. Это было года четыре назад, я отказался, хотя соблазн был, думалось — сейчас нарисую, деньги возьму, а потом ночью приду и испорчу им всё. Но нашли кого-то другого, слава богу. А сейчас они сделали проект “Сеть” — и у них уже своя команда художников, они клепают, что захотят. Не они захотят, а их начальство. Я по всей стране видел их работы, от Москвы до Владивостока.
Фишка в том, что большинство граффити-художников достаточно беспринципны. Они создают себе образ крутых чуваков в масках, которые с болторезами вламываются в метро ночью и все бомбят там. А на деле у большинства нет четких политических взглядов, идейности и принципов не хватает. Есть, конечно, тусовка околофутбольная, но у них тоже очень размытые понятия об этом. “Я нарисую, но я же свое имя под этим не поставлю”, — вот так люди рассуждают. Я знаю буквально пару художников, которые говорят принципиально: “Нет, я не работаю на власть. Я не езжу на фестивали”.
Граффити-тусовка и стрит-арт-тусовка сейчас разъединились. Те, кто занимался когда-то граффити, отмежевались и говорят: “Не, ребята, мы уже не с вами: мы уже художники, делаем холсты, по биеннале ездим, мы стрит-арт делаем, всё серьезно”. Остальные продолжают вариться в своем соку и делать шрифты. Развитие если и есть, то заметное исключительно специалистам. Но в обеих тусовках есть лицемерие: мы, с одной стороны, уличные такие, трахаем систему. А с другой — готовы продать свое творчество, разрисовать клуб. Или есть еще такая история: “Я рисую только нелегально, ничего не делаю за деньги, а зарабатываю тем, что сижу в офисе с 9 до 6 и ничего не делаю”. И вот вопрос — что из этого честнее? Делать то, что не нравится, превращая граффити в хобби, или зарабатывать своим искусством? И как это правильно делать? Распространено очень двоякое отношение к коммерциализации: все хотят бабла, но осуждают тех, кто его зарабатывает.

У меня недавно случился показательный случай. Мы с несколькими художниками сделали фасады для Теле2 в Москве. Идея была в том, чтобы высказаться на тему денег, Москва же это такой кэш-сити, сюда едут зарабатывать, тут всё вокруг денег крутится. И мы сделали каждый свой рисунок, сами придумали, никто нам не давал никаких брифов и указаний, просто “выскажитесь на тему денег”. Самое жесткое не пропустили, но всё равно — мы сделали четыре фасада в Москве по полностью авторским эскизам, в своем уникальном стиле. Тусовка этого не поняла. Потому что мы осуждали тягу людей к деньгам, их погоню за деньгами, а сами работали за деньги на огромную корпорацию.
Как рисуют на улице
Создание рисунка происходит несколькими способами. Если говорить о фасадах — тебе пригоняют автовышку с люлькой, ты загружаешь туда свою краску, поднимаешься, рисуешь. Есть вариант, когда строят леса — но это долго и муторно.
Большинство работ сейчас делается с нанесением эскиза по проектору. На земле ставится проектор с ноутбуком, с него накидывается общий контур, ты его обводишь ночью — и делаешь все как надо. Знаю художников, которые рисуют сетку “по квадратам”, есть даже те, кто рисуют просто от руки. Но таких меньшинство. Сразу оговорюсь, что делать такие гигантские работы нелегально практически невозможно.

Многие думают, что это типа в кайф, заниматься стрит-артом. Я могу по опыту сказать, что это в некоторой степени удовольствие, но и тяжелая работа. Закатать фасад в пять этажей любым рисунком, даже самым простым — это очень сложная работа. Либо холодно, либо жарко, на тебя краска падает. Ты можешь еще высоты бояться — и тогда вообще жесть. Качественный рисунок делается примерно неделю. Поэтому очень раздражает, что на фестивалях обычно не платят, особенно на российских. Пять дней ты торчишь на этой вышке, с утра до вечера, а гонорара никакого нет. Вопрос — на что жить? Какой профит? Если бы я искал профит, я бы не рисовал на улице, наверное. Это стрит-арт — ты бесплатно оставляешь свое искусство на улице. Для меня, как ни крути, важнее результат, а не сколько денег заплатили.
Чем зарабатывают уличные художники
Как и любые фрилансеры, живут художники сложно. Естественно, ты зарабатываешь своим ремеслом — рисуешь на заказ, расписываешь помещения какие-то. Этим практически все занимаются. Но я считаю, что если ты занимаешься чем-то профессионально, глупо зарабатывать чем-то другим. Сначала это было просто: пошел, оформил какому-нибудь мужику подъезд. Пока оформлял, прокачал свои скиллы в рисовании. Получил денег. А сейчас уже начинает надоедать, это тебя отвлекает от собственного дела. Бывает, что заказчик придирается, просит поднять какую-то линию на три сантиметра — ты начинаешь переделывать, и все это надолго затягивается. Начинаешь ненавидеть и его и себя за то, что согласился.
Это еще усугубляется отношением к уличному искусству. Человек видит твои работы на улице, говорит: “Да, классно!”. А потом у него округляются глаза, когда ты называешь сумму за оформление. Ты же рисуешь на улице бесплатно, сейчас и тут нарисуешь! Очень часто мне пишут: “Давай мы тебе дадим краски и накормим? А ты приедешь на дачу, гараж распишешь”.
В идеале можно зарабатывать продажей работ. Но большинству художников просто нечего продавать — все искусство же на стенах. Вторая проблема — когда ты начинаешь что-то делать в станковом формате, это часто вскрывает твою беспомощность как художника. На холсте это выглядит и вполовину не так круто, как на улице. На улице это контекст: ты пробираешься ночью через сады, через заводы заброшенные к депо электричек, рисуешь там свой кусок, ждешь утро, фоткаешь, выкладываешь в интернет. Все.

А когда ты сидишь дома, в тепле, с чайком, рисуешь — ну это как секс с резиновой женщиной. Для работы в галерейном формате надо вырабатывать свой уникальный стиль, а не просто делать то, что делает еще сотня школьников в твоем городе. Я думаю, это как с хип-хопом: ты хорош в одном жанре, а когда выходишь в другой — например, в баттл-рэп — то не можешь себя показать. Тут другие правила игры просто.
Я пробую постепенно продавать свои работы. Но это переход из уличного искусства в “серьезное”. Этим надо заниматься как бизнесом: нужен пиар, контакты с галеристами, арт-менеджерами. Тебе надо не сидеть на жопе, а развивать свой стиль, мониторить тренды, отрабатывать подачу. Нужно искать правильную публику, правильные места. С другой стороны, если у тебя все получается, ты забываешь об оформлении кальянных и ночных клубов как о страшном сне — и становишься творцом в истинном смысле этого слова. Или хотя бы приближаешься к этому понятию.
Нужен ли русский стрит-арт за границей
У нас с моим другом и фотографом Вовой Абихом есть проект “Уличная грязь”. В двух словах — это интерактивный проект: портреты городских бездомных переносились на белые щиты, щиты ставились в городе и забрызгивались грязью из-под машин, и на них проявлялись лица. Смысл в том, что не мы эти лица рисуем, а сам город — мы только посредники.

С этим проектом мы пару лет ездили по разным городам — и в какой-то момент послали его на европейский конкурс портретов Portrait Now. Прошли в финал, нас пригласили в Данию, и мы как-то внезапно выиграли гран-при. На двоих получили 85 тысяч датских крон, это примерно 600 тысяч рублей. К сожалению, каждый год выигрывать такие призы не получится. Но, наверно, это самый честный способ зарабатывать своим искусством.
За границей русский стрит-арт востребован, но не любой русский стрит-арт. Это зависит не от того, что он “русский”, а от личности художника. Есть замечательная команда ZUKCLUB, которая популярна на Западе. Они постоянно куда-то ездят, делают работы по всему миру. Причем делают это много лет, весь год, а не “сезонно”. В прошлом году отлично выступил Рустам Qbic из Казани — он сделал работы в Турции, в Польше, в США. Костя Zmogk, один из старейших и уважаемых граффити-райтеров, ездит по Азии. Юля Волчкова из Питера сейчас завоёвывает Малайзию своим фотореализмом. Это очень круто, я горжусь этими людьми.
В уличном искусстве, как и в любой другой индустрии сейчас, надо поддерживать постоянную активность, иначе ты пропадешь. Уличный художник думает: “Я сейчас уеду к бабушке в деревню и буду там полгода творить”. А через полгода ты никому не будешь нужен! Улицу оставлять нельзя.
Как “перевернуть игру” в стрит-арте
Я пытаюсь вспомнить работу, которая бы в прошлом году взорвала всю информационную среду — и не могу. Потому что вся активность сводилась к фестивалям. Хотя нет, один случай был — Саша Жунев из Перми. Он сделал “распятого Гагарина” — и это выстрелило. Потому что это не фестиваль, не легальная площадка. Человек просто за свои деньги сделал работу, от которой у всех жопы повзрывались. Он в одну секунду стал главным уличным художником России, хотя у него до этого была очень богатая история. Почему? Потому что не зассал. Он этой работой показал, что он художник, что он личность, гражданин. А личностей в уличном искусстве сейчас ой как не хватает.

5 культовых граффити-художников

Кит Харинг. Берлин, 1986

В прошлые выходные Парк Горького захватил фестиваль уличной культуры Faces&Laces, куда приехал легендарный нью-йоркский граффити-художник Джон Франклин, известный как Стэш. По этому случаю мы решили вспомнить пять главных имен из истории стрит-арта. Сюда попали как рано ушедшие из жизни современники Стэша — Жан-Мишель Баския и Кит Харинг, так и более молодое поколение граффитчиков в лице никому не раскрывающего свою личность Бэнкси и создателя «OBEY» Шепарда Фэйри.

1. Бэнкси

  • 01
  • /
  • 05

Согласитесь, что полной подборка не будет без, наверное, самого главного и наиболее известного представителя граффити-культуры — андерграундного художника, политического активиста и режиссера британца Бэнкси. Человек-загадка, о котором ничего не известно кроме того, что его инсталляции, картины и фрески уходят с молотка за огромные суммы денег и становятся объектом печати на одежде, а по Лондону курсируют экскурсоводы, демонстрируя туристам работы стрит-арт художника. Все же Бэнкси уже давно вышел за рамки обычного граффитчика благодаря тому, что его работы — это не только настенная живопись, но и арт-объекты: вспомнить хотя бы красную телефонную будку, брошенную на одной из улиц Лондона. Характерная черта, выделяющая Бэнкси среди всех остальных художников заключается в том, что через свои работы он приглашает зрителя задуматься над вечными вопросами бытия, социально-значимым проблемам, поднимает темы экзистенциализма, нигилизма, анархизма, антикапитализма и антивоенного движения.

Единственная лента, которая хоть как-то близко подпускает зрителя к личности Бэнкси — это документальный фильм 2010 года «Выход через сувенирную лавку», который в 2011 году был номинирован на премию Оскар в категории «Лучший документальный полнометражный фильм».

2. Стэш

  • 01
  • /
  • 04

На творчестве Стэша выросло целое поколение граффитчиков, а сам он считается легендой нью-йоркского уличного искусства. Юный Джош Франклин (настоящее имя художника), чьи работы выставлялись в 1980-х вместе с Китом Харингом и Жаном-Мишелем Баския, начинал с росписи вагонов метро и туннелей — Стэша с детства восхищали подобные яркие граффити — но в мир искусства, как многие другие, ушел не сразу. Он рисовал на поездах вплоть до 1987 года, только затем начав писать на холстах и выставляться в галереях. Далее Стэш плотно занялся дизайном одежды, в котором преуспевает и до сих пор. В 1990-х он сотрудничал с Nike, Bathing Ape (Bape), Vans, DC Shoes, Clarks, Sebago, Lacoste и другими, а затем создал собственную марку уличной одежды под названием Recon, которая просуществовала до 2011 года, а потом возродилась в новом обличье и стала брендом кроссовок.

Этим летом Стэш был приглашен в Москву, на фестиваль Faces&Laces, что прошел в Парке Горького 10-11 августа. Найти другого человека, столь близкого к индустрии уличной одежды и в то же время самому стрит-арту, вряд ли представляется возможным. Поэтому именно он был выбран куратором для новой серии кроссовок Reebok под названием City Classics. Мы задали ему пару вопросов о проекте.

Стрит-арт всегда ассоциировался со спонтанностью, свободой и каким-либо отсутствием рамок и правил. Ваша свобода творчества все же заключена в какие-то рамки, когда Вы работаете по контракту?

Нет, не заключена по одной простой причине — проект City Classics — это пространство, которое позволяет наоборот эти рамки ломать и выходить за пределы наших личных свобод. Я всего лишь один человек из целой команды, которая трудится над этим проектом, но здорово то, что все вместе мы идем к одной цели, которую разделяем, у нас одинаковые интересы и видение вещей. Поэтому это скорее не ограничение наших свобод, а поддержка друг друга, чтобы создать кардинально новое.

Почему Вы решили выбрать только цвета для дизайна линии Reebok City Classics, а не создавать собственные изображения на них?

Моя роль в этом проекте быть куратором, наблюдателем, приглашать различных художников из 12 городов мира, которые представляют то место, откуда приехали и через свое творчество доносят это другим людям. И как раз ту идею, которую несут эти художники, мы трансформируем в силуэт Classic Leather.

  • 01
  • /
  • 05

3. Жан-Мишель Баския

  • 01
  • /
  • 05

Один из самых дорогих и знаменитых художников послевоенной эпохи, Жан-Мишель Баския начинал с рисования граффити на стенах Манхэттена вместо со своим другом Аль Диазом. Еще никому не известные 18-летние подростки расписывали улицы фразами, каждая из которых содержала слово SAMO — так назывался их творческий союз. «SAMO — это так называемый авангард», «SAMO как конгломерат дремлющих гениев», «SAMO как условие отрицания» и еще десятки фраз различного содержания оставляли в Нью-Йорке Диаз и Баския.

В декабре 1978 года их по-настоящему заметили: нью-йоркское издание Village Voice посвятило граффити Диаза и Баскии целую статью. Но в определенный момент, в конце 1970-х, дружбе двух уличных художников пришел конец, который ознаменовался надписью «SAMO is dead» («SAMO мертв»). Вскоре для Баскии начнется новый период — время восхождения к истинной славе, активного творчества, дружбы с Энди Уорхолом и нахождения в самом центре арт-тусовки Большого яблока.

Энди Уорхол и Жан-Мишель Баския

4. Шепард Фэйри

  • 01
  • /
  • 05

Возможно, что имя этого человека известно не всем, но его работы вы встречали неоднократно. Шепард Фэйри — автор постера с надписью OBEY, современный американский художник и дизайнер.

История уже успевшего стать культовым изображения уходит корнями в 1986 год, когда Шепард решил создать портрет французского борца Андре Руссимоффа в технике поп-арт, а под ним оставил подпись OBEY («Повинуйся»), связанную с кинолентой «Они живут среди нас». Позже Obey трансформировался в псевдоним художника, а изображение распространялось в виде наклеек и плакатов. Кстати, Фэйри также стали одним из героев фильма «Выход через сувенирную лавку», где рассказал историю появления плаката, который из типографского снимка превратился в бренд, выпускающий одежду.

Самой знаменитой работой Фэйри является плакат Hope («Надежда»), подготовленный в 2008 году и приуроченный к предвыборной кампании Барака Обамы. Картина не только прославила ее создателя, но также стала отправной точкой для создания других политических плакатов после выборов. Кроме этих двух судьбоносных для Фэйри как художника плакатов, Шепард создает работы на тему музыки, религии, экологии и социализма.

Мастер приложил руку к созданию рекламных постеров компаний PepsiCo, Adidas, обложек альбомов музыкальных групп Black Eyed Peas, Sepultura и других. Принцип, по которому Фэйри выбирает с кем работать, а с кем нет, заключается в том, чтобы этот человек или организация не вызывали личного отторжения художника.

5. Кит Харинг

  • 01
  • /
  • 05

Кит Харинг начал рисовать очень рано, и в 18 лет пошел учиться на дизайнера в художественной школе в Питтсбурге, но вскоре бросил занятия. Он перебрался в Нью-Йорк в 1978-м — 20-летнему художнику гораздо интереснее было заниматься альтернативным искусством и расписывать стены нью-йоркской подземки. Там его и заметили. Харинг дружил с Жаном-Мишелем Баскией, Энди Уорхолом и Мадонной, путешествовал по миру и оставлял граффити в Мельбурне, Сиднее, Рио-де-Жанейро, Амстердаме, Париже, Берлине. В 1982 году прошла его первая персональная выставка.

Четыре года спустя, в 1986-м, Харинг открыл лавку Pop Shop: в ней торговали различными предметами с нанесенными на нее рисунками художника. Она просуществовала до 2005 года, а сегодня существует в интернет-версии. Другая его лавка Pop Shop работала в Токио, но закрылась гораздо раньше, еще в 1988 году.

Кстати говоря, последние выходные работает выставка его работ под названием Political Line в парижском музее современного искусства — она закроется 18 августа. К ней было приурочено открытие pop-up магазина в бутике Colette, где представили различные предметы одежды и интерьера — в частности, созданные Vivivenne Westwood, Comme des Garcons, Nicholas Kirkwood, Levi’s и Swatch — каждый из которых появился под влиянием Кита Харинга.

Во многих странах эти объекты стрит-арта объявлены вне закона. Хулиганы наносят рисунки под покровом ночи, а на следующий день их старательно закрашивают городские службы. Однако часто скандальные и остроумные граффити становятся произведением искусства Фото: patrick tomasso/unsplash

Граффити стали не только неотъемлемой частью современной уличной культуры — сегодня эти элементы используются в обустройстве городских пространств, оформлении фасадов жилых комплексов и дизайне интерьеров. Но, несмотря на практическое применение, искусство граффити остается одной из самых актуальных форм самовыражения для художников, отражением их социальной и политической позиции.

«РБК-Недвижимость» рассказывает о самых знаменитых уличных рисунках со всего мира.

Каллиграффити на крыше «Красного Октября». Покрас Лампас, Москва

В июле 2019 года в Екатеринбурге закатали в асфальт новую работу известного каллиграфа Покраса Лампаса, самый крупный арт-объект этого года. Однако «Супрематический крест» на площади Первой пятилетки с цитатой Казимира Малевича — не самая известная работа художника. Жители Петербурга наверняка помнят огромную каллиграфию Лампаса на льду Финского залива, а римляне — узоры площадью 1250 кв. м на крыше Квадратного Колизея.

В 2015 году работа Покраса Лампаса вошла в Книгу рекордов Гиннесса. Художник расписал крышу «Красного Октября» в Москве. Для мирового рекорда Покрасу потребовалось 730 л краски и два дня работы. Площадь каллиграффити — 1625 кв. м, а ее длина сопоставима с высотой 22-этажного дома. Своей работой художник хотел привлечь внимание к современному искусству, а также к тому, что человек все может сделать сам, стоит только захотеть. Первый манифест Лампас отразил размером граффити: это единственное художественное произведение в России, которое видно из космоса. Второй Покрас доказал на собственном примере: каллиграф не заканчивал художественной школы или курсов и всему научился сам, а его работы — полная импровизация.

«Весь мир». Кит Харинг, Пиза

Стиль Кита Харинга вырос из уличной культуры Нью-Йорка и сделал его одним из самых известных американских художников. Главными темами работ Харинга были любовь и единство, а его фирменным символом стал «Радиоактивный младенец» (The Radiant Baby).

Фото: flickr.com

Однажды друг пригласил Кита в итальянскую Пизу. Художник решил нарисовать фреску на северной стороне церкви Святого Антония, которая была захоронена во время бомбардировок Второй мировой войны. «Туттомондо» (Tuttomondo) по-итальянски означает «весь мир». Фреска олицетворяет будущее, в котором главными идеалами становятся единство и мир. На рисунке изображены 30 динамичных фигур; они соединены и переплетены, символизируя мир и гармонию. Картина признана одной из самых больших фресок, когда-либо сделанных в Европе, ее площадь — 180 кв. м (высота 10 м и ширина 18 м). «Туттомондо» — последняя публичная работа, сделанная Китом Харингом в 1989 году, спустя год художник умер.

«Братский поцелуй». Дмитрий Врубель, Берлин

Берлинская стена была построена в 1961 году для разделения Западного и Восточного Берлина во время холодной войны. В 1980-х годах она стала популярным местом для самовыражения художников граффити. Эта фреска Дмитрия Врубеля, также известная как «Господи! Помоги мне выжить среди этой смертной любви», стала самой известной среди граффити на Берлинской стене. На рисунке изображен поцелуй коммунистических лидеров Леонида Брежнева (Советский Союз) и Эриха Хонеккера (Восточная Германия). На создание фрески художника вдохновила фотография, которая запечатлела этот момент в 1979 году во время празднования 30-летия основания Германской Демократической Республики. Эта работа Врубеля стала символом борьбы за воссоединение Германии и против СССР. Кроме «Братского поцелуя» на Берлинской стене художник нарисовал граффити Danke, Andrej Sacharow! («Спасибо, Андрей Сахаров!»).

Фото: wikimedia.org

«Братский поцелуй», одно из самых известных произведений граффити в мире, вдохновило художников Вильнюса на создание граффито Make Everything Great Again («Сделай снова все великим»). В 2016 году в городе появилось изображение президента России Владимира Путина и президента США Дональда Трампа в аналогичной позе.

«Этносы». Эдуардо Кобра, Рио-де-Жанейро

Бразильский стрит-арт-художник Эдуардо Кобра вошел в Книгу рекордов Гиннесса как автор самой большой уличной росписи, нарисованной одним человеком. Картина расположена в центре Рио-де-Жанейро. Фреска площадью 3 тыс. кв. м (15,5 м в высоту и 190 м в длину) называется «этинас» («этносы», или этническая принадлежность), она символизирует пять олимпийских колец и континентов мира, а также их древние племена. Работа была заказана во время Олимпийских игр 2016 года в Рио, чтобы подчеркнуть силу единства народов. На создание огромного рисунка уличный художник потратил два месяца, 400 л и более 3,5 тыс. баллончиков краски. Портовая улица, украшенная граффити Кобры, выходит на Олимпийский бульвар — главную улицу болельщиков в Рио.

Фото: wikimedia.org

«Этносы» стали частью проекта художника «Видение мира», в который также вошли изображения Мартина Лютера Кинга, матери Терезы и других общественных деятелей, выполненные в единой технике экспрессивной живописи. Работы Кобры есть и в Москве: к 88-летию Майи Плисецкой художник изобразил балерину в образе Одетты из балета «Лебединое озеро» на здании по адресу Большая Дмитровка, 16.

«Девочка с воздушным шаром». Бэнкси, Лондон

Английский граффитчик Бэнкси стал одним из самых скандальных уличных художников. Его работы считаются произведениями искусства, а их уничтожение — вандализмом, несмотря на то что для многих сам факт нанесения граффити — вандализм. Граффито «Девочка с воздушным шаром» (Girl with Balloon) появилось в 2002 году в Лондоне. Бэнкси нарисовал две версии в разных частях города. На одной из них художник оставил надпись Thereʼs always hope («Надежда есть всегда»). В 2014 году картину вырезали из стены и выставили на продажу за £500 тыс. В том же году граффито стало символом поддержки беженцев из Сирии: специально для этой кампании Бэнкси нарисовал еще одну версию граффито, где девочка закутана в платок. Огромные проекции рисунка в день годовщины сирийского конфликта появились на Эйфелевой башне в Париже и на колонне Нельсона в Лондоне.

Фото: wikimedia.org

Согласно данным опроса Samsung в 2017 году, изображение девочки с воздушным шаром британцы назвали любимым произведением искусства. А в октябре 2018 года авторскую версию работы, выполненную акриловыми и аэрозольными красками на холсте, выставили на аукцион Sotheby’s. Сразу после покупки картины за $1,4 млн ее разрезал встроенный в раму шредер. Спустя несколько дней автор потребовал переименовать работу и назвать ее Love Is in the Bin («Любовь в мусорной корзине»).

Самые сумасшедшие граффити со всего мира!

remove_red_eye 985 access_time 4 года назад thumb_up 9

Граффити сегодня — вид уличного искусства, одна из самых актуальных форм художественного самовыражения по всему миру. Существует множество разных стилей и видов граффити. Произведения, создаваемые граффити-художниками, — самостоятельный жанр современного искусства, неотъемлемая часть культуры и городского образа жизни. Во многих странах и городах есть свои известные художники, создающие на улицах города настоящие шедевры.

В большинстве стран мира нанесение граффити на чью-либо собственность без разрешения на то владельца данной собственности считается вандализмом и карается по закону. Иногда граффити используют для распространения сообщений политического и социального характера. Для некоторых людей граффити — настоящее искусство, достойное размещения в галереях и на выставках, для других — это вандализм.

С тех пор, как граффити превратили в неотъемлемую часть поп-культуры, его стали ассоциировать с музыкой в стиле хип-хоп, хардкор, битдаун и брейк-дансом. Для многих это образ жизни, скрытый от общественности и непонятный для широкой публики.

Граффити также используются как сигнал банды для маркировки территории или служат как обозначение или «тег» деятельности этой самой банды. Споры, которые ведутся вокруг такого вида искусства, продолжают подогревать разногласия между блюстителями порядка и граффитчиками, стремящимися выставлять свои работы на всеобщее обозрение. Это быстро развивающаяся форма искусства, ценность которого яро отстаивается его приверженцами в словесных перепалках с представителями власти, хотя то же самое законодательство зачастую защищает граффити.

В сентябре 2014 года, к 12 летней годовщине трагической гибели Сергея Бодрова, граффити-команда из Витебска «HoodGraff» нарисовала на стене трансформаторной будки портрет Сергея Бодрова в образе Данилы Багрова, расположено творение недалеко от Александро-Невской лавры, рядом с остановкой «Проспект Обуховской Обороны».

По всему миру уйму нарисованных граффити, они есть везде, на остановках, подъездах, заборах, в общественных местах, на площадях… Многие художники рисуют свои творения в 3D стиле, реалистичность таких граффити просто зашкаливает! Иногда очень трудно поверить в то, что это рисунок… Команда Topovik.com сделала подборку, где собраны лучшие и реалистичные граффити со всего мира, давайте посмотрим!

А как вы считаете, граффити это вандализм или все же искусство…

Чаще всего искусством называют картины, которые и даром не нужны, а суммы за которые их продают просто с ума сводят, например эти: Обычные картины за сумасшедшие деньги.

Топ-10 граффити. Самые

масштабные

15 марта приступит к выполнению своего грандиозного проекта победитель международного конкурса Выкса 10000. Им стал московский уличный художник Миша Most.

А пока мы предлагаем вам оценить творчество его «товарищей по цеху». Это не просто рисунки на зданиях. Муралы – принципиально новый вид современного искусства, требующий терпения, точного планирования и десятков литров краски. Это граффити, вышедшие на совершенно иной уровень, произведения, занимающие сотни квадратных метров и заметные издалека. В этой подборке собраны потрясающие своими масштабами росписи, украшающие стены в разных частях света. Наслаждайтесь!

Восемь гигантских бетонных зернохранилищ в австралийском Нортаме превратились в арт-объекты в рамках проекта PUBLIC-2015. Два известных художника – Hense из США и Phlegm из Великобритании — начали работать над росписью с противоположных сторон, чтобы создать уникальный рисунок. Контраст получился разительный – сочные яркие абстракции от Hense и сюрреалистичные дымчатые образы Phlegm.

К старту Олимпийских игр 2016 года в Рио-де-Жанейро Эдуардо Кобра (Eduardo Cobra) задался целью побить собственный рекорд и написал на здании в портовом районе пять гигантских портретов, символизирующих пять континентов. Кстати, в своей динамичной геометрической манере Эдуардо также выполнил граффити с изображением балерины Майи Плисецкой в Москве.

Вдохновленная традиционной японской культурой и чудесами природы, стрит-арт художница Mademoiselle Maurice соединила их в своем проекте «Лунный цикл». Стена парижского жилого дома площадью 2000 квадратных метров, покрытая черной краской, превратилась в космический простор со сферами из бумажных фигурок оригами и их нарисованных копий.

Претендующий на звание самого большого граффити в мире амбициозный проект принадлежит команде из французской фирмы CiteCreation. Жилой дом стал продолжением природы, с деревьями, цветами, птицами и животными. Монументальная роспись имеет шанс попасть в Книгу рекордов Гиннеса, а пока просто услаждает взор прохожих и оживляет городской пейзаж.

Чтобы заставить городские власти задуматься о состоянии старых зданий в районе Толедо, художник Inti вышел на улицу не с транспарантом, а с баллончиками краски. На фасаде одного из зданий появилось огромное изображение Дон Кихота. «Стройте, не разрушая, то, что есть!» — вот лозунг акции, в рамках которой Inti взялся за работу.

Настенная живопись – это не только способ привлечь внимание или выразить себя, но и возможность запечатлеть наиболее яркие моменты истории человечества. Джозеф Кристофолетти (Josef Kristofoletti) принял участие в проекте для знаменитого швейцарского ЦЕРНа, чтобы увековечить поражающую воображение силу научного прогресса. Вдохновлялся автор здесь же, наблюдая за работой сотрудников и ученых.

Многих угнетает серость и безликость больших городов и особенно — рабочих кварталов. Аргентинский художник Альфредо Сегатори (Alfredo Segatori) подошел к решению проблемы со всем тщанием и целиком покрыл рисунками бетонные стены площадью 2000 квадратных метров! Жители Буэнос-Айреса, где находится рисунок, гордятся им, как одной из местных достопримечательностей.

Невероятно продуманный и масштабный рисунок украшает одну из площадей Марокко. Художник Джакомо Буфарини (Giacomo Bufarini), известный также как RUN, задался целью показать отчужденность в современном мире, разделив своих героев широким потоком. Чтобы увидеть картину полностью, необходимо подняться повыше. В остальное время картина фактически находится под ногами у прохожих.

Граффити, даже самыми сложными, уже сложно удивить публику. Но художникам коллектива German Crew это удалось: они превратили в картину не одну стену, а целый квартал, который теперь официально считается самым большим муралом в Мексике. Выкрашенные в яркие цвета дома, стоящие на холме, стали похожи на гигантское живописное полотно – смотрится весьма эффектно и издалека видно невооруженным глазом.

Покрас Лампас, он же Арсений Пыженков, потратил два дня, рисуя умопомрачительно сложный каллиграфический узор на крыше одного из корпусов бывшей фабрики «Красный Октябрь». Работа, разглядеть которую полностью можно лишь с воздуха, претендует на звание «самая большая каллиграфия в России». Побить его рекорд будет, конечно, сложно, ведь общая площадь рисунка составляет 1625 квадратных метров.

moscowwalks.ru

В последнее время одним из ведущих уличных художников Москвы стал Zoom, чьи работы сразу после появления моментально расходятся по социальным сетям. Мы уже знакомили читателей с обзором его работ 2016 года. Теперь хотим предложить вам прогулку по местам его новых работ в Москве.

Смотреть лучшие работы московского уличного художника за 2017 год —>

Далее передаём слово Василию П. Все фото в этой публикации также его авторства (кроме тех 4, источники которых указаны).

Zoom – наверное, самый известный сейчас московский уличный художник, которого называют «Замоскворецким Бэнкси» или «Московским Бэнкси». Однако заниматься уличным искусством он стал не так давно, первая из его работ появилась во дворе на Большой Серпуховской в июле 2015 года.

Интересно, что сам он себя художником не считает. «У меня нет никаких иллюзий по поводу уровня моих работ. Zoom представляет интерес только на фоне унылого кладбища, которым является Москва в смысле стрит-арта. Конечно, мне приятно, когда меня называют художником, но, если называть вещи своими именами, какой я художник? Художник — это Эгон Шиле, Ван Гог. А у меня и труба пониже, и дым пожиже. Да и задачи другие. Я просто деятель поп-культуры, уличный дизайнер. Делаю в некотором смысле китч. Я из себя ничего не пыжу, просто мне это в кайф» – рассказывал Zoom в своем интервью «Афише Daily» в 2016 году.

Как известно, уличное искусство – вещь непостоянная. Сегодня рисунок на месте, а завтра его уже нет. К Zoom это относится в большей степени, чем к другим, так как свои нелегальные работы он предпочитает размещать не во дворах или в заброшенных местах, а на центральных московских улицах, стараясь, чтобы их увидело больше прохожих. Его интересные работы, появившись на короткое время, быстро исчезают и остаются только на фотографиях.

Такие фотографии у меня есть, так что смотрите обзор работ Zoom 2017 года. Практически всех их в городе уже нет, они закрашены. Такое впечатление, что коммунальщики следят за творчеством художника в интернете и оперативно выезжают по указанным адресам. Некоторые работы сфотографировать не удалось. В этих немногих случаях буду использовать фото более удачливых «граффити-хантеров», коллег по увлечению.

Работы размещены по хронологии их появления. Приведены авторские названия.

Январь. Большая Якиманка.

Хрущев на трибуне, в руке он держит кроссовок. Сами решите, угадывается ли в его лице Лавров или это только кажется. Примечательно авторское название работы: «Ничего не меняется». Неудивительно, что она провисела меньше суток. (Фото взято из ЖЖ sonnnic).

Март. «Опасная зона» на Большой Полянке.

Работа выполнена из сигнальной ленты. Когда комментаторы указали художнику, что на России должна быть «безопасная зона», он ответил: «Мы по продолжительности жизни мужчин на 55 месте в мире, после Сомали».

8 марта. «Аленушка. Спасибо тем, кто ждет» у канализационного люка в Петропавловском переулке. Конечно, с открытым люком она смотрится лучше, но люк при фотографировании я открывать не стал

Март. «Венера Московская» в Большом Палашевском переулке.

Это изображение Венеры Милосской, выложенное обрывками рекламных объявлений. По словам художника, объект не создавался сразу на стене, а был сначала подготовлен в мастерской. «Каждый кластер пришлось готовить отдельно и только потом клеить», — сообщает он в комментариях к своему снимку.

Апрель. «Царизм не прокатит» в Большом Овчинниковском переулке.

Эта работа с политическим подтекстом не провисела и одного дня. «Царизм прокатил!» — сообщил Zoom в своем инстаграме. Комментаторы вторили ему: «Скучный город Земли!», «Холопы защищают царизм!» «Они бы с такой оперативностью дороги чинили!» (Фото взято из ЖЖ sonnnic).

12 апреля. «Юра» на Серпуховской площади.

«В нашей истории, к сожалению, не так много страниц, которыми мы все можем гордиться — и делать это сообща, всем миром, вне зависимости от политических взглядов и возраста. Нас мало что объединяет. Но 12 апреля 1961 года всенародно признано как один из самых светлых дней в ужасном для нашей страны ХХ веке. И картинка про это», — рассказал Zoom.

Художник признался, что накануне Дня космонавтики он искал различные сюжеты на тему космоса и рассматривал также вариант с изображением Константина Циолковского, однако по сравнению с канонической фотографией Гагарина этот вариант отпал сам собой. «Это реально икона — обаятельный русский парень, первым на Земле полетевший к звездам».

Май. «Шерлок Холмс и Доктор Ватсон» на Большой Ордынке.

Июль. «Да здравствуют пробки! Ходите пешком». Печать на баннерной сетке.

В инстаграме художник написал: «Привет из московского транспортного ада». Он переосмыслил тему бело-зеленых ограждений, натянутых вдоль многих улиц Москвы, и превратил их в пешеходный переход со знаменитой обложки группы The Beatles. Новую растяжку он разместил на Тверском бульваре.

«Я часто пытаюсь обыграть городской контекст, и в последний год полосатые бело-зеленые ограждения вокруг дорожных работ определенно стали частью московского ландшафта. Город копали всегда (достаточно вспомнить сцену с дорожниками в фильме «Я шагаю по Москве»), но этим летом масштаб дискомфорта вышел за рамки добра и зла. Мне захотелось как-то ободрить обычных людей, которые ползут в своих машинах в этих лютых пробках, подсластить горькую пилюлю», — отметил художник.

По словам Zoom, образ The Beatles он выбрал как медийную, знаковую икону, а пешеходный переход показался ему уместной шуткой в привязке к полосатым заборам.

«Я не знаю, в какой степени это можно назвать искусством вообще или уличным искусством в частности. Я ничего не рисовал, сделал макет на компе, напечатал баннер и повесил его ночью. Никто мне не препятствовал и не запрещал, потому что я разрешения ни у кого не спрашиваю. Как это все назвать? Спонтанный городской дизайн? Не знаю. Тема терминологии меня не занимает», — отметил художник.

Июль. В Мерзляковском переулке появился рисунок, посвященных второй годовщине «проекта Zoom». Он единственный оказался долгожителем, по крайней мере, в середине декабря еще был на месте.

Ноябрь. «В Тридевятом царстве» на Большой Полянке. Художественное отражение ситуации в современной России.

Рисунок, на котором пригорюнившаяся бабка вернулась к развалившемуся старому совку, не провисел и дня. На некоторые острые комментарии Zoom ответил так: «В. тут ни при чем. Он часть Тридевятого царства, его же туда не на парашюте скинули. Проста карма такая». (Фото взято из ЖЖ serge elephant).

Декабрь. «Чапаев» на Люсиновской улице, 39. Это своеобразный подарок от художника ЖКХ-конторе, располагающейся в этом доме.

Один из комментариев: «Первый раз он утонул в реке Урал, а в этот раз будет стерт с лица земли лицом азиатской национальности, вооруженным не пулеметом, а малярным валиком и банкой с краской». «На Сечина похож» — написал другой комментатор. «Вы не первый, кто это заметил. Яхту догоняет» — ответил Zoom.

Последняя из нелегальных работ, «Грязный шепот улиц», появилась в декабре на Таганской площади и представляла Джокера из обрывков уличных объявлений. Никому из интересующихся творчеством Zoom ее сфотографировать не удалось, так как она провисела менее часа. Закрашивающие ее оказались ответственными за здание и сообщили, что им поступил сигнал о незаконной рекламе, и они просто вынуждены уничтожить работу, иначе им выпишут большой штраф.

Помимо нелегального творчества, Zoom создал несколько легальных произведений. Ими можно любоваться и сейчас.

«Три корочки хлеба».

В декабре 2016 года этот ироничный рисунок украсил пекарню «Завтраки.ру» на Соколово-Мещерской улице в районе Куркино. Я упоминал о нем в аналогичном обзоре год назад. Однако к моменту подготовки того обзора до него не доехал, поэтому представляю сейчас.

«Дедушка» в кафе Barrique в Благовещенском переулке.

Сделано из специй (черный и красный перец, корица, имбирь, куркума, кокосовая стружка, кофе) по оригинальной фотографии Джоуи Лоренса, позже зафиксировано лаком. Нанесение заняло у автора примерно неделю. Эта картина действительно имеет пряный запах.

«Ржавый Будда», тоже в кафе Barrique.

Дерево, скобы, ржавчина. Сделано степлером, использовано около 70 тысяч скоб. Zoom: «Тему со скобами придумал, как оказывается, не я. Все давно придумано. Но я замутил ржавчину. На создание ушел примерно месяц».

Юрий Богатырев в роли Егора Шилова в фильме Никиты Михалкова «Свой среди чужих, чужой среди своих».

На мой взгляд, это одна из лучших работ художника. Здесь использованы вырубка и шпаклевка. Работа находится на бывшем ликеро-водочном заводе «Кристалл», выполнена при содействии «Первого граффити-агентства».

«Горящие помойки моего детства». Работа для групповой выставки «Войти в историю» в Музее Москвы на Зубовском бульваре. Материалы – спички и потолок.

Выполнено в винтажной технике, вот как ее описывает сам Zoom: «Харкаешь на побелку на стене. Тыльным концом спички замешиваешь из этого кашицу, цепляешь на спичку и выстреливаешь ее в потолок через черкаш, чтобы сера занялась во время полета. Если сначала зажечь, а потом кинуть спичку, она потухнет, не долетев до потолка.» Безусловно, такое детство было у миллионов, однако только единицы конвертируют его в настоящее искусство. Замечу, выставка открыта до 18 марта 2018 года.

«Чужой против Хищника», декабрь 2017.

Работа находится на 3 уровне парковки ТЦ «Водный» на Головинском шоссе. Нарисована такими пикселями-петельками типа буквы V, как при вязании. В итоге получился как будто вязаный свитер. Сходство со свитером усиливает то, что Zoom сделал традиционные «снежинки» в промежутках рисунка. Хоть он, скорее всего, не понял, зачем они нужны, поэтому некоторые расположил в странных местах. На самом деле эти снежинки — технологические, они нужны, чтоб с изнанки нерабочая нить (в данном случае белая) не шла в рисунок слишком долго не подхваченной.

Подводя итоги 2017 года, прежде всего заметим, что художник продолжает радовать нас своим творчеством, пробуя разные нестандартные техники для воплощения своих идей. При этом не забывает о монетизации собственных усилий. Его магазин авторских принтов регулярно пополняется новыми рисунками на футболках и чехлах для телефона.

Второе, что бросается в глаза, Zoom стал не так часто, как раньше, размещать свой нелегал на московских улицах. В 2016 – 35 раз, в 2017 – 15 раз, цифры говорят сами за себя.

Третье – нелегальные рисунки Zoom вслед за Москвой появились и в других городах. В том числе за рубежом – в Мумбаи (Индия), Валенсии (Испания), Дублине (Ирландия), Амстердаме (Нидерланды). Появилась и работа в России, в Саратове, в которой очевидна отсылка к образу Родины-матери. И хотя первая реакция на использование узнаваемого образа у многих негативная, надо сказать, что работа получилась сильная, она заставляет задуматься. (Фото взято из инстаграма художника).

И самое неожиданное. Zoom редко касался политических тем, в 2016 году у него была всего лишь одна подобная работа. После этого он ушел в развлечения, предпочитая собирать в своих творениях «иконостас русского поп-арта, странный микс советского наследия, духа новейших времен и тлетворного влияния Голливуда». Однако вспомним классика «Жить в обществе и быть свободным от общества нельзя». В итоге в 2017 году мы увидели как минимум три работы с политической подоплекой. Станет ли дальнейшая политизация тенденцией в его творчестве, мы узнаем в наступившем году.

Публикация подготовлена: Василий П.

Стрит-арт – это искусство вызова. Муралы и граффити оживляют города, восхищают или раздражают публику. Многие творцы стрит-арта прошли путь от нелегального разрисовывания стен – до всемирной славы. Вашему вниманию предлагаются лучшие работы мастеров уличного искусства.

1. Nevercrew

Nevercrew – это проект двух художников из Швейцарии. Кристиан Ребеччи и Пабло Тогни создают композиции, которые не только захватывают своей красотой, но и заставляют задуматься. Тема их творчества – экология.
Пабло и Кристиан сначала ходили в одну школу, а потом – академию живописи. До того, как художники решили создать общий проект, каждый занимался скульптурой, иллюстрацией и граффити. Такая разноплановость заметна и на муралах – изображения выглядят объемными, а значит, художники умеют применить приемы, выработанные для скульптуры и других жанров. Каждая картина поражает палитрой оттенков. И на каждом изображении обязательно присутствуют тени. Именно эта незаметная мелочь и создает ощущение реальности.
Некоторые картины выглядят фантастическими, ломают всякую логику. Но за каждой из них – одна и та же идея: природа. Художники напоминают, что на земле есть животные, которые нуждаются в нашей защите. Чаще всего на рисунках красуются большие звери – киты или медведи.
Размер картин тоже имеет смысл. Это огромные рисунки, рядом с которыми человек должен почувствовать себя маленьким. Таким образом художники напоминают, что человек – часть природы.

1/3

2. Эдуардо Кобра

Бразилия – страна, в которой стрит-арт ценится даже городскими властями. Эдуардо Кобра – бразильский художник, чьи работы восхищают яркостью.
В творчестве он использует множество техник, и это заметно. Каждая картина проработана до мельчайших деталей. Его муралы часто называют «фотограффити». Ведь на некоторых с фотографической точностью изображены знаменитые люди, например: Дали, Эйнштейн и Леннон.
1/3 Эдуардо создает объемные картины. Но не простые – их объем виден только под каким-то одним ракурсом. Так интересней: можно ходить мимо изображения и рассматривать, как картина меняется на глазах. 1/2

3. Swoon

Swoon в переводе с английского означает «обморок». Это псевдоним американской художницы, которая создает принты с изображением людей – и украшает ими улицы. Чаще всего художница работает с заброшенными местами – старыми зданиями, мостами, пожарными лестницами… Почему так? Swoon получила художественное образование и почувствовала, что не хочет «сдерживать» свое творчество. Не хочет писать картины, которые останутся закрытыми в музеях или галереях. Она поняла, что хочет стать частью мира. И выход нашелся: приклеивание картин к стенам. Само действие – символическое. Это соединение с миром, его изменение.

Люди на картинах – друзья и родственники художницы. Выбор портретов тоже не случайный. Swoon говорит, что каждый человек – носитель чувств. И именно портрет отражает переживания. Можно поймать яркий момент – и перенести его на картину.
1/2

4. Этам Крю

Этам Крю – псевдоним двух польских художников. Их муралы поражают размерами. Огромные рисунки от Этам Крю украшают дома по всей Восточной Европе. Художники не собираются останавливаться на достигнутом и планируют объездить всю Европу и посетить Америку.
Польские власти по достоинству оценили художников – и сами заказывают им роспись очередного дома. Так дом превращается в объект искусства. Многие туристы, приезжая в Польшу, идут на экскурсию, чтобы увидеть все картины художников.
Такая работа забирает много сил и времени, но результат оправдывает ожидания. В своем творчестве Этам Крю обращаются к фольклорным мотивам, а также стилю сюрреализм.

5. Арон де ла Круз

Арон де ла Круз – художник и дизайнер из Калифорнии. Арон – настоящий реформатор в искусстве граффити. Его стиль – минимализм. Оказывается, минимализм возможен и в уличном искусстве.
Художник заинтересовался граффити с самого детства – с 7 лет. А с 12 уже стал пробовать себя в этом деле. То, что Арон создает сейчас – не совсем граффити. Его искусство можно назвать «уличным» только по одной причине – это рисунки на стенах. Сам художник не считает, что рисует граффити. При этом признает: каждый зритель может сам решать, как называется такое искусство. Любое название его устроит.
Что такое искусство? Арон говорит, что искусство – это вызов. Прежде всего – вызов себе. Каждый раз художник проверяет – сможет ли он создать такое произведение, которое найдет отклик в сердцах людей. Арон использует минимум материалов в своем творчестве. А еще – работает без эскизов. Рисует сразу. Спонтанное творчество он называет работой с эмоциями. Сами чувства ведут его. И процесс творчества становится увлекательным путешествием, ведь идущий не знает, куда заведет дорога.
Сейчас Арон живет и работает в Сан-Франциско. Его не пугают большие стены – за роспись огромных пространств художник берется с удовольствием. Более того – он мечтает о целой улице, украшенной его работами. И верит, что в будущем обязательно осуществит эту мечту.
Творчество Арона становится все более популярным. Его рисунки уже украшают не только стены, но и одежду. Минималистический орнамент на футболке смотрится стильно и необычно.

6. Bordalo II

И еще один экологический проект. Bordalo – португальский художник, который использует в творчестве… мусор. Зачем? Художник родился в 1987 году. Свою эпоху он называет «временем потребителей». В развитых странах производится больше товаров, чем нужно человеку, при этом остается огромное количество отходов.
Художник говорит:
«То, что для одного мусор – для другого сокровище».
1/3
И использует отходы производства для создания муралов, которые напоминают людям о состоянии планеты.
1/2

7. Ос Жемеос

Ос Жемеос – это псевдоним, за которым стоят два художника. Братья Пандольфо – Отавио и Густаво. Братья-близнецы родились в Бразилии. Именно бразильская культура и народное творчество сформировали стиль художников.
Братья считают, что стиль – это индивидуальность человека. Каждый из нас – особенный. Главное понять, в чем же твоя уникальность – и развивать ее. При этом, стиль не должен ограничивать творца. Не стоит бояться выйти за рамки. Любое отклонения от стиля – это поиск. Важно не стоять на месте, а развиваться и экспериментировать.
Творческий путь братьев начался с росписей улиц недалеко от дома. Сначала они просто копировали своих любимых граффити-мастеров, а со временем начали творить собственное искусство. Чаще всего они рисуют желтолицых людей. Почему желтый? Желтый, по мнению братьев, это цвет мечты. Плюс влияние бразильской культуры – с ее яркими солнечными красками.

1/2 Теперь дуэт Ос Жемеос популярен по всему миру. Братья много путешествуют и стараются разукрасить как можно больше городов. Они рисуют не только на стенах, но и на поездах. Любовь к поездам у художников с детства. В начале карьеры они рисовали на вагонах тайком, а теперь их приглашают поучаствовать в проектах дизайна вагонов.
В 2007 году братья расписали шотландский средневековый замок. На самом видном месте – типичный желтый персонаж. Публика восприняла этот проект неоднозначно: одни люди были в восторге, другие называли роспись не творчеством, а надругательством над древним замком. Но это и показывает суть искусства – оно не должно оставлять людей равнодушными. Отавио и Густаво считают, что задача граффити, как и любого искусства – заставить человека чувствовать.
Художники часто принимают участия в выставках. Но каждый раз они напоминают: то, что зритель видит в галерее – уже нельзя назвать уличным искусством. Это живопись, дизайн, все что угодно – только не граффити. Даже если картина на выставке точно повторяет изображение на уличной стене. Таким образом братья отстаивают «чистоту» жанра граффити.

8. Гея

Гея – талантливый художник из города Балтимор, США. Гея – богиня земли в греческой мифологии. Она – покровительница всего живого на планете. Это имя и подсказало художнику тематику творчества. Гея рисует животных. Таким образом он хочет добавить природу в серый городской пейзаж. Вдохнуть жизнь в каменные города.
Художник серьезно относится к выбору животного, которое будет красоваться на стене. Каждая картина имеет свой смысл. Иногда – традиционный. Например, голубь – символ мира. Но чаще всего Гея совмещает несколько животных в одной картине: тигр с ушами зайца или жираф с рыбьим хвостом.
Художник постоянно в работе. Его режим дня – это подъем в 9 утра, несколько свободных часов, которые уходят на проверку соцсетей, а дальше – работа до самого вечера. Каждый день Гея работает над новыми проектами. И про граффити художник не собирается забывать. Уличное искусство для него – это способ познавать мир вокруг.

9. OakOak

Французский художник, который создает веселый и креативный стрит-арт. Себя называет то «малевателем», то «марателем улиц», но за такой скромностью прячется талант. Любую мелочь он умеет превратить в искусство. Лестницы, трубы, столбы, неровный асфальт, решетки, тени от деревьев… Абсолютно все.

1/4
OakOak знает, как дополнить каждую уличную деталь. Такой стрит-арт не только поднимает настроение прохожим, но и интригует – ведь невозможно предугадать, где в следующий раз встретится сюрприз от художника.

Исследовательский проект «Стрит-арт: вандализм или искусство?»

Министерство образования Республики Карелия

Государственное автономное профессиональное образовательное учреждение

Республики Карелия «Сортавальский колледж»

исследовательский проект

«Стрит-арт: вандализм или искусство?»

Работу выполнили студентки 711 группы «Строительство и эксплуатация зданий и сооружений» Дубровская Анна Васильевна и Галактионова Диана Максимовна

Руководитель:

Егорова Вилена Зикрулаевна,

преподаватель высшей квалификационной категории

Сортавала, 2016

Введение……………………………………………………………………………3

Теоретическая часть………………………………………………………………5

Глава I. История развития стрит-арта……………………………………………5

1.1. Истоки…………………………………………………………………..5

1.2. 1970-е годы……………………………………………………………..5

1.3. 1980-е годы……………………………………………………………..6

1.4. 1990-е годы……………………………………………………………..6

1.5. 2000-е годы……………………………………………………………..6

Глава II. Стрит-арт – «язык» города……………………………………………..8

Глава III. Влияние стрит-арта на различные аспекты культурной жизни человека…………………………………………………………………………..10

Практическая часть……………………………………………………………….12

1.Опрос…………………………………………………………………….12

2. Анализ проведенного опроса………………………………………….12

Заключение……………………………………………………………………….15

Список используемых источников………………………………………………..16

Введение

Стрит-арт – направление в современном изобразительном искусстве, отличительной особенностью которого является ярко выраженный урбанистический характер. Основной частью стрит арта является граффити, но нельзя считать, что стрит-арт это и есть граффити. К стрит-арту также относятся постеры, трафареты, различные скульптурные инсталляции и т.п. Художник создает свой стилизованный логотип – «уникальный знак» и изображает его на участках городского ландшафта. Самое главное в стрит-арте – не присвоить территорию, а вовлечь зрителя в диалог и показать различную сюжетную программу.

Актуальность: Тема стрит-арта стала актуальной для критиков, рецензентов, специалистов по оформлению культурной среды города с самого начала своего существования (1960 – 1970-е годы). Актуальна она и по сей день. Но самое большое распространение пришлось на начало 2000-х. появилась определенная свобода по многим направлениям жизни, в том числе и стрит-арт завоевал свою нишу в городской среде.

Актуальность нашей работы заключается в том, что стрит-арт приобретает большую популярность, но кто-то видит в нем искусство, а кто-то придерживается мнения о том, что это вандализм.

Цель: осмыслить значение стрит-арта в современном обществе.

Задачи:

  1. Изучить литературу по данной проблеме;

  2. Провести опрос среди пользователей Интернета для выявления их отношения к данной проблеме.

Основополагающий вопрос: Имеет ли стрит-арт перспективу развития в современном искусстве и архитектуре?

Методы исследования: изучение литературы, сбор Интернет-ресурсов, анкетирование, анализ полученной информации.

Объект исследования: стрит-арт.

Предмет исследования: мнение общественности о стрит-арте.

Гипотеза: Возможно, стрит-арт является искусством, если служит для достижения благородных целей, в противном случае – это вандализм.

Теоретическая часть

Глава I. История развития стрит-арта

1.1 Истоки

По легенде, история граффити начинается в 1942 году, во время Второй мировой войны, когда рабочий Килрой принимается писать ‘Kilroywashere’ на каждом ящике с бомбами, которые производят на фабрике в Детройте. Солдаты в Европе воспроизводят эту фразу на стенах, устоявших во время бомбардировок. Позже к этому первому проявлению вируса присоединяются подписи Корн бреда в Филадельфии в 1950-х —1960-х годах. Художник берёт город приступом вместе с CoolErl и TopCat. Втроём они создают граффити, в подлинном смысле давая начало этому течению.

1.2 1970-е годы

Из Филадельфии течение в конце 1960-x годов приходит в Нью-Йорк. Там всё начиналось в квартале WashingtonHeights в Манхэттене. В 1971 году «тег» распространяется повсюду, покрывая стены вагонов метро. Julio 204 — первый, кто помещает номер своей улицы рядом со своим псевдонимом. Первым райтером, признанным за пределами собственного квартала, стал Taki 183. Он оставляет следы своего присутствия в очень многих городских местах, становясь своеобразным «поджигателем» и провоцируя волну подражаний среди многих райтеров.

В то же время начинает появляться новая форма. 1972 год отмечает рождение нового эстетического языка. В то время как между райтерами, ищущих славы посредством своих псевдонимов, вспыхивает настоящая война, некоторые из них для того, чтобы как-то отличиться, используют неожиданные стилистические включения. Так зародилась основа стиля и кода граффити, используемого и сегодня.

1.3 1980-е годы

Быстрый и бесконтрольный рост движения вызывает определенный интерес культурных инстанций, от критиков до галерей. Поэтому начало 1980-х отмечает впечатляющее количество выставок, где молодые райтеры получают признание как художники в полном смысле этого слова. В 1981 году престижный журнал Арт Форум посвящает статью явлению FashionModa. В том же году райтеры принимают участие в выставке PSI NewYork/NewWave вместе с другими художниками, среди которых Жан-Мишель Баскиа, а также Джозеф Кошут, Уильям Берроуз,Нэн Голдин, Энди Уорхол и Лоуренс Вайнер. В 1982 году FashionModa выставляется на Dokumenta 7 в Касселе, Германия. С тем же озадачивающим очевидным успехом первые райтеры выставляются во многих музеях Европы параллельно с выставками в лучших галереях Нью-Йорка.

Одновременно с художественным признанием искусство граффити испытывает на себе жесткие санкции, которые вынуждают его развиваться вне метро и улиц. Давление оказывает значительный и подчас фатальный эффект на художественное развитие многих райтеров. Но не все смиряются с этим, и кое-кто ищет новые пути развития, дающие место многочисленным ответвлениям. С этого момента движение получает второе дыхание и обеспечивает себе дальнейшее развитие.

1.4 1990-е годы

Во Франции в 1990-х самым ярким представителем стрит-арта стал художник Space Invader (Захватчик). Он создавал мозаичные композиции в виде фигур инопланетян из аркадной видеоигры Space Invaders и расклеивал их в публичных местах по всему миру.

1.5. 2000-е годы

Последнее десятилетие отмечает разнообразие направлений, которые выбирает стрит-арт. Восхищаясь старшим поколением, молодые райтеры отдают себе отчёт в важности разработки собственного стиля. Таким образом, возникают всё новые ответвления, предсказывающие движению богатое будущее. Новые разнообразные формы стрит-арта подчас превосходят по своему размаху всё, что было создано до этого.

Глава II. Стрит-арт – «язык» города

Каждый город, как человек, имеет собственное лицо. Произведение стрит-арта, созданное в городской среде, подвергается критике обширной аудитории, зачастую совершенно неготовой к контакту с современным искусством. Художник, создавая стрит-арт произведение, должен быть готов, что не вся аудитория примет его произведение как искусство. Близкое монументальной живописи направление стрит-арта привлекает многих молодых художников. Стрит-арт — плод художников, стремящихся найти свою творческую нишу, тех, кого официальная система не интересует. Он отображает образ жизни всех слоев общества, такого же разнообразного и непредсказуемого. Это также хорошая возможность выдвигать неугодные государству политические и социальные требования, творя на «грани закона».

Общественное мнение об уличном искусстве формируется СМИ и официальной культурой. Если общество порой поддерживает креативный и эстетичный стрит-арт, то закон вынуждает художников идти на риск: возможны штрафы или даже реальные сроки заключения.

Такие примеры хорошего уличного искусства, как Кит Харинг, Bancsy, AVANT, Барри МакГи, Клет Абрахам, Петер Гибсон, Паша 183, Тимофей Радя, 310, Алексей Спай, Zukclub, ЛюдиСтен, Vitae Вязи, даже у самой консервативной публики не оставляют вопроса, является ли стрит-арт искусством. Их произведения содержат неоднозначный призыв, яркий авторский стиль, вызывающий последователей в разных проявлениях массовой культуры.

Для многих молодых художников стрит-арт становится единственной возможностью сделать публичным своё высказывание, увековечить свои мысли. Тем не менее, диалог между уличными художниками и обществом формируется крайне трудно. Общество преимущественно воспринимает независимое уличное искусство как хулиганство.

Стрит-арт выступает инструментом создания новых городских мест, городского синтаксиса. Уличный художник в этом случае выступает в качестве городского эксперта. Своими работами он вскрывает все правила городской жизни, выступая «и как читатель, и как создатель городского текста».

Шедевры уличного искусства лишены навязчивости и принудительности, каковыми обладает реклама, они дают право искать интересное. Стрит-арт многослоен и чувствителен к локальным история и местным героям, проявляя тех, кто обычно остается за пределами видимости в городе.

Уличное искусство, обращенное к массовой аудитории, определяет тренды и направления развития современного искусства.

Глава III. Влияние граффити на различные аспекты культурной жизни человека

Граффити распространяется на многие города и страны мира. Эволюция граффити приводит к постепенному объединению произведений граффити в определенную общность внутри современного искусства.

Граффити стало стартовой площадкой для многих известных художников и дизайнеров, например MikeGiant и PursueRime. Также ярким примером использования граффити в дизайне стала французская команда «123Klan», которая разрабатывала логотипы для таких компаний как Nike, Adidas, Lamborghini, CocaCola, Sony и другие.

В последнее время наблюдается внедрение граффити в видеоигры и разнообразные ролики. Также можно отметить его влияние на многие сферы графического дизайна, а именно сферы типографики, визуальных решений стиля телевизионных передач, упаковки пищевой продукции, книжного оформления, веб-дизайна.

«Сегодня граффити не только покинуло стены и поезда метро, чтобы перебраться на холсты и в художественные галереи, но еще и проявило себя на всем, от одежды до посуды. Есть граффити лампы, ремни, подушки, полотенца, ювелирные изделия и многое, многое другое».

Влияние граффити на дизайн проявляется активнее всего. В связи со своим происхождением оно нашло свое естественное место в дизайне городской среды. В последнее время граффити включают в проекты городской мебели. Из разрисовывания интерьеров заброшенных помещений граффити переходит в художественный прием, входящий в концепцию дизайна интерьера. Это придает интерьеру индивидуальный характер и делает его запоминающимся. Не менее существенно влияние граффити на архитектуру. Оно делится на 2 группы влияния: позитивное и негативное. Позитивное влияние включает в себя понимание граффити как арт-феномена, а негативное – испещренные малопривлекательными надписями здания.

Пионерами внедрения этого феномена в архитектуру стали швейцарские проектировщики Herzog&deMeuron и их работы: «CiudaddeFlamenco» в Испании, одиннадцатиэтажный жилой дом «40 BondStreet» в Нью-Йорке, библиотека университета в Котбусе.

Идеи сопряжения архитектуры и граффити также находят отражение в проектах архитектурных бюро: ITN Architecture, MetaformArchitects, Mi5 и Maurer.

Все эти проекты обрисовывают «постепенный, двусторонний процесс стирания грани между высоким и уличным искусством» и раскрывают потенциал для граффити стать основой для попытки определить новые горизонты современной архитектуры.

Практическая часть

1. Опрос

Опрос по теме проводился в социальной сети «В контакте». В опросе имели возможность принять участие все желающие пользователи сети, без возрастных и социальных ограничений.

Опрос состоял из двух закрытых вопросов:

  1. Как Вы относитесь к стрит-арту?

    1. Положительно;

    2. Нейтрально;

    3. Отрицательно.

  2. Стрит-арт – это …

    1. Искусство;

    2. Вандализм.

Всего в опросе приняли 458 пользователей социальной сети.

На первый вопрос ответило 458 человек. На второй вопрос ответило 374 человека

2. Анализ проведенного опроса

Как видно из результатов, полученных по первому вопросу (рис – 1), большинство людей считает стрит-арт искусством, а, следовательно, относится к данному явлению положительно.

Можно предположить, что нейтральное отношение возникло у людей далеких от современного искусства.

Отрицательное отношение, как правило, формируется у людей старшего (преклонного) возраста, либо у тех, кто столкнулся с откровенным вандализмом в виде расписанных фасадов и подъездов домов, нецензурных надписей и безвкусных рисунков.

Рис. 1 – Полученные ответы на вопрос «Как Вы относитесь к стрит-арту?»

Рис. 2 – Полученные ответы на вопрос «Стрит-арт – это…»

Анализируя результаты по вопросу «Является ли Стрит-арт искусством» (рис – 2), мы получили однозначный ответ – «Да». За него проголосовали 79 % респондентов.

Вывод: Стрит-арт, как одно из направлений современного молодежного движения, является искусством и имеет право на существование. Но при этом мы должны отметить, что как любой другой вид общественной деятельности стрит-арт должен приносить пользу, а райтеры не должны переходить определенные рамки, за которыми искусство превращается в вандализм.

Заключение

Стрит-арт в отличие от граффити более интеллектуален и сложен для восприятия, мировой стрит-арт сейчас воспринимается не как анти культурное и хулиганское действие, а как особый вид искусства.

Все настоящие художники стрит-арта соблюдают кодекс, который гласит: «Не расписывай дома, представляющие культурную ценность, и вообще, не рисуй на жилых домах — не навязывай людям свое мировоззрение, не пиши на именах других райтеров, тем более на чужих работах, на надгробиях: роспись мемориальных стен и машин — это смерть! Те, кто пишет на чужих работах, заслуживают презрения».

Итак, понятие стрит-арт воспринимается по-разному: для одних — это искусство, для других — вандализм. Как форма искусства и средство выражения взглядов стрит-арт всеохватывающий и свободный от цензуры. Это своего рода диалог автора с обществом.

Подводя итог выше сказанному, и проанализировав результаты опроса, можно утверждать, что стрит-арт является культурным феноменом, встречающийся в форме вандализма или как направление современного изобразительного искусства. Поэтому стрит-арт является искусством, если служит для достижения благородных целей, в противном случае — это вандализм.

Список используемых источников

Интернет-ресурсы

1. История развития стрит-арта. . Форма доступа: https://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%A1%D1%82%D1%80%D0%B8%D1%82-%D0%B0%D1%80%D1%82

2. Новое литературное обозрение. Стрит-арт в контексте современной городской культуры. . Форма доступа: http://www.nlobooks.ru/node/2954

3. К вопросу формирования стрит-арта как направления в искусстве. . Форма доступа: http://sibac.info/conf/philolog/li/42711

4. Актуальность темы стрит-арта. . Форма доступа: http://www.scienceforum.ru/2015/921/10853

5. «Ciudad de Flamenco» в Испании. . Форма доступа: http://www.eikongraphia.com/?p=1050

6. Одиннадцатиэтажный жилой дом «40 BondStreet». . Форма доступа: http://renatocilento.blogspot.ru/2010/07/40-bond-st-herzog-de-mouron2006.html –

7. Библиотека университета в Котбусе. . Форма доступа: http://worldis.org/biblioteka-brandenburgskogo-tehnicheskogo-universiteta-foto.html –

8. Мир 24. Граффити и стрит-арт: как язык гетто проник в музеи. . Форма доступа: http://mir24.tv/news/culture/10307098

Рецензия

на исследовательский проект «Стрит-арт: искусство или вандализм?»

обучающихся 711 группы первого курса обучения специальности

Строительство и эксплуатация зданий и сооружений

Дубровской Анны Васильевны и Галактионовой Дианы Максимовны,

руководитель Егорова В.З., преподаватель высшей квалификационной категории

Исследовательский проект посвящен актуальной теме приобретения широкой популярности направления в современном изобразительном искусстве – Стрит-арт.

Цель работы четко сформулирована и обоснована. План исследования включает в себя все необходимые этапы для достижения цели.

Исследовательский проект имеет логически правильную структуру. Он состоит из введения, теоретической части, практической части, заключения, а также списка использованных при написании проекта источников информации. Работа грамотно оформлена. Она содержит большое количество иллюстративного материала, что позволяет более наглядно раскрыть ее основные результаты.

Тема проекта полностью раскрыта. В описательной (теоретической) части раскрыты исторические этапы становления Стрит-арта, история его развития, культурный феномен данного явления. Авторы грамотно проанализировали большое количество литературы по заданной тематике. Теоретическая часть оформлена в соответствии с требованиями к реферативной работе и заслуживает высокой оценки.

Проект является исследовательским, поэтому способствует развитию познавательного интереса, аналитических способностей, различных способов восприятия и обработки информации.

В практической части проведено анкетирование, собственное исследование. Обобщены полученные результаты, приведен вывод, найдено подтверждение гипотезы.

На протяжении всего периода работы над проектом у обучающихся формировались необходимые умения и навыки, необходимые компетентности.

В результате работы над проектом была разработана презентация, наглядно иллюстрирующая тему. Продукт полностью соответствует требованиям качества, удобен в использовании, соответствует целям проекта.

Данный проект можно использовать в качестве дидактического материала для аудиторной работы с учебными группами по дисциплина Проектная деятельность, Информатика, а также для внеклассной работы: проведения факультативных занятий, классных часов.

Данный проект рекомендован для представления на учебно-исследовательской конференции среди обучающихся ГАПОУ РК «Сортавальский колледж» в 2016 году.

>Проекты

Обоснование социальной значимости

Современный город нельзя представить без граффити. Это вид уличного искусства, одна из самых актуальных форм художественного самовыражения молодежи по всему миру. Существует множество разных стилей и видов граффити. Произведения, создаваемые граффити-художниками, — самостоятельный жанр современного искусства, неотъемлемая часть культуры и городского образа жизни. Во многих странах и городах есть свои известные художники, создающие на улицах города настоящие шедевры.
Вместе с тем, крупные города страдают от ежедневно появляющихся несанкционированных рисунков и надписей. Фасады жилых и административных зданий, памятников архитектуры и истории уродуются по ночам. В настоящее время проблему пытаются решать двумя путями: вылавливать и штрафовать отдельных вандалов (что на практике очень непросто) и периодически ремонтировать фасады и стены. Усилия властей, полиции, муниципальных организаций и, наконец, частных владельцев безрезультатны. Огромные средства затрачиваются на ремонт, однако это даёт кратковременный результат.
Несмотря на высокую популярность граффити среди молодёжи это течение остаётся неформальным. Ни специализированные, ни общеобразовательные учебные учреждения не работают по данному направлению, практически не ведётся разъяснительная работа, а тем более подготовка квалифицированных художников.
Реализация представляемого на конкурс проекта позволит организовать основную часть уличных художников Смоленска в рамках неформального объединения, выработать у молодёжи негативное отношение к неконтролируемому и противоправному разрисовыванию фасадов зданий города. Стрит-арт художники получат возможность создавать граффити в специально выделенных разрешённых местах, регулярно проводить конкурсы и соревнования, избегая конфликтов с законом. Сам проект и его активное освещение проекта в региональных СМИ и соцсетях явится основой кампании по противодействию уличному вандализму. Только так можно изменить молодежь к лучшему и сделать город краше и чище.