Фантастические картины художников

Поурочные разработки. Изо 6 класс. Урок 9. Реальность и фантазия в творчестве художника

Урок 9. Реальность и фантазия в творчестве художника

Цели: познакомить учащихся с понятиями «реальность» и «фантазия» в творчестве художников; рассказать об условности и правдоподобии в изобразительном искусстве; развивать творческие способности учащихся.

Материалы: репродукции картин художников (В.М. Васнецов «Иван-царевич на Сером Волке», И.Я. Билибин «Сестрица Аленушка и братец Иванушка»), произведения искусства, характерные для различных эпох; бумага, кисти, гуашь.

Ход урока

1. Организационный момент

(Приветствие, подготовка готовности учеников к уроку.)

2. Беседа учителя

2.1. Введение в тему

Когда мы смотрим на картины художников, нам трудно определить, реальность или фантазия то, что изобразил мастер. Реальность и фантазия – две стороны художественного творчества. Творческое воображение необходимо мастеру для создания произведения. Порой художник изображает не действительность, а именно фантастический мир вещей для того, чтобы передать нам – зрителям – свое настроение. Такое право на вымысел и отличает искусство от науки. Художнику требуется мастерство владения художественным языком, выразительными средствами, чтобы суметь верно отобразить свои мысли и главный замысел произведения. Все это относится не только к портрету, картинам со сложным сюжетом, но и к пейзажу, а также к натюрморту.

2.2. Анализ картины В.М. Васнецова «Иван-царевич на Сером Волке»

Сегодня на уроке мы будем говорить о картине В.М. Васнецова «Иван-царевич на Сером Волке». На примере данной работы мы познакомимся с фантастическим миром в живописи.
Картина была написана в 1889 г., в период работы Васнецова во Владимирском соборе в Киеве. После завершения работа была выставлена на передвижной художественной выставке. Эта картина представляет собой иллюстрацию к известной русской сказке «Иван-царевич и серый волк». Иван-царевич вместе с Еленой Прекрасной мчатся на волке сквозь темный лес, спасаясь от погони. Для образа царевны Васнецов использовал написанный в 1883 г. этюд с племянницы С.И. Мамонтова Натальи – «Портрет Натальи Анатольевны Мамонтовой».

Посмотрите на картину внимательно. Иван-царевич гордо восседает на волке, взгляд его устремлен вдаль, он верит в спасение. Главный герой бережно обнимает Елену, чувствуя свою ответственность за ее судьбу.

Обратите внимание на одежду Ивана-царевича. Он одет в парчовый кафтан и подпоясан зеленым кушаком. На его голове – царская шапка, отороченная мехом, а на руках – узорчатые рукавицы. Червленый меч будто догоняет хозяина на лету.

Образ Елены олицетворяет чистоту и покорность. Ее голова лежит на плече Ивана-царевича, а руки сложены на коленях. Густые шелковые волосы героини развеваются на ветру. Елена одета в шелковое платье салатного цвета. На голове – яхонтовая корона, на шее – бусы из скатного жемчуга, на ногах – сафьяновые сапожки. Хотя картина выдержана в темных тонах, она производит радостное впечатление. Возможно, между героями возникает чувство любви, а белые цветы символизируют их счастливую будущую жизнь.

2.3. Ответы на вопросы

– Какой эпизод запечатлел художник на картине? (На картине запечатлен эпизод бегства Ивана-царевича с Еленой Прекрасной от царя Далмата к царю Кусману.)
– Что мы видим на переднем плане картины? (На переднем плане картины мы видим болото с кувшинками, старую кривую яблоню с цветущей веткой.)
– Что изображено в центре картины? (В центр художник поместил всадников на волке.)
– Что изображено на дальнем плане? (Могучие стволы вековых дубов.)
– Какую цветовую гамму использовал Васнецов? Почему? (Примерный ответ. Васнецов использовал в основном темные тона, так как всадники мчатся по темному ночному
лесу, их преследуют. Темная гамма передает состояние страха, чувство опасности. Светлыми тонами написаны всадники, так как они совершают доброе дело. А белые кувшинки в болоте и белая цветущая ветвь справа – символ надежды на успех, веры в счастливый финал.)

2.4. Анализ картины И.Я. Билибина «Сестрица Аленушка и братец Иванушка»

Иван Яковлевич Билибин, русский художник конца XIX – начала XX в., работал в былинно-сказочном жанре, создавая замечательные иллюстрации к русским сказкам. Художник стал известен благодаря своим работам к сказкам «Царевна-лягушка», «Василиса Прекрасная», «Сказка о золотом петушке». Именно сказочной теме народного искусства он посвятил все свое творчество.

Картину «Сестрица Аленушка и братец Иванушка» Билибин создал как иллюстрацию к известной сказке. Художник запечатлел момент, когда сестрица Аленушка предостерегает своего брата от того, чтобы он не пил воду из речки, на берегу которой пасется табун лошадей. На переднем плане иллюстрации мы видим Аленушку и Иванушку. Одежда на них типична для русского крестьянства Древней Руси. Девушка одета в белую рубаху с красным узором, поверх которой синий сарафан. Голова покрыта белым платком. Стоит обратить внимание на черты лица Аленушки. Они преисполнены строгости и одновременно любви к своему младшему братцу и заботы о нем. Иванушка обращен к нам боком, его лица мы не видим. Он одет в классическую русскую одежду: рубаху, подпоясанную тесемкой, и штаны. Дети не обуты, несмотря на то, что идут они долго. Это подчеркивает, что дети в несчастье (у них умерли родители). Мальчик держит в руке дорожный посох, что также указывает на длительность странствий брата и сестры. Дети стоят на берегу реки, поросшем молодым ельником. На другом берегу пасутся лошади. Они представляют собой задний план картины. Фоном выступает еловые холмы, перед которыми одиноко покоится избушка. В нижней части иллюстрации под чертой, проведенной автором, мы наблюдаем предысторию события, изображенного художником в основной части произведения. Такой вывод можно сделать по множеству пней, торчащих из земли, и, разумеется, по стаду коров, пасущихся на берегу. Эти обстоятельства указывают на близость людского селения, из которого начали путь дети. Орнаментом картины сбоку служит узор из грибов, цвет ножек которых попеременно меняется. Такой узор также указывает на особую роль пути, долгой, изнуряющей дороги, странствия. Вверху же орнамент выполнен в стиле узора народной вышивки, что подчеркивает принадлежность сказки, к которой написана иллюстрация, к фольклору.

В целом по картине можно судить о том, что событие, изображенное на ней, лежит в непосредственной близости от завязки сказки. Передано также настороженно-упреждающее настроение, чувствуется приближение чего-то недоброго, беды, которой можно было бы избежать. Так одной иллюстрацией художник Билибин создал в воображении читателя детальные образы героев и как нельзя лучше передал сказочную атмосферу этого шедевра народного творчества.

3. Творческое задание

На этом занятии вам предлагается изобразить фантастический мир. Используйте краски разных цветов. Замысел своей работы вы можете позаимствовать из русских народных сказок.

4. Подведение итогов урока

(Учащиеся демонстрируют свои работы.)

На примере данных картин мы увидели, как художники запечатлели фантастический образ, выразив свою мысль при помощи различных художественных средств; искусство в целом представляет собой игру образов, а не реальных объектов, сотворение вымышленного мира, в котором живут выдуманные герои.

Презентация по ИЗО в 6 классе на тему: «Реальность и фантазия в творчестве художника».

Презентация по изобразительному искусству в 6 классе.

Тема: «Реальность и фантазия в творчестве художника».

Подготовила учитель музыки и ИЗО

МБОУ «СОШ №33» Зозулевская Т.В.

г. Симферополь 2016г.

Вы океан переплывать

не пробывали?

А акула вам, случайно,

голову не откусывала?

Ну хоть на Луне-то вы,

надеюсь, были? Нет?!

Так вы просто не

фантазёры. Вот Мишутка

со Стасиком проделывали

всё это сотни раз!…

Фантазёр

— это мечтатель, сердце которого

наполнено смелыми и неожиданными замыслами.

Что такое фантазия?

Вымысел

В науке

В искусстве

«Пан». 1899 г. М.А. Врубель.

Третьяковская галерея

Такое право на вымысел отличает искусство от науки .

Чем фантазия отличается от лжи?

Что общего между фантазией

и воображением?

Реальность жизни

Тема урока

«Реальность и фантазия в творчестве художника»

Цели урока

— Больше узнать о художественных произведениях и роли фантазии и реальности (правды) в творчестве художников.

-Больше размышлять и анализировать художественные произведения.

-Развивать умения видеть и воображать,

мечтать и фантазировать, создавать новые образы.

-Поддерживать беседу-диалог, беседу-размышление. Работать в парах.

-Раскрыть тему «Реальность и фантазия в творчестве художника» на примерах картин.

-Выполнять практическую работу.

Искусство помогает каждому войти в мир изящной фантазии и мечты.

В.П. Вахтеров

  • Воображение

Мастер

изображения придумывает

фантастические образы, на которые

вдохновляет его природа.

  • Фантазия

Мастер изображения рисует не только то, что видит вокруг, но и то, что ему подсказывает…

Художественное творчество

-это вид творчества, результатом которого является создание произведения искусства,

т. е. специфическое отображение объективной реальности в форме художественных образов.

Творческое воображение

является необходимым компонентом

и основой всех видов творческой деятельности человека.

ТВОРЧЕСКОЕ ВООБРАЖЕНИЕ — предполагает самостоятельное

создание образа.

Реальность и фантазия-

два крыла художественного творчества

Реальность – это наш существующий мир.

Художник

умеет и фантазировать

умеющий видеть жизнь,

Художник придумывает

сказочно – фантастические сюжеты, иные миры, небывалые страны.

В фантастическом мире

может быть реальным существование любых фантастических существ.

Реальность

рассказывает нам о событиях прошлого.

В. Васнецов

«Иван Царевич на Сером Волке»

Ценность искусства не в том, чтобы обмануть зрителя, заставить его принять изображение за саму реальность, а в подлинности

чувств и переживаний, передаваемых художником зрителю.

М.З. Шагал «Прогулка».

Художественное произведение

Творческое воображение зрителя

Творческое воображение художника.

Алгоритм заполнения колонки:

-Как бы вы назвали эту картину?

-Какие чувства вызывает у вас эта картина?

-Что, по вашему мнению, автор «хотел сказать» этой картиной?

-Какова её главная мысль, «зачем» он её написал?

-Что сделал автор для того, чтобы мы поняли его замысел?

-Какими средствами он это достиг: а) жанр картины; б) сюжет и композиция; в) рисунок, ритм, колорит…

М.З.Шагал «Прогулка»

Когда мы смотрим на картины художников, нам трудно определить, реальность или фантазия, то, что изобразил мастер.

… Разве может быть так, чтоб люди летали? В этом произведении выражена реальность, правда, чувств художника…

Правда искусства –

это реальность, пережитая человеком.

Реальность в произведении повёрнута к зрителю теми её сторонами, которые выбрал художник, которые взволновали его.

В созданных произведениях раскрываются явления жизни, пропущенные через фантазию автора, его отношение к действительности.

Художник изображает

не действительность, а фантастический мир, для того чтобы передать зрителю своё настроение.

Художник может сочинять, изображать то, чего нет.

«Сотворение Мира»

М.К.Чюрлениса

«Знаки Зодиака»

М.К. Чюрлениса

Художник может рассказать нам:

-придуманные события.

  • о жизни людей, которых никогда не было.
  • может изображать небывалых чудовищ.

— может изображать немыслимые механизмы.

Во сне, наши сказочные фантазии продолжаются.

Нам снятся добрые, волшебные сны.

Практическая работа

Вопросы:

1.Как вы понимаете роль фантазии в жизни человека?

2.Помогает ли искусство развитию фантазии?

3.Как вы думаете, что такое творческое воображение художника и что такое творческое воображение зрителя?

4.Нужно ли зрителю воображение для понимания картин?

Зачем человеку нужны фантазия и воображение?

  • Фантазии — плод нашего творчества.

  • Художник, умеющий видеть, умеет и фантазировать

Во сне наши сказочные фантазии продолжаются.

  • Нам снятся добрые волшебные сны.
  • Художник придумывает

(воображает)

сказочно-фантастические

сюжеты, иные миры,

небывалые страны.

  • В фантастическом мире может быть реальным существование любых

фантастических существ.

Всё, о чём мы говорили, относится не только к картинам со сложным сюжетом, но и к портрету, пейзажу, натюрморту.

Тема «Реальность и фантазия в творчестве художника»

раскрывалась на протяжении столетий,

и до сих пор она остается актуальной, среди современности.

Спасибо за работу!

Вы молодцы!

принести, лист А3, карандаш, восковые мелки.

А также найти любую репродукцию картины известных художников, где вместе шагают реальность и фантазия.

Интернет- ресурсы:

LiveInternetLiveInternet

Цитата сообщения Инга_Липовская Магия живописи…
Мир живописи таит немало тайн. Жизни художников тесно переплетаются с бытованием написанных ими картин, а иногда в зависимость от красок попадают не только творцы иллюзий, но и их приобретатели. В истории искусства известно несколько полотен, непостижимым образом влияющих на окружающую их реальность.
Наверное, каждый, кто хотя бы раз был в Лувре и видел знаменитую «Джоконду», скажет, что это невероятное по силе и энергетике полотно. Многие признаются, что, глядя на картину Леонардо да Винчи, создается впечатление, что Мона Лиза всё время своего существования ждала только Вас, ради Вас была написана и теперь её таинственная неразгаданная улыбка, наконец, обрела смысл…
За эту иллюзию избранности многие посетители главного французского музея, в особенности натуры эмоциональные, платят временным ухудшением самочувствия. Первым влияние «Джоконды» на здоровье отметил писатель Стендаль , признавший, что от долгого созерцания шедевра у него тают силы. Перед всемирно известным портретом зафиксировано более ста случаев внезапных обмороков, у отдельных зрителей случаются приступы необъяснимого панического страха, и даже галлюцинации.
Возможно, виной тому – талант да Винчи, но, что интересно, – подобное влияние на психику ощущается только при лицезрении оригинала, многочисленные копии никак не влияют на душевное и физическое состояние. Сотрудники Лувра утверждают, что если «Мона Лиза» продолжительное время оказывается скрытой от людских глаз, она тускнеет, краски на полотне блекнут, но стоит картине снова появиться на публике, как она буквально «оживает», становится яркой и «живой», и улыбка «Джоконды» сияет с новой силой…

Возможно, портрет, прижизненное изображение человека сохраняет в себе частичку его души? Языческие культы многих народов запрещают изображать человека, поскольку считается, что любое копирование оригинальных черт уносит каплю жизни. Увы, судьбы многих натурщиц только подтверждают это суеверие (суеверие ли?..).
Супруга Рембрандта и его дети, много позировавшие голландскому живописцу, прожили недолго: жена умерла через восемь лет после свадьбы, трое детей – в младенчестве, последний, четвертый – в возрасте 27 лет; вторая жена и дочь Питера Пауля Рубенса, также воспетые им на своих полотнах, ушли в мир иной в 34 и 12 лет соответственно; Симонетта Веспуччи, муза Сандро Боттичелли, обретшая бессмертие и вечную молодость на картинах мастера, покинула бренный земной мир в 23 года. Натурщица Амадео Модильяни, Жанна Эбютьен, покончила с собой; Елизавета Мартынова, в которую был влюблён Константин Сомов, после окончания портрета «Дама в голубом» скончалась в течение месяца; сын Михаила Врубеля умер через несколько дней после окончания работы над его портретом; многие девушки, позировавшие Валентину Серову, не прожили долго…
В XIX веке главным «проклятым» портретом считалось изображение Марии Лопухиной, которая прожила короткую несчастливую жизнь, умерев практически сразу после окончания работы над её портретом. Отец девушки, Иван Лопухин, был известным мистиком и магистром масонской ложи, поэтому богатое воображение тамошних дворян приписало ему власть над душами усопших. Ходили слухи, что убитому горем отцу удалось поместить дух Марии в её портрет, навеки заключив в живописной оболочке, но душа дочери жаждала свободы, а потому убивала всех молодых девушек, глядевших на портрет…

Дурную славу имеет и знаменитый шедевр Веласкеса «Венера за туалетом», ныне хранящийся в Национальной Британской галерее в Лондоне. Первым приобретателем этой картины был мадридский купец, дела которого практически сразу после появления в его жизни «Венеры» пошли из рук вон плохо: корабли с дорогими товарами один за одним потерпели крушение или были разграблены пиратами, в результате чего несчастный разорился и был вынужден продать всё своё имущество, в том числе и работу Веласкеса.
Полотно приобрел другой купец, также быстро ощутивший губительное влияние «Венеры-разорительницы»: в его портовый склад с товаром попала молния, и всё добро сгорело, а картина оказалась у местного ростовщика. Но и ему не суждено было полюбоваться прелестями Венеры: спустя три дня в его дом залезли воры, зарезавшие хозяина.
Долгое время «Венера за туалетом» скиталась по музеям и частным коллекциям, каждый раз оказываясь роковой для своих хозяев, пока она, наконец, не попала в Национальную Британскую галерею, где в 1914-м году её порезала сумасшедшая посетительница. С тех пор картина, вероятно, утратила свои мистические свойства, однако администрация музея предпочитает выставлять её за стеклом, во избежание эксцессов…

«Крик» Эдварда Мунка давно считается «непростой» картиной, которая – ни много, ни мало – мстит своим обидчикам! Известно, по крайней мере, два случая такой «мести». Сотрудники музея Мунка в Осло, откуда неординарное полотно было украдено несколько лет назад, рассказывают, что некий рабочий однажды нечаянно уронил картину, после чего у него начались страшные головные боли, не отпускавшие несчастного ни на минуту. Измучившись от неизвестного недуга, молодой мужчина покончил с собой. Второй же жертвой «Крика», стал излишне любопытный посетитель, который дотронулся до холста и в тот же вечер сгорел заживо в своём доме от внезапно начавшегося пожара… Возможно, и похитителей картины настигла не менее трагическая участь.

Способность воспламенять дома приписывают «Пруду с водяными лилиями» Клода Моне. После окончания работы над этим полотном, известный импрессионист решил отметить это событие с друзьями, во время вечеринки в студии художника начался небольшой пожар, но пламя быстро залили вином и забыли про инцидент. Однако картина сохранила память о нём…
Полотно Моне было куплено одним из кабаре на Монмартре, где оно успело провисеть чуть больше месяца, после чего страшный пожар полностью уничтожил здание. «Лилии» удалось спасти, и их приобрёл парижский меценат и ценитель искусства Оскар Шмитц. Спустя год в его доме начался пожар, вспыхнувший в кабинете, где в тот момент находилась картина, но ей снова удалось чудом уцелеть. В 1958-м году работа Моне оказалась в Нью-Йорке в музее современного искусства, где пробыла четыре месяца – как можно догадаться, и здесь случился пожар, однако на этот раз картина все же пострадала и сильно обуглилась. Сегодня пейзаж отреставрирован и восстановлен.
Последний скандал, связанный с проклятой картиной, разразился уже в наше время по поводу работы Билла Стоунхэма «Hands Resist Him» (буквально – «Сопротивляющиеся руки»). На создание полотна художника вдохновила старая фотография, случайно найденная им в доме родителей, на которой Стоунхэм запечатлён в возрасте пяти лет. Какие впечатления связаны у художника с детством, мы можем только догадываться, но получившееся в итоге выплеска этих эмоций в 1972-м году полотно действительно вызывает негативные эмоции и выглядит пугающе.
Первой «жертвой» «Сопротивляющихся рук» стал актёр Джон Марли, купивший картину и вскоре после этого отошедший в мир иной. После его смерти таинственный рисунок был случайно найден на свалке, среди мусора. Главу семейства заинтересовала находка, и он решил забрать её домой и повестить в детской спальне. В первую же ночь четырёхлетняя дочка нового хозяина картины разбудила родителей криками, что дети на полотне дерутся. На следующую ночь она сказала, что дети спрятались за дверью, а на третью ночь в детской спальне установили видеокамеру, включив режим реагирования на движение. Камера сработала несколько раз…
Решив не испытывать судьбу, семья, нашедшая картину, выставила её на продажу через Интернет-аукцион eBay. Буквально через несколько дней после появления её в числе лотов, на почтовые адреса администраторов сайта стали приходить письма с просьбой снять полотно с торгов и жалобами на плохое самочувствие, обмороки и даже сердечные приступы после просмотра «Сопротивляющихся рук». Техническая поддержка Интернет-аукциона вывесила предупреждение «Людям с неустойчивой психикой не смотреть!», но многие из любопытства пренебрегли им и получили негативный заряд от проклятой картины.
Наконец, «Сопротивляющиеся руки» были проданы за 1025 долларов, в то время как стартовая цена картины была всего 199$. За время аукциона картину посмотрело более 30 000 человек, а приобрёл её галерист из Чикаго Ким Смит. Теперь письма с просьбой уничтожить картину стали приходить на его адрес, люди писали про зло, исходящее от полотна, а экзорцисты Эд и Лоррейн Уоррен предложили ему свои услуги по избавлению картины от дьявольского духа, вселившегося в неё…
Американские экстрасенсы нашли своё объяснение «проклятию» «Сопротивляющихся рук», связав его с домом Сатилло, расположенном на холмах Калифорнии. Они утверждают, что не раз видели в этом доме призраков двух детей: «Их звали Томом и Лаурой, и они как две капли воды были похожи на детей, изображённых на картине. Мы видели мальчика. Он носит лёгкую футболку и шорты. Его сестра всегда в тени, но он, кажется, защищает её…»
Картины на библейские сюжеты считаются воплощением святости, однако не всегда приносят счастье обычным людям. Так полотно «Поклонение волхвов» кисти голландского художника Питера Брейгеля-старшего считалось дарующим… бесплодие. Изображенная в образе Девы Марии двоюродная сестра мастера не могла иметь детей, за что была регулярно попрекаема своим супругом. Именно она, по легенде, и «заразила» картину. Четырежды полотно приобретали разные люди, и четырежды в разных семьях повторялась одна история: после покупки «Волхвов» Бог не благословлял их детьми на протяжении 10-12 лет…
Конечно, все эти истории могут быть расценены как фантазия автора, но, как гласит народная мудрость: сказка – ложь, да в неё намёк…

Креативность и магия творчества

Сегодня я погружу вас в философские и немного научные, а где-то мистические соображения об искусстве и процессе творения. Такие темы практически невозможно излагать кратко. Но, как всегда, я старалась соблюсти правила написания статей и поговорить о главном. На написание публикации меня вдохновил доктор психологических наук Субботский Евгений Васильевич и его магическое мышление 🙂 Итак, я начинаю…
Искусство — это способ передать, воплотить свою картину мира в материальном мире. Рене Магритт — ярчайший пример креативности, мастерства и философского мышления. Бельгийский сюрреалист посредством своих картин заставляет задуматься о жизни в современном мире и истории человечества в целом. Потрясающий ассоциативный ряд. Его картины не пестрят яркими красками, что не отвлекает от размышлений о мире, о человеческих пороках, о запутанности наших сознаний стереотипами и догмами. Эти картины оставляют шлейф размышлений, как после только что прочитанного литературного шедевра. Я стоя апплодирую его креативности и умению заставить задуматься.

В качестве примеров я использовала изображения картин Рене Магрита «Дитя человеческое», «Лесть пространства», «Пустая маска» и «Портрет».
Говоря о креативности — это способность выйти за пределы обычного мышления. А творчество — это особый тип мышления. Картины Рене Магритта открыты, конструктивны, поражают гибкостью, оригинальностью, легкостью, а точность передачи мысли вдохновляет. Такое мышление можно рассматривать, как высший уровень развития интелектуальных способностей и интелектуальной одаренности. Это чувственность к новому. К новому видению, к новой манере подачи. Креативное мышление — важнейший инструмент в руках творящего. Я заметила, что креативные люди уверенны в себе, обладают чувством юмора, повышенным вниманием к своему «Я». Они готовы рисковать и спокойно относятся к состоянию неопределенности, верят в себя и свои силы и в свое «Эго». Также креативные люди независимы в суждениях и обладают высокой доступностью к подсознанию. Умение погрузиться в свой мир, не боясь его, а с интересом и жаждой изучать самого себя. Креативный человек стремится к ощущению себя, как творческой личности. В процессе изучения этого вопроса я выделила суждения о творчестве трех известных представителей психоанализа и психологии:

  • З. Фрейд считал творчество «перевоплощением» полового влечения и итогом компенсации комплекса недостаточности.

  • К. Юнг считал творчество проявлением архетипов коллективного бессознательного.

  • Р. Ассаджиоли считал творчество процессом восхождения личности к «идеальному» и способом ее самораскрытия — пожалуй, это мнение наиболее близкое лично для меня.

Процесс творения — это процесс личностного роста, роста способностей. Кстати, хочу добавить, что для творческих людей с развитым креативным мышлением характерны частые «вспышки темперамента» и «хирургическая холодность» в междличностных отношениях.
Творчество — это стремление к раскрытию своего позитивного потенциала. В психотерапии существуют практики изваяния статуй своих обидчиков, а потом их уничтожение, что, в дальнейшем, приводит к освобождению от обид и других негативных ассоциаций. Творческий процесс созидателен в положительном смысле. Это раскрытие позитивного потенциала. Это стремление донести до публики мысль, идею или «заявить» о себе. Творчество не может быть бессмысленным.

Еще в древности с помощью наскальных рисунков люди заявляли о себе или общались со своими богами, духами или демонстрировали связь с природой (до сих пор это точно не известно). Кстати, начало искусства, как такового, считается именно момент появления наскальных рисунков. Далее люди изготавливали для себя украшения — будь то ожерелье из ракушек, что могло указывать на искусного рыбака, или ожерелье из клыков и когтей убитых животных, что указывало на искусного охотника, или украшения, которые указывали на статус человека, например вождя племени. А атрибутика шаманов всегда завораживала меня. С помощью своей атрибутики шаманы устанавливали связь с миром духов, с миром магии, который и сейчас пронизывает наш мир, словно Черная материя. Оглушенный, под давлением науки, мир почти утратил связь с миром магии. Однако, он есть, и это неоспоримый факт. В качестве просто примера можно рассмотреть феномен воплощения мысли в реальность. Мысль — это энергия, которая создает вибрацию. Каждая клетка нашего тела вибрирует, как и каждое слово, даже, если мысль не озвучена — она вибрирует и становится звеном в цепи жизни каждого человека. Мне говорили, что скорость мысли равна 330 000 км/ч., информация в источники в интернете разные от 300 000 до 440 000, но не ниже 300 000, то есть быстрее, чем скорость света. Человек может осознанно направлять свои мысли. Когда я наблюдала службу в буддийском храме, я видела, как монахи, после прочтения мантр, бьют в барабаны, используют духовые инструменты. Звук получается громким и неразборчивым. Потом мне объяснили, что тем самым они создают энергетический вихрь, что усиливает силу прочтенных ими мантр. Эта тема для меня безумно интересна, поскольку я духовный практик, я на собственном опыте и неоднократно убеждалась в достоверности своих суждений насчет материализации мыслей, поэтому не буду углубляться. Однако, желания каждого из нас рано или поздно сбывались — это прямой результат силы мысли.

Вернусь к атрибутике шаманов и продолжу начатую тему об искусстве и мире магии.
Так вот, с помощью своей атрибутики, шаманы «погружались» в мир духов и получали свои видения и информацию. Таким образом, например, на украшениях появлялись причудливые узоры или создания, на них появлялось то, что видел шаман, будучи в мире духов — и это тоже вид творчества. Кстати, по сей день мы обращаемся к шаманам горного Алтая, или кто-то едет в Перу, кто-то ходит к бабкам, заклинателям и экстрасенсам — человек на подсознательном уровне продолжает верить в магию. Тему религии раскрывать не буду, но и это акт обращения к сверхестественному. Хочу обратить внимание, что изначально связь человека с природой была неразрывна. Природа вдохновляла, природа «наказывала», и в каждом камне, в каждом дереве человек видел дух жизни и воплощал свою связь в виде примитивных статуэток, изображений, опять же, украшений. В современном мире, представители такой субкультуры, как растафарианство, до сих пор придерживаются натуральных тканей в своих одеждах, никакой косметики, никаких расчесок, все естественное и натуральное. Кстати, истинный растафарианец носит украшения которые делает сам и зарабатывает на жизнь только своим творчеством, будь то музыка, будь то украшения, береты с цветами их национального флага и так далее.
Сейчас, человек перестал относиться к украшениям, как к связи с духовным миром. Сейчас это называется аксессуар, и ценность его в правильно подобранных цветах и формах, в качестве исполнения и лояльном ценнике. Это основные критерии и, конечно, сейчас, они важны. Но я уже немного говорила об этом в своей предыдущей публикации: изделие ручной работы несет особенный энергетический потенциал. Сет и сеттинг, при которых изготавливаются изделия, являются ключевыми источниками его энергетической нагрузки. Это важно знать каждому мастеру.
В общих чертах я поделилась своими знаниями и мыслями в представленных областях. Мне приятно знать, что я являю наследие наших древних предков в своих изделиях. Я бесконечно рада, что могу расти и удовлетворять свое неудержимое желание представить себя миру и передать часть себя через свои изделия. Я совершенствуюсь, мои руки делают то, чего никогда раньше не делали. Я доверяю себе. Я верю в себя. Я с удовольствием погружаюсь в глубины своего естества, и я чувствую связь с целым миром, с целой Вселенной. Я творец 🙂 И я здесь!
В завершении своей статьи скажу, что в творчестве не может быть границ и условностей. Нельзя сказать о творчестве: «Этому быть, а этому не быть». Творите, раскрывайтесь, растите, удивляйте себя и дело в шляпе!

Спасибо за внимание. Успехов и позитива каждому из нас!

С уважением, Мария Лаптева.

Живописец-пейзажист, вдохновивший космическую программу

Понравились те картины про гибель от ядерной бомбы Москвы и Манхэттена?
Давайте еще поговорим про автора самых примечательных из них — художника Чесли Боунстелла (Chesley Bonestell, 1888-1986). Другие его работы намного более спокойны и красивы, причем он сумел вообразить, как выглядят космические пейзажи еще до того, как телескопы НАСА и глазки космонавтов увидели это в реальности.

Биография из русской википедии, автор уважаемый GBV:
Его работы повлияли на научно-фантастическое изобразительное искусство и были источником вдохновения американской космической программы. Один из ранних художников в астрономической тематике, он был назван «отцом современного космического искусства».

Свою первую «астрономическую» картину он написал в 1905 году, в возрасте 17 лет. Увидев Сатурн через 12-дюймовый (300 мм) телескоп в обсерватории Сан-Хосе, он бросился домой, чтобы нарисовать то, что увидел (картина погибла в землетрясении 1906 года в Сан-Франциско).
То, что вы легко рисуете на компьютере, он делал кисточкой.

Сегодня такие пейзажи для нас абсолютная «повседневность» из-за бесчисленных высокобюдженых фантастических фильмов. Но в первой половине ХХ века они производили ошеломляющее впечатление.

Боунстелл изучал архитектуру в Колумбийском университете в Нью-Йорке. Бросив его на третьем курсе, он начал работать в качестве визуализатора и дизайнера в нескольких ведущих архитектурных фирмах того времени. Сотрудничая вместе с Уильямом ван Аленом, он и Уоррен Стратон разработали фасад в стиле ар-деко Крайслер-билдинг, а также его характерные статуи орлов. Тогда же он разрабатывал дизайн памятника Плимутского камня, здания Верховного суда США, ещё нескольких офисных и жилых зданий в Нью-Йорке и капитолиев нескольких штатов.
Собственно, создается ощущение, что многие киноштампы, наоборот, даже идут именно от его картин 1940-50-х годов.


Вернувшись обратно на Западное побережье, он участвовал в иллюстрировании основного инженерного проекта для моста Золотые Ворота. Когда из-за Великой депрессии в Соединённых Штатах не нашлось работы в архитектурной сфере, Боунстелл отправился в Англию, где он рисовал архитектурные объекты для Illustrated London News. В конце 1930-х он переехал в Голливуд, где он работал (без упоминания в титрах) в качестве художника спецэффектов нескольких фильмов, в числе которых «Горбун из Нотр-Дама» (1939), «Гражданин Кейн» (1941) и «Великолепные Эмберсоны» (1942).

Боунстелл вскоре понял, что может объединить свой опыт в моделировании и живописи со своим пожизненным интересом к астрономии. Результатом этого стала серия изображений Сатурна, наблюдаемого с поверхности нескольких его спутников, опубликованная в Life в 1944 году. Ничего подобного публика не видела раньше: они выглядели так, как будто фотографы были отправлены в космос.

Его картина Сатурна, видимого с Титана, стала, пожалуй, самым известнейшим астрономическим пейзажем. Она была создана с использованием глиняных моделей, фотографических трюков и различных техник живописи. В реальности Титан имеет плотный слой атмосферы, поэтому такой вид Сатурна вряд ли возможен на самом деле.
«Вид на Сатурн с Титана», 1948.
Ее называют картиной, которая запустила тысячу карьер (the painting that launched a thousand careers)
В дальнейшем Боунстелл создал ещё ряд подобных картин, опубликованных во многих ведущих журналах. Вместе с другими работами они в итоге были собраны вместе в книге «The Conquest of Space» (1949), созданной в соавторстве с Вилли Леем. Последним вкладом Боунстелла в Голливуде были спецэффекты и техническая консультация многочисленных научно-фантастических фильмов Джорджа Пала, в том числе «Место назначения — Луна», «Когда миры столкнутся», «Война миров». Начиная с октябрьского выпуска 1947 года Astounding Science Fiction, Боунстелл нарисовал более 60 изображений для обложек научно-фантастических журналов, в первую очередь для Magazine of Fantasy & Science Fiction в 1950-70-е годы, а также для многочисленных обложек книг.
Первая обложка Bonestell для Galaxy Science Fiction (февраль 1951).
«Космический корабль на Марсе, завязший из-за песчаной буры».
Когда Вернер фон Браун организовывал для Collier’s Weekly симпозиум, посвящённый космическим полётам, он пригласил Боунстелла для иллюстрирования своих концепций будущих комических полётов. Тогда было продемонстрировано, что полёты в космос являются делом ближайшего будущего и возможны уже с использованием технологий середины 1950-х.
Цены на его картины, несмотря на их значение, не переваливают 100 тыс. долл., в среднем идут по 15-35 тыс.
«Конец света: Солнце становится суперновой», 1978 год
Он прожил долгую жизнь и скончался в 1980-х годах, не дожив пару лет до своего столетия — и успев увидеть или по крайней мере, услышать, многое из того, о чем пророчил.
«Формирование Земли», 1978.
Очевидно, в этот зрелый период, когда космос уже стал проходным двором, ему делать то, что раньше стало уже не интересно.
Его неоднокрадно удостаивали множеством международных наград за тот вклад, который он внес в рождение современной комонавтики — медали, места в залах славы всяких научных обществ. Также в честь него назвали астероид. Его имя обыгрывал Хайнлайн, в «Стартреке» и т.п.
Существует премия его имени — её вручают ежегодно лучшим SF&F работам в нескольких номинациях.
http://www.bonestell.org/
Вот еще одна поздняя картина
Doublestar System: Beta Lyrae , 1978
Кажется, это какой-то уже исторический пейзаж
А вот апокалиптический вид Чикаго. (Это картина маслом, что точно указано, в случае других картин не всегда это понятно). Эскиз для обложки July 1947, Coronet Magazine.
«Chicago at the temperature of melting lead due to solar disturbance or orbit disruption»